La Vida de Nadie

Título: La Vida de Nadie
Año: 2.003/103' ESPAÑA
Dirección: Eduard Cortés
Guión: Eduard Cortés y Piti Español
Música: Xavier Capellas
Fotografía: José Luis Alcaine
Reparto: José Coronado, Adriana Ozores, Marta Etura, Roberto Álvarez

La primera película que veo de Eduard Cortés y el resultado es dispar. Es ésta una película sobre la mentira que cuenta con un notable reparto en el que Adriana Ozores destaca sobre el resto con la fuerza y la naturalidad que siempre ha tenido esta impresionante actriz. Actriz ésta que en sus inicios estuvo ligada a un tipo de cine que no le dejó brillar lo que podía, problemas de apellido, supongo y malas elecciones. Últimamente, la hemos vista en películas en las que nos ha regalado valiosísimas interpretaciones y que harían de ella una actriz mucho más reconocida si su carrera estuviera salpicada de mejores títulos y mejores guiones. Su papel en la soberbia En la Ciudad sin Límites (Antonio Hernández 2.002), en El Método (Marcelo Peñeyro 2.005) o en la que estamos comentando son ejemplos que no dejan lugar a la duda.
Gracias a esta actriz la película parece mejor de lo que es. Pese a que la idea de la que parte es interesante, se comete un error que arruina la película: la exageración. Mi opinión es que las pequeñas mentiras que nos contamos y contamos cada día merecen atención destacada, ya lo hizo Freud en sus escritos de forma concienzuda. Este guión nos propone una reflexión en torno a esos sueños que, a veces, acaban tomando el lugar de la realidad para convertirla en una fantasía inequívoca. Ese juego entre realidad y ficción es lo más destacable de la apuesta. Pero en el desarrollo de la misma se riza el rizo y la credibilidad queda en entredicho.
Actor grande el José Coronado de la interesante La Vida Mancha (Enrique Urbizu 2.003) o de la gran La Caja 507 (Enrique Urbizu 2.002), aquí no acaba de transmitir porque el personaje baila en cada escena entre ser un desgraciado, un artista, un inteligente, un dios, un lunático o un paranoico. Ess problema de hipérbole desgracia una buena apuesta.
Lo mejor: Sin duda alguna Adriana Ozores
Lo peor: Los problemas de guión
Levemente recomendable.

Night at the Museum 2

Título: Night at the Museum (Noche en el Museo 2)
Año: 2.009/ 105'/ EE.UU.
Dirección: Shawn Levy
Guión: Robert Ben Garant, Thomas Lennon
Música: Alan Silvestri
Fotografía: John Schwartzman
Reparto: Ben Stiller, Amy Adams, Ricky Gervais, Owen Wilson

Un cúmulo de circunstancias y casualidades ha hecho que tuviera que acompañar a unos niños a ver esta película. Ya sabía lo que iba a ver y no me esperaba nada más que eso. Pero el resultado es tan grotesco y ridículo que no puedo dejar de desahogarme escribiendo unas líneas sobre este engendro.
Ayer veía yo una película de Capra en la que, desde mi parecer, se ofrecía la posibilidad de conocer cómo determinados valores ayudaron a construir los Estados Unidos de América. La infumable película de Shawn Levy es un ejemplo de cómo se puede hacer lo mismo de una forma burda y simplona. Desde luego que si ese mensaje cala entre el americano medio, existe un grave problema en el acercamiento cognitivo de esa nación a su presente. Poco se puede decir del director, su carrera lo dice todo de él. De Ben Stiller todavía tengo una opinión peor porque todavía es hoy el día que me haya arrancado una sonrisa en alguno de los terribles papeles que ha tenido el mérito de destrozar.
Utilizar el gag de que las figuras de un museo cobren vida para hacer un repaso por lo mejor y más granado de la historia de ese país, todavía podría tener un pase. Lo que no lo tiene es hacer eso de una forma bobalicona y sin la menor gracia o incluso respeto por sus propias tradiciones.
Y es que el entretenimiento no debe ir de la mano de la estupidez. Por supuesto que el cine debe entretener, pero echar basura en la boca de los espectadores sólo puede ir en detrimento propio. Este tipo de productos paridos para las masas, dice poco de las empresas que los encargan y de los guionistas que se dejan embaucar por unos puñados de dólares. Hay tan poco que merezca la pena, que el mensaje patriotero sobre la advertencia de permanecer unidos ante la adversidad se desvanece enfangado por todo lo que tiene a su alrededor.
No existe ni pizca de originalidad, ni un solo golpe nuevo que no estuviera ya en la primera parte de este producto. No entretiene, no tiene buenos actores, no es cine.
He leído alguna crítica que decía que por lo menos se veía a Amy Adams. Una auténtica tristeza tener que escribir eso de una película.
Lo mejor: Nada
Lo peor: El resto
Recomendable no verla, es dañina para el cerebro.

It Happened one night

Título: It Happened one night (Sucedió una noche)
Año: 1.934/ 105' USA
Dirección: Frank Capra
Guión: Robert Riskin (Historia: Samuel Hopkins Adams)
Música: Louis Silvers
Fotografía: Joseph Walker
Reparto: Clark Gable, Claudette Colbert, Walter Connolly, Roscoe Karns

Ver una película de Capra no sólo es un seguro de vida sino un placer en los tiempos que corren. Comedias como ésta es muy difícil verlas hoy en día. Las comedias actuales hechas en Hollywood tienen muchísimo menos interés que cualquiera de las firmadas por Capra. Para empezar, este largo posee un guión muy interesante en el que se hace apología de valores tradicionales de norteamericanos. Se trata de la creencia, íntimamente ligada al imaginario colectivo de esa país, de que cualquier cosa es posible. Ese punto de partida es el utilizado por el largo para asaltar la cuestión de las relaciones de pareja entre personas de distinta condición social y económica. Es una constante que uno de los mejores embajadores del estilo de vida americano ha sido su cine, y esta cinta de Capra es un buen ejemplo de lo que suponía la propaganda de un país que comenzaba su carrera para ser la economía más fuerte del siglo XX. Y ese logro se consigue, entre otras cosas, con esa idea de que cualquiera puede alcanzar las metas que se proponga.
Clark Gable realiza un gran trabajo en el papel del periodista que es el encargado de darle vida a ese sueño.
Si todavía hoy en día son muchas las familias en muchos países europeos que piensan en que sus hijos e hijas alcancen parejas de su misma o mejor posición, en películas como la de Capra, la opción de un rico magnate no es que su consentida hija se case con alguien de su misma naturaleza, lo que pretende es una persona arrojada, valiente y sincera.
Las características sociales que se ven en este metraje son tremendamente definitorias, por tanto, para entender cómo se fraguó el sueño americano.
Además de esto, que me parece lo esencial de la película, Capra nos da una lección acerca de cómo es posible, con sencillez y buen gusto, armar una buena comedia.
Lo mejor: El guión. Clark Gable
Lo peor: El ritmo
Muy recomendable.

In Search of a Midnight Kiss

Título: In Search of a Midnight Kiss (Buscando un Beso a Medianoche)
Año: 2.008/90'/ USA
Dirección: Alex Holdridge
Guión: Alex Holdridge
Música: Phillip Roebuck, Okkervil River, Shearwater
Fotografía: Robert Murphy
Reparto: Scoot McNairy, Sara Simmonds, Brian Matthew McGuire, Katy Luong

Este pequeño cuento posee un sólido guión y una sólida dirección. Con esas dos premisas es raro fallar. El casi debutante Alex Holdridge nos sumerge en una historia muy dentro de los aires de lo independiente norteamericano, pero, lejos de caminar lo trillado, sorprende con una fuerza y una originalidad que poseen doble mérito.
El guión es lo más llamativo. La sutileza de recontar el cuento de Cenicienta de la manera en la que Holdridge lo ha hecho merece seguirle la pista a este director. La historia no tiene ni trampa ni cartón. Pero allí están todos los elementos, el zapato, Cenicienta, el príncipe, sólo que adaptado a los tiempos que corren en los que los roles se han puesto el maquillaje del siglo que les ha tocado vivir.
El príncipe azul ya no es un hortera con castillo o descapotable, es un hombre sencillo, amable, alguien que desea amar. Lo que muchas mujeres dicen no existir. Cenicienta ni barre ni pancha pero escapa de una relación autodestructiva marcada con unas cicatrices que la convierten en adulta de la noche a la mañana. La madrastra y sus insoportables hijas con pinta de Paris Hilton se encarnan en un redneck antropófago, salvaje y medio nazi. El cóctel de los actores está servido, sólo que en estos tiempos, Cenicienta no se deja buscar acomplejada por la situación. En esta película, la chica organiza un casting en busca de alguien a quien amar y que le ame. De la forma más natural del mundo, de un forma tierna y sincera, la puesta en escena nos irá contando el desenlace del Cuento.
Como contrapunto de ese cuento que nos pone el largo delante de los ojos, aparece otra pareja más convencional, donde los engaños y las mentiras rompen la magia del amor.
Los dos actores principales que se tragan casi la totalidad del film sobresalen y están a la altura del espléndido guión. Sobre todo una Sara Simmonds que ya había trabajado en el primer ensayo de Holdridge.
Destaco también, las deudas que tiene la película y que son fácilmente reconocibles en las intensas película de Woody Allen en las que explora la naturaleza del amor. En todo caso, Holdridge realiza otra vuelta de tuerca y consigue originalidad y madurez afrontando un tema tan manido como el amor de frente y sin trampas.
Lo mejor: El guión. La escena de los zapatos
Lo peor: Nada es malo para ser destacado negativamente.
Recomendable.

Lola Rennt (Corre, Lola, Corre)

Título: Lola Rennt (Corre, Lola, Corre)
Año: 1.998/ 87'/ Alemania
Dirección: Tom Tykwer
Guión: Tom Tykwer
Música: Tom Tykwer, Johnny Klimek, Reinhold Heil
Fotografía: Frank Griebe
Reparto: Franka Potente, Moritz Bleibtreu, Herbert Knaup, Nina Petri

Siguiendo con el cine alemán, de Tom Tykwer sólo conocía la sosa Das Parfum - Die Geschichte eines Mörders (El Perfume -Historia de un asesino 2.006). Me alegra comprobar que sabe hacer otras cosas. En este caso se reúne de un buen ramillete de actores, empezando por la misma Franka Potente.
Hace unos años, recuerdo haber visto un corto que me impactó mucho. La historia versaba sobre un asesinato cometido por un terrorista de ETA, la originalidad de aquel corto residía en que conseguía contar la historia desde todos los puntos de vista de las personas que vivían o veían en primera persona el cobarde atentado.
Un poco de esto tiene la pelícua de Tykwer. Pero tiene más. Se cuenta aquí una historia que se va desarrollando según un guión previsto pero el desenlace no es del agrado de la protagonista que decide con su propia voluntad, recontar la historia para su mayor deleite.
Es la gran originalidad y el gran acierto de esta premiada cinta. Se juega con el azar y el destino de una forma transgresora y desafiante. El concepto de la moira griego, del destino inevitable que se debe cumplir, es traspasado en este largo porque se juega con la realidad para amoldarla a los tiempos que corren.
Si antiguamente, el destino se unía al concepto de necesidad como dos pilares básicos de la comprensión de lo que rodeaba al ser humano, ahora, en los últimos cien años, se está imponiendo otra forma de comprensión de lo real que desecha esos conceptos. Ahora es el azar lo que parece estar detrás de la imposibilidad de comprender y controlar los miles o millones de causas que están detrás de un efecto. La película se amolda bien a los dictados de las modernas físicas del caos y nos cuenta como una historia puede variar de forma sustancial con un simple guiño de más o de menos de uno de sus protagonistas. Cómo puede alterar el conjunto si en vez de que la protagonista dé un paso a la izquierda lo da a la derecha. Todo, absolutamente todo, puede variar.
La idea está originalmente contada por un sólido guión que juega a la modernidad no sólo en sus planteamientos sino en su estética. Por aquí está el lado más flojo de la cinta porque se dispersa un tanto el fondo con un cierto toque de estética trainspotting que desluce un poquito la interesantísima apuesta de este film.
No obstante, merece y mucho la pena verla.
Lo mejor: El guión y Franka Potente
Lo peor: Un exterior no demasiado original.
Recomendable.

Rent

Título: Rent
Año: 2.005/ 135' USA
Dirección: Chris Columbus
Guión: Steve Chbosky (Obra: Jonathan Larson)
Música: Jonathan Larson
Fotografía: Stephen Goldblatt
Reparto: Rosario Dawson, Taye Dibbs, Jesse L. Martin, Idina Menzel

No tiene Chris Columbus películas notables que reseñar pero sí algunas de ellas que levantan un tanto el vuelo: una comedia agradable como Nine Months (Nueve Meses, 1.995) y un par de películas familiares como Mrs. Doubtfire o (Señora Doubtfire 1.993) y Bicentennial Man (El Hombre Bicentenario, 1.999) ambas con Robin Williams. En esta ocasión y dejando atrás la saga de Harry Potter, Columbus nos ofrece la adaptación de un famoso musical de los años noventa.
Como musical la película convence porque tiene un grupito de canciones que son buenas, otras, no tanto. El guión adolece de estar demasiado pegado a los problemas que eran importantes en los noventa y lo paga caro porque cargar en exceso el acento en tópicos de corte coyuntural, hace que el guión se vea un poco obsoleto con tan sólo diez años más. Aparte de las temáticas imperiosas de los noventa, el guión aborda con acierto el asunto de la amistad, quizás el único de los mismos que se pueda considerar intemporal en toda la película.
El musical arranca con fuerza gracias a que los mejores temas son los del principio, poco a poco, y alrededor de la primea hora de metraje se viene abajo porque no hay más que contar y no se resuelve ninguno de los asuntos más que dando vueltas sobre los mismos y trillando el mensaje inicial de forma machacona.
Los actores son de lo más sobresaliente del largo.
Lo mejor: El tema inicial, los actores
Lo peor: Endeblez del guión
Ligeramente recomendable.

Tie saam gok (Triangle)

Título: Tie saam gok (Triangle)
Año: 2.007/101' Hong Kong
Dirección: Johnnie To, Tsui Hark, Ringo Lam
Guión: Half Leisure, Kenny Kan, Sharon Chung, Yau Nai Hoy, Au Kin Yee, Yip Tin Shing
Música: Guy Zerafa, Dave Klotz
Fotografía: Cheng Siu Keung
Reparto: Louis Koo, Simon Yam, Sun Hong Lei, Lam Ka Tung

El otro día veía Fong Juk (Exiled, 2.006) de Johnnie To y me animaba a repasar en mi archivo para encontrar más películas de este peculiar director. Encontré esta reciente producción realizada con otros dos directores bien conocidos. La cierto es que se distingue la mano de los tres. Tsui Hark y Ringo Lam tienen una dispar carrera con películas muy interesantes alternadas con otras mucho menos llamativas. Los toques mistéricos llevan el sello de Tsui Hark, pero, de los tres, es indudable que el que más impronta ha dejado en el largo es Johnnie To. Por suerte para mí, claro.
Esta cinta no puede sino ser considerada como una comedia con indudables toques de humor que recuerdan y mucho a la referida Fong Juk. Hay algunas escenas que me han recordado el tono surrealista y exagerado con el que Almodóvar suele dotar sus guiones. Por ejemplo la escena de la glorieta y el policía en bicicleta es un hallazgo muy interesante.
Además del tono general que recuerda a Fong Juk, comparte este largo el mismo interés por esplotar el territorio de la amistad entre unos personajes derrotados y marginados por una situación previa ajena a la cámara.
Los enredos del guión son en esta ocasión menos comedidos, aquí existe un atropellamiento de guionistas que parecen querer encajar sus ideas. El resultado final, sin desmercer para nada la película, es un exceso, de buen gusto, pero exceso al fin y al cabo.
Una cuidada banda sonora ayuda a que la comedia explore, poco a poco, las esquinas que ha ido abriendo casi a cada escena de una forma correcta.
Sin entrar en el terreno de la genialidad, sí que estamos hablando de un film que consigue bastante más que el simple entretenimiento.
Lo mejor: La dirección. El reparto. Las líneas gruesas del guión. Banda sonora
Lo peor: Un guión con demasiados padres que por momentos raya en el exceso.
Recomendable.

The Conversation

Título: The Conversation
Año: 1.974/ 113' USA
Dirección: Francis Ford Coppola
Guión: Francis Ford Coppola
Música: David Shire
Fotografía: Bill Butler
Reparto: Gene Hackman, John Cazale, Allen Garfield, Cindy Williams

Ésta muy interesante película posee tres grandes virtudes que destacan por encima del conjunto. En primer lugar, el magnífico papel de Gene Hackman. Con su sola presencia transmite la fuerza hipnótica de un personaje atrapado en un mundo de miedos, paranoias y remordimientos cuya madeja resultante es la gracia de este largo. También apuntamos en el haber del mismo la intensa banda sonora que raya por momentos a gran altura. En tercer lugar, se debe hacer mención aparte del guión. El hipnotismo de la historia alcanza su punto culminante a la manera en la que los magos enseñan algo con una mano mientras, sin que los espectadores se den cuenta, con la otra aparece algo verdadera e insólitamente diferente.
Y éstas son las grandes virtudes de una película que se me antoja imprescindible porque su director y guionista ya es un mito viviente del cine.
Un equívoco nos pone sobre la pista de que una tragedia está a punto de ocurrir, una tragedia en la que nosotros tenemos no sólo un papel importante, sino que se diría que hemos sido el detonante. La angustia y la culpa se apoderan de una forma histérica de nosotros y todo lo que queremos es que el destino no juegue su papel. Que, en esta ocasión, podamos mantener la moral intacta y poder decir que nuestra no fue la culpa. El resto es mejor verlo.
Parece mentira que en el mismo año en el que Coppola conseguía la palma de oro de Cannes por esta película, estuviera completamente inmerso en los trabajos de The Godfather (El Padrino 1.972, 1.974 y 1990). Técnicamente la dirección es impecable y es difícil encontrar un pero a este gran trabajo de Coppola.
Lo mejor: Casi todo
Lo peor: Nada que destacar como malo
Muy recomendable.

Gattaca

Título: Gattaca
Año: 1.997/ 106'. EE.UU.
Dirección: Andrew Niccol
Guión: Andre Niccol
Música: Michael Nyman
Fotografía: Slawomir Idziak
Reparto: Ethan Hawke, Uma Thurman, Jude Law, Alan Arkin.

Esta primera película de Andrew Niccol no tiene un reparto que me entusiasme, a excepción del genial Alan Arkin. Sin embargo he de reconocer que están a la altura de las circunstanicas y, en general, pasan el examen con buena nota.

Son innumerables las películas interesantes que nos reflejan una visión de cómo será el mundo en un futuro más o menos lejano. Desde la incomparable Blade Runner (Ridley Scott, 1.982) a la genial 1.984 (Michael Radford, 1.984) o las más recientes como V de Vendetta (McTeigue 2.005). En esta ocasión se nos propone un aspecto que ocupa muchas de las páginas de los periódicos en la actualidad, la fiebre genetista. La intención que parece tener la ciencia del siglo XXI por encontrar las bases físicas de las enfermedades y dolencias. Esta idea es el arranque de un guión que profundiza en la imaginación de este hecho para mostrarnos un mundo dominado por la definición cartesiana de la genética personal encuadrando a cada ser humano en unos parámetros de los que no puede escapar.
A partir de este arranque es la eterna lucha entre azar y necesidad lo que está en juego en el guión del propio director. ¿Puede librarse el ser humano de la condena de su pasado heredado?, ¿existe la predestinación ya no en forma de dios arrogante si no en forma de ADN?. Éstas son las preguntas que el largo pone encima de la mesa. Lo cierto es que se hace con gusto, orden y buen manejo de los elementos necesarios para hacer de este metraje una más que correcta cinta.
El guión nos lleva por el camino de una insurgencia que promete liberarnos de esa condena de una forma casi paranoica. Se propone la lucha contra el dogma a la manera en la que los físicos ilustrados tuvieron que luchar contra el dogma religioso.
Y la apuesta, aunque con ciertos altibajos, convence. Convence incluso de una forma estética al ofrecernos un futuro alejado de androides y máquinas voladoras pero trufado de suficientes guiños para hacerla intemporal.
Lo mejor: El guión del debutante Niccol. La soberbia banda sonora de Nyman.
Lo peor: Recrearse demasiado en ciertos aspectos marginales que hacen taquilla.
Recomendable.

Fong Juk (Exiled)

Título: Fong Juk (Exiled)
Año: 2.006/ 110' Hong Kong
Dirección: Johnnie To
Guión: Szeto Kam-yuen, Yau Nai-hoy, Yip Tin-shing
Música: Guy Zerafa, Dave Klotz
Fotografía: Cheng Siu-keung
Reparto: Anthony Wong, Francis Ng, Nick Cheung, Richie Jen, Josie Ho

Me ha gustado mucho esta película de Johnnie To. Me ha recordado a algunos buenos westerns, me ha recordado a Clint Eastwood, Sam Peckimpah y a John Sturges; a Río Bravo y a esas grandes películas sobre amigos que ayudaban a pesar de que saben lo que les va en el juego. Exiled tiene mucho de eso, pero tiene mucho más. Aparte de un elenco de actores muy sobresaliente con Anthony Wong a la cabeza, la película tiene una banda sonora que recuerda a esas grandes películas y una muy buena fotografía.
Además del evidente homenaje a la amistad, el largo destila buenas dosis de humor en la maraña de la acción principal.
Pero el núcleo central lo ocupa la amistad simbolizada en la foto de los protagonistas que, de forma recurrente, aparece a lo largo de la cinta. Y es que la fotografía tienen un papel fundamental. A falta de palabras que nos hagan saber lo que pasa por la cabeza de los personajes, hay tres fotos que resumen los sentimientos y las preocupaciones que los caracteres tienen a lo largo de la acción.
Otra de las virtudes que primero asaltan con este largo es el ritmo al que ayuda una unidad de tiempo y acción que permite empaparse de la atmósfera de To.
Lo mejor: En general una buena nota
Lo peor: Manierismo de algunas escenas
Recomendable.