The Invasion of the Body Snatchers (La Invasión de los Ladrones de Cuerpos)

Título: The Invasion of the Body Snatchers (La Invasión de los Ladrones de Cuerpos)
Año: 1.956/ 80' / USA
Dirección: Don Siegel
Guión: Daniel Mainwaring (Relatos: Jack Fenney)
Música: Carmen Dragon
Reparto: Kevin McCarthy, Dana Wynter, Larry Gates, Carolyn Jones

La carrera de Don Siegel está plagada de grandes títulos, pero, sin lugar a dudas éste es uno de los mejores. Además de recordar viejos tiempos, he tenido la posibilidad de disfrutar de esta gran producción que consigue algo que hoy parece habérseles olvidado a los de la industria del cine, una buena película de ciencia ficción.
Y lo que es más sorprendente todavía es admirar la economía de medios del largo. No existe un gran despliegue técnico ni unos efectos especiales espectaculares, lo que hay es un gran guión y unos actores que cumplen con creces lo que se espera de ellos, fantástico Kevin McCarthy.
En ese sentido este largo me ha hecho recordar a otros más recientes en los que el suspense se crea jugando con los propios miedos del espectador pero apostando por suplir un bajo presupuesto con buenas dosis de ingenio, me refiero a The Blair Witch Project (El Proyecto de la Bruja de Blair, 1.999, Myrick y Sánchez).
En este caso el mal proviene de lo más familiar, del entorno más cercano a la víctima y, se puede decir que el enemigo es uno mismo. Parece haber aquí una influencia psicoanalítica muy de moda en la época porque el problema sobreviene en el momento del sueño, es en el transcurso del mismo cuando uno queda abducido por una esencia que le transforma en no humano.
El yo y el ello quedan anulados al despertar del sueño y sólo quedaría el individuo en manos de un superyo que no se puede permitir ningún desliz y que, por tanto, elimina deseos y voliciones para tener al individuo bajo control, qué mayor felicidad para la instancia rectora.
Este guión también preconiza el fin del paradigma racionalista que predominaba en los años 40 y 50 anticipando una defensa de la irracionalidad humana que se hará más manifiesta en la década de los 60.
Lo mejor: El guión, Kevin McCarthy
Lo peor:
Imprescindible.

Terminator Salvation

Título: Terminator Salvation
Año: 2.009/ 115'/ USA
Dirección: McG
Guión: John D. Brancato, Michael Ferris
Música: Danny Elfman
Reparto: Christian Bale, Sam Worthington, Moon Bloodgood, Bryce Dallas Howard

Este filme tiene lo mismo de malo y de bueno que las anteriores entregas de la saga. Las acción es lo que salva el film, todo lo que no es acción es frío, plano y carente del interés y de la personalidad de otras películas que comparten con ésta género. El Matrix de los Wachowski, 1.999, tiene mayor calado como película porque descansa en un guión infinitamente más sólido que cualquiera, incluida la de McG, de la saga Terminator.
Pero también Mad Max (Miller, 1.979) o Waterworld (Reynolds, 1.995) consiguen mejor atmósfera que la de McG y eso es poner el listón no tan alto.
Este Terminator cuenta, al menos, con un actor poderoso que permite pasar el rato preguntándose por qué ha elegido este filme cuando podía, Christian Bale, elegir cualquier otro. Es verdad que, a veces, se apunta a este tipo de filmes, pero el Batman que hizo era ni más ni menos que de Christopher Nolan, 2.008. Aunque es verdad que tampoco sea una película como para tirar cohetes, pero tiene algo de lo que carece ésta, personalidad.
Aquí las historias se repiten, las interminables persecuciones, las interminables peleas con los, en este caso, T-600. Demasiado pegada a sus hermanas pequeñas para tener algo más que no sea un poquito de entretenimiento. Y también tiene un divertido pero poco sorprendente cameo
Porque de eso sí que algo hay, entretiene porque las acción está rodada con maestría y medios.
Lástima que sea lo único que se pueda decir de una película con semejante presupuesto.
Lo mejor: Chritian Bale.
Lo peor: El resto.
No recomendable

Pandorum

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Título: Pandorum
Año: 2.009/ 108'/ Alemania/USA
Dirección: Christian Alvart
Guión: Travis Milloy
Música: Michl Britsch
Reparto: Dennis Quaid, Ben Foster, Cam Gigandet, Antje Traue

Los aficionados al género de la ciencia ficción tienen casi la misma mala suerte que los aficionados al género de terror. Para ver una producción que dé la talla, debemos martirizarnos antes con cosas como ésta.
Yo creo que ya han sido suficientes las producciones de este estilo que han introducido la estética La Fura en sus largos como para que otra más no nos produzca una sensación de hartazgo. Si a eso le sumamos que de la saga de Alien deben ir por la parte catorce o quince y que la buena es la del año 1.979, Ridley Scott, entonces esta cinta de Alvart todavía queda peor parada.

En la coctelera en la que han convertido el guión tiene cabida un poquito de todo, pero se ve que, o se les quemaba algo en el horno, o no tenían muchas ganas de trabajar esos días porque el guión denota la tremenda pereza que les proporcionaba intentar hacer algo diferente a Alien pero con el aliento de Alien en la nuca. Pero es que ahí no acaba la cosa, Apocalypse Now, Coppola /1.979 o Planet of the Apes (El Planeta de los Simios, Schaffner/ 1.968) también tienen hueco en este crisol que no sale de la mediocridad.
Hay demasiados problemas en ese guión, por ejemplo, de dónde salen los bichos, por qué allí nadie se encuentra pero el protagonista camina con imán, demasiadas preguntas sin resolver, demasiado efectismo como para no desear que, con esos medios, se hubieran elegido mejores guionistas.
Algunos actores cumplen con su papel, por suerte, los dos protagonistas merecen un aplauso por el esfuerzo, sin embargo, los secundarios naufragan por completo, aunque es cierto que con esos mimbres los cestos no pueden ser de primera.
Lo peor de todo es que se huele desde bien mediada la película que esto se ha parido para una segunda parte y veremos allí por lo que les da.
Lo mejor: Recuerda a películas con las que disfruté mucho.
Lo peor: Ni pizca de originalidad
No recomendable

Mulan

Título: Mulan
Año: 2.009/ 113'/ China
Dirección: Jingle Ma, wei Dong
Guión: Ting Zhang
Música: Vitas
Reparto: Wei Zhao, Jaycee Chao, Jun Hu, Kun Chen

Adaptación de la leyenda de la heroína china que se hace pasar por soldado. Esta producción no alcanza el mismo nivel otras películas épicas asiáticas. El Hero de Zhang Yimou, 2.002, o el Mongol de Sergei Bodrov, 2.007, están muy por encima de esta Mulan demasiado elaborada al gusto occidental.
Están muy por encima porque no se hacen las concesiones que aquí se hacen. Una de las cosas fascinantes del buen cine asiático es sorprendernos con personajes que realizan elecciones morales en función de criterios culturales completamente diferentes. Podemos admirar no sólo otros paisajes sino otras formas de vida, otras formas de plantarse frente a las preguntas esenciales.
Y ahí reside el peor aspecto del guión, no parece que reeditar la leyenda sea el principal cometido, se centra mucho más en conseguir resaltar o incluso inventar los aspectos más vendibles de la leyenda para conseguir buenas taquillas. Por ahí se van las posibilidades que podría tener esta película de llegar a mejor puerto. Me imagino, perfectamente, a Angelina Jolie u otra por el estilo, en el papel de Mulan, se ha quebrantado la visión asiática de la leyenda adaptándola y desfigurándola para el paladar occidental.
No obstante, tiene aciertos. Como la mayoría de las películas épicas firmadas en China, la monumentalidad de sus escenas exteriores, mezcladas con el saber hacer de sus directores, consigue buenos resultados.
A mí me gusta mucho ese paisaje estepario en el que se libran la mayoría de las historias de la fundación del imperio chino, en Mulan, queda bien retratado y ocupa un lugar importante en el metraje.
Los actores hacen un papel correcto para el guión que les ha caído encima, de todos modos no acabamos de creer a Wei Zhao como aguerrida guerrera, ni su voz ni su aspecto nos hacen el viaje asequible.
Lo mejor: Sus valores épicos
Lo peor: Dar demasiada importancia a los gustos occidentales
No recomendable.

(500) Days of Summer ((500) Días Juntos)

Título: (500) Days of Summer ((500) Días Juntos)
Año: 2.009/ 95' /USA
Dirección: Max Webber
Guión: Scott Neustadter, Michael H. Weber
Música: Mychael Danna, Rob Simonsen
Reparto: Joseph Gordon-Levitt, Zooey Deschanel, Geoffrey Arend, Chloe Grace Moretz

Transcurre esta película con datos curiosos y apuntes originales pero no acaba de dar el salto a algo más serio. Y me da la sensación de que, en parte, me suena que ya lo he visto. Hay un poquito de muchas películas que han ahondado en asuntos estos que son los de yo me enamoro de ti pero tú no me haces ni caso.
Hay que decir en favor del largo que es tremendamente difícil conseguir un guión original sobre asunto tan analizado, descuartizado y tamizado. Hay que decir que consigue momentos de altura y puntos de brillantez.
Por ejemplo, los planos utilizados por la aburrida La Soledad (Jaime Rosales, 2.007) y que tanto bombo tuvieron allí, son utilizados aquí de forma coherente y con sentido, no como allá. En esta cinta sí que ponen semántica al entramado y probablemente sea uno de los mayores aciertos.
Las resoluciones de los entuertos del guión son muy correctas y, en algunas ocasiones raya el notable. Sin embargo, hay momentos en los que se echa en falta una mayor dosis de saber hacer.
Otro acierto es el de unos diálogos frescos y, en general, inteligentes, con una buena construcción de personajes y buen sentido de la dirección de actores.

Éstos aciertan a no destrozar la película pero ninguno de ellos pasará a la historia por esta película. Dentro de este apartado, hay un serio problema con el desempeño de Zooey Deschanel

Sin embargo sí que será interesante seguirle la pista a este director y ver si su carrera sigue progresando o, por lo contrario, defrauda esas expectativas.
La banda sonora no ayuda al nivel medio de la producción y tenemos incluso que lamentar oír una canción de Carla Bruni, ¡dios mío!.
Lo mejor: El director
Lo peor: Zooey Deschanel
Ligeramente recomendable

Celda 211

Título: Celda 211
Año: 2.009/ 110' /España
Dirección: Daniel Monzón
Guión: Daniel Monzón, Jorge Guerricaechevarría (Novela: Francisco Pérez Gandul)
Música: Roque Baños
Reparto: Luis Tosar, Alberto Ammann, Antonio Resines, Carlos Bardem

Muy difícil hablar de esta película sin comenzar por la figura de Luis Tosar. Hace poco me dijeron que nuestro país no tiene grandes actores, que sólo se interpretan a sí mismos sin descanso, película tras película.

Luis Tosar es el mejor ejemplo de que eso no es verdad y de que poseemos un ramillete de grandes actores entre los que se encuentra. Y si alguien tiene alguna duda, debería ver este largo para convencerse de su versatilidad. He podido disfrutar con muchas de sus actuaciones, algunas en buenas películas, otras en producciones no tan buenas, pero su oficio siempre alcanzaba nota alta. Por si fuera poco, en Celda 211 están otros de los que yo considero dentro de ese ramillete. Resines es un actor que me ha regalado actuaciones soberbias, especialmente en La Caja 507 (Enrique Urbizu/2.002) y en La Buena Estrella (Ricardo Franco/1.997). Y también están algunos jóvenes o no tan jóvenes por los que apostaría que entrarán en ese ramillete, me refiero a Vicente Romero.
Además de esto, el largo es muy interesante. Una historia cruda y dura donde se nos enseña que nada es lo que parece y que nadie puede decir de este agua no beberé ni ninguno de los refranes que suelen acompañarle.
Es tan inmenso el papel que juega Luis Tosar en este largo que no podríamos saber qué sería de esta película sin él. Probablemente, nos fijaríamos más en esos dos o tres fallos de guión un tanto inexplicables. Probablemente, nos fijaríamos más en que Alberto Ammann destroza un par de escenas a pesar de su correcto trabajo. A lo mejor nos fijaríamos en que es una película que tiene truquitos tarantinianos y dejes hollywoodienses.
Quizás me fijaría más en lo bien contada que está, en las escenas intercaladas que completan y comentan el presente de su historia. O me fijaría en el excelente trabajo de muchos de los actores de reparto, o en su fotografía.
Pero el poder de la actuación de Luis Tosar es tan hipnótico que habría que inventar un nuevo Goya para él. Su trabajo está tan por encima de lo que he visto en las otras películas españolas que no puede competir en la misma categoría.
Es muy justo que este trabajo de Daniel Monzón se impusiera a la otra cinta con la que se jugaba las habas en la pasada edición de los Goyas, me refiero a Ágora de Amenábar.
Lo mejor: Luis Tosar
Lo peor: La actuación de Luis Tosar se acaba
Interesante y recomendable.

Operation Petticoat (Operación Pacífico)

Título: Operation Petticoat (Operación Pacífico)
Año: 1.959/124' /USA
Dirección: Blake Edwards
Guión: Stanley Shapiro & Maurice Richlin
Música: David Rose
Reparto: Cary Grant, Tony Curtis, Joan O'Brien, Dina Merrill

Deliciosa comedia firmada por un Blake Edwards que seguirá dando futuras muestras de su habilidad para la comedia con títulos como The Party (El Guateque, 1.968). En este caso la idea de situar en un marco cerrado como un submarino a personas que tienen poco o nada que ver con la marina o con la navegación, pone en marcha una serie de situaciones muy del estilo de los guiones que Edwards dirigió.
En esencia las pretensiones no son mayores que las dichas porque no se trata de una película belicista ni de exaltación de ningún ideal patriotero. La única función del film es el entretenimiento y a fe que se consigue por lo absurdo y cómico de la situación.
La pareja protagonista raya a muy buen nivel y, lo mejor del largo, es toda la galería de secundarios que orbita en torno a ellos dos, ésa es la gran virtud de esta producción junto con los detalles de buenos guionistas.
Lo mejor: El humor del guión.
Lo peor: No es más entretenimiento, no esconde nada más.
Interesante.

La Soledad

Título: La Soledad
Año: 2.007/ 133' /España
Dirección: Jaime Rosales
Guión: Jaime Rosales, Enric Rufas
Música: Varios
Reparto: Sonia Almarcha, Petra Martínez, Miriam Correa, Nuria Mencía

No me esperaba demasiado de este largo, pero no tan poco. Comprendo que la intención del autor sea plasmar la rutina de unas vidas normales, como las de la mayoría de los mortales, comprendo que lo que quiso transmitir son las repercusiones que hechos cotidianos o extraordinarios tienen en sus vidas. Comprendo además que el lenguaje narrativo busca la innovación, al igual que los elementos estéticos empleados.
Otra cosa muy diferente es que el resultado se alcance. Para mí no.
Primero porque dejar que la cámara hable a través de encuadres atípicos puede estar bien si es que la cámara habla, pero una ventana o una puerta no ofrecen, normalmente, mayor información sobre lo que ocurre dentro de la habitación más que es una puerta de esa habitación. No me parece mal, es que simplemente no veo ni que sea una innovación, porque ya se ha hecho, ni veo que añada nada a la comprensión del mensaje ni a lo que le rodea.
El elenco de actores, casi en general, transmite sus sentimientos de una forma tan neutra y poco vivida que, y supongo que serán indicaciones del señor director, no suenan a creíbles, suenan a autómatas recitando unas líneas. Carecen de emotividad.
Ese estoicismo que quiere transmitir la cinta se convierte en un bodegón muerto que tampoco transmite lucidez. Se echan en falta sirenas, gritos y llantos que es de lo que se compone la realidad cuando es azotada por el infortunio.
Ese supuesto estoicismo no es justificación para semejante dislate de metraje que no conduce a nada más que al amaneramiento más hueco y estéril.
La crítica española profesional sufre de una indulgencia con nuestro propio cine que ni es necesaria ni le hace un especial favor.
Lo mejor: No se habla demasiado
Lo peor: El resto, con el director a la cabeza.
No recomendable.

Berlin Calling

Título: Berlin Calling
Año: 2.008/ 100'/ Alemania
Dirección: Hannes Stöhr
Guión: Hannes Stöhr
Música: Paul Kalkbrenner
Reparto: Paul Kalkbrenner, Rita Lengyel, Corinna Harfouch, Araba Walton

Interesante cinta que parece tener tintes biográfico porque el protagonista y autor de la propia banda sonora del film se zambulle en un mundo que conoce bien dado que es un dj reconocido.
Se trata de una historia de introspección y autodestrucción personal que propone un lenguaje muy sugerente para ser contada y un interesante ramillete de personajes que con cuatro pinceladas quedan bien diseñados. Especialmente el de su protagonista y su padre.
El minimalismo del que hace gala la película hace ganar en originalidad y frescura esta producción que juega a explorar territorios de demonios personales.
Dentro de los largos que se han producido en torno al tema de las drogas, no juega el de Stöhr, con el impacto que pueda tener en el espectador el aniquilamiento del sujeto. No se trata aquí de escudriñar los territorios que indagó Díaz Yanes en su buen largo Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto, del año 1.995. Éste no es el prisma que se quiere contar. La perspectiva es totalmente diferente. Lo que está en juego, además del costumbrismo de mostrar el mundo de las discotecas y los djs de este tipo, es cómo salir de esa espiral en la que mucha gente hoy en día se ve envuelta.
Esa purificación y búsqueda de la salida del túnel es lo que anima los cien minutos de un metraje que, sin grandes artificios, consigue un producto digno.
Otra cosa es que el acercamiento a este film esté condicionado por lo que le llame a uno, o deje de llamarle, este singular mundo que no es para todos los paladares, evidentemente. Habrá personas, estoy seguro, que critiquen el esfuerzo porque no les cause el mayor interés. Pero eso no juega en detrimento de las bondades del largo.
Cualquier historia, si se cuenta bien, merece la pena ser vista. La de Berling Calling, tiene méritos.
Lo mejor: El minimalismo de su guión
Lo peor: Producción demasiado encasillada.
Interesante.

Alice in Wonderland (Alicia en el País de las Maravillas)

Título: Alice in Wonderland (Alicia en el País de las Maravillas)
Año: 2010/ 108' /USA
Dirección: Tim Burton
Guión: Linda Woolverton (Novela: Lewis Carroll)
Música: Danny Elfman
Reparto: Mia Wasikowska, Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Michael Sheen

El universo de Burton ha recreado el mítico cuento de Carroll. Pero la recreación no es muy positiva. Se juega libremente con los elementos y personajes de las dos famosas historias que el pastor Lutwidge Dodgson escribió para su pupila, pero, evidentemente, eso no tiene por qué ser un error. Uno es libre para retorcer la historia e imaginarse qué ocurriría si Alicia visitase de nuevo su mundo onírico diez años después. El único pero sería que el título, de entrada, es engañoso, porque no es una versión de Alicia, es, más bien, una secuela
Hecha esta aclaración, Tim Burton y su grupo están allí. Para lo bueno y para lo malo, está Helena Bonham Carter con su buen oficio, está Johnny Depp con todos sus tics y hasta está Christopher Lee. En este caso, Johnny Depp no nos regala una gran actuación, pero es verdad que el haberle puesto en este papel no requería otra cosa que lo que ha hecho.
Lo bueno de lo que allí vemos es el ambiente que Tim Burton le ha dado al clásico. En su cabeza ha visto el mundo de Alicia de una forma lo suficientemente original para que estemos más atentos al fondo y al paisaje que a los detalles principales. Dentro de ese gusto por lo secundario en este largo, me quedo también con la poderosa banda sonora de Elfman que ha sido lo mejor, para mi gusto, de todo el metraje.
Lo malo es que, al margen de esos aciertos, se nos presenta una Alicia que, una vez crecida, se nos ha convertido en un San Jorge matadragones que pelea en estética con la Juana de Arco de Luc Besson y echa por el suelo la magia que tenía el cuento original porque, de algún modo, la versión que Burton me presenta de mi Alicia es vulgar, trillada y falta de originalidad.
Tan vulgar y trillada que no la reconozco más que porque me la han puesto en unos decorados que sí que reconozco pero la niña, al haber crecido, al igual que todos los personajes que la envuelven en sus sueños, se han convertido en las réplicas más exageradas que lo que eran diez años atrás. En sus peores versiones.
Coincido, por tanto, con Burton en todo lo accesorio, discrepo en lo fundamental.
Lo mejor: La ambientación, la banda sonora.
Lo peor: Es una versión libre que podría llamarse Alice in Wonderland III
No recomendable.

Taken (Venganza)

Título: Taken (Venganza)
Año: 2.008/93' /Francia
Dirección: Pierre Morel
Guión: Luc Besson, Robert Mark Kamen
Música: Nathaniel Mechaly
Reparto: Liam Neeson, Maggie Grace, Famke Janssen, Leland Orser

Este largo firmado por Pierre Morel viene a secundar la especialización en el cine de acción por parte del director. No he tenido la oportunidad de ver las anteriores, pero a juicio del resultado de esta última, no pienso. Sólo puedo entender las decentes críticas que ha tenido esta película por el hecho de que hay mucho aficionado al género que no ha evolucionado mucho en sus gustos desde los tiempos en los que Clint Eastwood sacaba la Magnum, y ojalá esta película tuviera algo de aquellas de los 70.
Lo que han hecho los guionistas, siendo uno de ellos Luc Besson, no tiene justificación porque es flojo hasta decir basta.
La trama es tan increíble que sólo podría estar firmada por algunos de los peores engendros tardorreplubicanos que pueblan el universo de guionistas de Hollywood.
El alarmismo de la cinta y sus increíbles piruetas están al margen de la realidad, poblar hoy en día una ciudad como París de muertos, sin mayores consecuencias que unos pequeños rasguños y poco más no entra dentro del sentido común. No entender que esas clases de guiones han pasado a mejor vida desde que las secuelas de Rambo los llevó al paroxismo, no tiene justificación posible.
Además, puestos a enternecer las cosas, ni MacGywer clonado con James Bond nos hubiera dado mejores resultados.
Por todo ello considero que los críticos que comen del cine deberían clasificar este largo como ciencia ficción, pero nunca como thriller. Aquí no hay nada que haga ni siquiera sospechar que se trata de un thriller.
Liam Neeson puede ser el único motivo para poder aguantar estos 93 minutos pegados a la pantalla, pero el haberse prestado a esto no dice mucho de sus actitudes para elegir películas. De hecho, su carrera está plagada de buenos títulos que se mezclan con otras cosas que dan un poco de dentera.
Lo mejor: Liam Neeson
Lo peor: El guión.
No recomendable
Con el trailer podéis seguir mejorando el tailandés. Ánimo.

Sophie's Choice (La Decisión de Sophie)

Título: Sophie's Choice (La Decisión de Sophie)
Año: 1.982/157'/ USA
Dirección: Alan J. Pakula
Guión: Alan J. Pakula (Novela: William Styron)
Música: Marvin Hamlisch
Reparto: Meryl Streep, Kevin Kline, Peter MacNicol, Rita Karin


La sucesión de premios de este largo no tiene fin, a la cabeza se situó un merecido Óscar para Meryl Streep, la actriz más nominada de la historia del cine. Tiene Pakula una carrera más que correcta en la que alternan títulos interesantes con algún que otro fiasco.

En esta ocasión nos ofrece una dura historia basada en la novela del gran Styron. Realizar una película que tenga como temática la shoa ya es haberse ganado la seriedad que el tema requiere. La verdad es que para mí se trata del hecho más dramático de la historia europea, del momento en el que el sueño ilustrado se viene abajo y aquellos ideales de individuos críticos se desvanece en el aire que congestiona el mismo país que vio nacer a Kant.
La cinta juega a enseñar las consecuencias que tuvieron para los supervivientes aquellos años terribles. La verdad es que el análisis es desolador. Sophie da la razón a quienes, como Primo Levi, dicen que los que sobrevivieron algo malo tuvieron que hacer. Esos fantasmas del pasado persiguen a una Sophie que no puede dejar de atormentarse. Un magnífico Kevin Kline representa un presente eufórico tras la guerra, consciente de lo que ocurrió y por tanto dispuesto a beberse la vida a cada sorbo. El futuro lo representa ese escritor soñador que necesita reconfortar a lo que él cree que no es más que una víctima. La decisión de Sophie no es la que tomó en su momento en el campo de concentración, la decisión de Sophie es cómo acepta convivir con el pasado. La decisión, lógica.
Con estos mimbres, la película tiene momentos de brillantez que se alternan con otros no tan lúcidos. Especialmente desafortunadas son algunas escenas de la relación entre los tres personajes en las que algunas situaciones no son bien resueltas. La transición entre el pasado y el presente está bastante forzada y el personaje del narrador es un argumento fílmico pasado de moda.
Pero, en líneas generales, la cinta se deja ver a pesar de su metraje.
Lo mejor: Meryl Streep
Lo peor: La figura del narrador
Pasable.

Ágora

Título: Ágora
Año: 2.009/126'/ España
Dirección Alejandro Amenábar
Guión: Alejandro Amenábar, Mateo Gil
Música: Dario Marianelli
Reparto: Rachel Weisz, Max, Minghella, Ashraf Barhom, Oscar Isaac

Para mí existe una sucesión de continuidad entre Mar adentro (Amenábar 2.004) y Ágora, en ambos casos parece que Amenábar realiza un alegato en favor de la tolerancia, probablemente, también tenga motivos biográficos para dicha cruzada.
Otra cosa es que en ambos largos consiga el objetivo y cierto es que la sensibilidad, la originalidad y el compromiso de la cinta del 2.004 no se consigue en Ágora.
Empecemos por los problemas: la actriz elegida. No soy aficionado a las actuaciones de Rachel Weisz, y aquí vuelve a ofrecer una interpertación fallida, plana, sin tensión ni credibilidad. Mal, muy mal.
Otro problema grave es el maniqueísmo con el que se tratan los personajes que se acercan a la trama, la división tan extrema entre buenos y malos carece de la comprensión histórica necesaria. No se ha respetado ese distanciamiento histórico y los personajes parecen muy del siglo XXI, el decorado no es congruente con el devenir de los caracteres.
Es cierto que hay rigor histórico en los hechos, al menos tal y como los conocemos, pero ese rigor histórico factual choca con el exceso de imaginación en la figura intelectual Hipatia. No era posible en aquella época, desde el punto de vista conceptual, llegar a imaginar un experimento científico. Las deducciones e intuiciones (varias) a las que llega la Hipatia de Amenábar son un atropello a la historia de la filosofía, incluso dejándola a las puertas mismas del Renacimiento. En este punto sí que se le fue la mano a los guionistas.
Además de la biografía intelectual de Hipatia, sus posturas religiosas a lo largo de la película sorprenden porque sólo existen, que sepamos, ciertos hombres que en el mundo griego sospecharon de la religión y fueron los sofistas, Hipatia era una neoplatónica, muy separada de las tesis sofistas, por tanto.
Las escenas de la vida científica de Hipatia pecan no sólo de poco rigor histórico sino también son aburridas y sin gracia alguna, en parte por la mala interpretación de Weisz.
Existen, sin embargo, destellos del gran Amenábar. Existe su mano en escenas en las que su sensibilidad está presente, pero no logra dotar al film de lo que tienen sus mejores largos, maestría y compromiso.
El peor error del guión, el maniqueísmo, echa por tierra un trabajo técnico que, acompañado de mejores mimbres, tendría otro resultado.
Lo mejor: La intención del guión.
Lo peor: Rachel Weisz, el simplismo con el que la trama despacha asuntos vitales.
No recomendable.

The Boondock Saints II (Los Elegidos II)

Título: The Boondock Saints II (Los Elegidos II)
Año: 2.009/117'/ USA
Dirección: Troy Duffy
Guión: Troy Duffy
Música: Jeff Danna
Reparto: Sean Patrick Flanery, Norman Reedus, Billy Connolly, Julie Benz

Atraído por la fama que tuvo alrededor la primera parte, tuve la oportunidad de ver esta secuela que espero que no tenga mucho que ver con la primera hermana. Troy Duffy, en esta ocasión, apenas alcanza una pizca de originalidad. La película es muy plana, carece de interés y huele demasiado a Tarantino por todos los lados. Demasiado tarantinada para que alcance un poco de respeto, los papeles son mucho más absurdos, el guión es muchísimo más pobre y los actores son peores que las primeras películas de Tarantino.
Además de eso, poco se puede comentar de una cinta demasiado marcada en un género como para que llegue a interesar a un público de mejor paladar.
Dentro de todo esto, quizás el papel de Julie Benz/Eunice Bloom es el que puede aportar algo de claridad a este gran entuerto. Destila cierta frescura y cierta mirada personal. Aún así tampoco es que merezca el viaje ni mucho menos.
Lo mejor: Nada
Lo peor: El guión
No recomendable

Mr. Deeds Goes to Town (El Secreto de Vivir)

Título: Mr. Deeds Goes to Town (El Secreto de Vivir)
Año: 1936/ 120'/ USA
Dirección: Frank Capra
Guión: Robert Riskin
Música:Howard Jackson
Reparto: Gary Cooper, Jean Arthur, George Bancroft, Lionel Stander

Una deliciosa comedia con la inconfundible firma de Frank Capra, ahí están esos personajes tan característicos suyos que parecen tan fáciles y que, sin embargo, son tan complicados de repetir. Papeles que están, aparentemente, lejos de la realidad pero que son los que enseñan la mejor forma de vida. Son las de Capra películas muy poderosas debajo de una piel de cordero. La sencillez del despliegue sólo sirve para que el mensaje llegue de mejor modo y, en resumidas cuentas, de forma elegante se recibe una clase de moral en toda regla.
La ternura que destila el personaje principal en el que hace un buen papel un jovencísimo Gary Cooper, conlleva que el espectador quede prendido por lo naive de sus acciones. Una vez atrapados en la telaraña, sólo nos queda asentir sin atisbo de duda a cada una de las elecciones morales que el personaje se dedica a hacer a lo largo de la cinta.
Arte con palabras mayúsculas que realiza lo más difícil y lo más excelso a lo que una obra puede aspirar, entretener, embellecer y educar.
Es maravilloso el trabajo de una grandísima Jean Arthur que sobresale sobre el resto con una actuación tan poderosa que se agradecen todas y cada una de sus escenas.
Como para no perdérsela.
Lo mejor: Jean Arthur, el guión, la dirección
Lo peor: Nada
Imprescindible
No he encontrado subtítulos para el trailer.

Marilyn Hotchkiss' Ballroom Dancing and Charm School (Un Toque de Seducción)

Título: Marilyn Hotchkiss' Ballroom Dancing and Charm School (Un Toque de Seducción)
Año: 2.005/103' USA
Dirección: Randal Miller
Guión: Randall Miller & Jody Savin
Música: Mark Adler
Reparto: Robert Carlyle, Marisa Tomei, John Goodman, Mary Steenburgen

Robert Carlyle es un actor que empezó en esto del cine con sólidas interpretaciones en películas de enjundia, Riff-Raff (Ken Loach, 1.990), Trainspotting (Danny Boyle, 1.996) o Full Monty (Cattaneo, 1.997) son algunos ejemplos. Pero se ha disuelto como un azucarillo en el agua y deambula desde hace unos años por producciones menores intentando no caer en el ridículo, Hitler, The Rise of Evil (Hitler, El Reinado del Mal. Duguay/2.003) es un buen ejemplo, y también lo es esta cinta de un Randal Miller que tampoco está como para tirar bombas.
Poco interés tiene la película sino es para comprobar que existen actrices, como Marisa Tomei, que envejecen bien sin pasar por el ridículo quirófano. Lo demás es prescindible, casi absurdo. El papelón que le han hecho pasar al pobre de John Goodman es de juzgado de guardia porque, sin lugar a dudas, esas escenas son las más esperpénticas de un filme que juega a lo que no es. Porque jugamos a largo de crecimiento personal, de maduración y esas cosas, pero el resultado es completamente fallido porque el personaje principal no sabe ni de dónde viene ni a dónde va. Simplemente se meten en la mezcladora una serie de recetas manidas que han tenido éxito en otras latitudes y se tira para adelante con una historia que no ofrece mayor aliciente que el dicho, o lo sorprendente de su reparto.
No existe pizca de originalidad en el entuerto, no existe una verdadera dirección y tampoco hay noticias del guión.
Para no ser tan negativos casi se podría salvar una cierta decencia en el modo de llevar los tiempos de la narración. Poco más.
Lo mejor: Algún secundario
Lo peor: Casi todo
No recomendable.

The Men Who Stare at Goats (Los Hombres Que Miraban Fijamente a las Cabras)

Título: The Men Who Stare at Goats (Los Hombres Que Miraban Fijamente a las Cabras)
Año: 2.009/93'/ USA
Dirección: Grant Heslov
Guión: Peter Straughan (Libro: Jon Ronson)
Música: Rolfe Kent
Reparto: George Clooney, Ewan McGregor, Kevin Spacey, Jeff Bridges

Semejante reparto con tan pobres resultados sólo puede ser obra de una pobre historia que no da más de sí.
La crítica a lo militar, obvia desde el primer minuto, no es suficiente para mantener viva esta parodia absurda y, a ratos, infantil.
Sólo soportable por los buenos actores que pueblan sus escenas, carece de los elementos necesarios para que la parodia sea soportable e interesante. Los guiños al cine de los Hermanos Coen son evidentes pero no soporta las comparaciones la cinta de Heslov.
La parodia debe ser inteligente para ser considerada tal, aquí la obviedad deja paso a una mala resolución y a unos malos personajes que recuerdan más al peor Mel Brooks que a otra cosa.
De buenas intenciones que han dado pésimos largos está llena la historia del cine, la intención antibelicista que anima esta producción no despeja el camino de un pobrísimo guión.
El arranque del film hace prometer algo y sólo llega uno al final para comprobar que el naufragio es total.
Lo mejor: Sus cuatro actores principales.
Lo peor: El guión
No recomendable