De battre mon coeur s'est arrêté (De latir mi corazón se ha parado)

Título: De battre mon coeur s'est arrêté (De latit mi corazón se ha parado)
Año: 2.005/107'/ Francia
Dirección: Jacques Audiard
Guión: Tonino Benacquista
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Stéphanie Fontaine

Reparto: Romain Duris, Aure Atika, Emmanuelle Devos, Niels Arestrup, Jonathan Zaccaï, Gilles Cohen, Anton Yakolev, Mélanie Laurent

Por mi parte, después de ver Un Prophète (Un profeta, Audiard, 2.009) y esta que comento y a la espera de ver Sur mes Lèvres (Lee mis labios, 2.001), ya puedo decir que hay un director francés que en los últimos años ha hecho y hace cosas encomiables. Me gustó mucho la de 2.009 y De battre también. Me han parecido historias que tienen muchos elementos en común, ambas son narraciones centradas en la evolución psicológica de un personaje que domina todo el panorama. En ambos casos el tratamiento de la realidad es uno de los puntos fuertes, hay una forma de contar especial, es como si se cortase un segmento de la realidad y se nos enseñasen de forma descarnada y exenta de interpretaciones morales sus últimas consecuencias, sus entresijos más escondidos.
La parte de la realidad que se elige es más bien azarosa, no parece haber un plan preconcebido, simplemente se dirige el microscopio y vemos lo que pasa.
En esa especie de cine científico como el de Audiard, no hay una tesis que se pretenda demostrar, se analiza la realidad y el espectador debe encontrar si hay leyes, si hay ciencia o si más bien lo que reina es el caos más absoluto.
En el fondo todo es una trampa porque cada detalle parece estudiado, ese aparente dejar en las manos de los hechos que envuelven al protagonista la narración, sí que tienen un mensaje sólo que hay que mirar atentamente, advertir cuáles son las acciones que el guión y el director eligen contarnos, y cómo lo hacen.
Ese azarosismo, ese vivir cada día en el que parece flotar la película no es más que un sutil y bien montado pretexto, lo otro hay que encontrarlo más abajo, en otro nivel.
Ahí veremos cómo los individuos que Audiard elige para sus películas encuentran un papel en el mundo que les saca del sitio en el que están, son personajes perdidos que deben aprender desde sí mismos a salir del atolladero en el que se encuentran, cada uno a su manera, quizás no sea la de todo bicho viviente pero es la suya.
El papel que juega la música como catarsis es otro gran acierto a lo largo de la producción, sobre todo su contrapunto con la violencia.
La traducción del título en español puede llevar a error.
Me ha quedado prendado de Niels Arestrup, al igual que en Un prophéte. Muy bien Romain Duris.
Lo mejor: Audiard y Niels Arestrup
Lo peor: Puede parecer a primera vista que sólo se intenta provocar.
Recomendable.

The Out of Towners (Los Encantos de la Gran Ciudad)

Titulo: The Out of Towners (Los Encantos de la Gran Ciudad)
Año: 1.970 /70'/ EE.UU.
Dirección: Arthur Hiller
Guión: Neil Simon
Música: Quincy Jones
Fotografía: Andrew Laszlo
Reparto: Jack Lemmon, Sandy Dennis, Anne Meara, Ann Pretiss, Ron Carey, Sandy Baron, Phil Bruns, Carlos Montalbán, Paul Dooley, Billy Dee Williams

Los beneficios de la vida en el campo ha sido una de las líneas literarias más fructíferas en el siglo XIX, Rousseau y Thoreau han sido dos de los más claros exponentes de la defensa de la vuelta del hombre a lo rural, abandonando las crecientes urbes.

La película que firma Arthur Hiller con guión del prolífico guionista y dramaturgo Neil Simon sigue esa línea de ensoñación de la vida fuera de la ciudad. Para conseguir sus objetivos el guión elige una disparatada sucesión de situaciones que consiguen desquiciar a la pareja protagonista.

El papel de Jack Lemmon tiene un algo de Martínez Soria, sobre todo en los primeros minutos, que nos lo acerca a nuestro inconsciente colectivo, esos tics pueblerinos y esa intransigencia con el vecino, incluido con su mujer, son cercanos. Por cierto que Sandy Dennis está muy acertada en su trabajo pese a que su carrera no encontraría sucesión de buenos títulos.

Uno de los intereses de la película son las localizaciones exteriores mostrando esquinas del Nueva York de los 70, interesantes los planos de la Estación Central o de rincones de un Central Park ya emblemático.

Además de eso, Jack Lemmon, por sí solo, merece ver la película con cierto interés. Las amenazas que va repartiendo por todos el personal de aeropuertos, hoteles y demás, son las mejores líneas del guión, es allí cuando la comedia alcanza sus mejores momentos porque también es donde Jack Lemmon se encuentra a gusto.

Quizás hay un tanto de exageración que empequeñece un tanto la película pero es cierto que en las comedias estos elementos siempre han existido.

El giro final tiene un mucho de moraleja que acerca la reflexión a Walden y a esa línea de pensamiento.

Lo mejor: Jack Lemmon

Lo peor: No acaba de convertirse en una gran comedia

Interesante

October Sky (Cielo de Octubre)

Título: October Sky (Cielo de Octubre)
Año: 1.999/108'/ EE.UU.
Dirección: Joe Johnston
Guión: Lewis Colick (Autobiografía: Homer Hickam)
Música: Mark Isham
Fotografía: Fred Murphy
Reparto: Jake Gyllenhaal, Laura Dern, Chris Cooper, Natalie Canerday, Chad Lindberg, Chris Owen, William Lee Scott, Frank Schuler, Courtney Fendley, Kailie Hollister, rick Forrester

Regular producción que tiene dos partes claramente delimitadas por un punto de giro del guión en el que las necesidades taquilleras y las fórmulas echan a perder lo que era hasta ese momento una más que entretenida narración.

El arraque del film es prometedor y hay momentos de altura tanto en el diseño de los personajes como en el entretejido de las acciones que nos van presentando sus opciones. El clima de suspicacia que causa en un pequeño pueblo estadounidense las noticias que provienen de la URSS sobre sus adelantos en la carrera espacial está muy bien retratado y sirve de arranque para una historia de superación personal.

A esos aciertos en los planos de las narraciones iniciales se le suma el trabajo de los actores sobre los que destaca un Gyllenhaal que ya da muestras de lo que sería en breve su carrera. Ahí son precisamente esos momentos en los que la película tiene elementon suficientes para agradar e incluso más.

A partir de que el guión decide convertir una historia de superación y crecimiento personal en otra cosa más bien sacada del gran libro de los tópicos familiares las cosas se tuercen y mucho.

No es culpa de los actores que siguen defendiendo con mucha honradez y criterio sus personajes, el problema, me parece a mí, que viene de un guión que apuesta por seducir al público contándole lo que quiere que le cuenten, y no es tan sorprendente esto porque se pueden contar las historias de siempre pero bien contadas, el problema reside en que, de repente, los personajes ya no siguen la lógica de las acciones, los que eran corderos parecen lobos y viceversa, existe un apresuramiento guionístico que sólo conduce a un triste final y a estropear lo que hasta allí estuvo bien.

Lo mejor: Jake Gyllenhaal

Lo peor: La segunda parte de la película.

Floja

Nordwand (North Face)

Título: Nordwand (North Face)
Año: 2.008/ 121'/ Alemania
Dirección: Philipp Stölzl
Guión: Philipp Stölzl, Rupert Henning, Johannes Naber, Benedikt Roeskau, Christoph Silber
Música: Christian Kolonovits
Fotografía: Kolja Brandt
Reparto: Benno Fürmann, Florian Lukas, Johana Wokalek, Georg Friedich, Simon Schwarz, Ulrich Tukur, Erwin Steinhauer, Branko Samarovski, Petra Morzé, Hanspeter Müller, Peter Zumstein, Martin Schick.

Pese al dramatismo de los hechos en los que, de alguna manera, está inspirada esta producción, la película carece del mismo de forma alarmante. Su principal atractivo debería ser precisamente ese, el dramatismo, pero la produccion carece del alma suficiente para transmitir la angustia de una escalada en esas circunstancias.

Parte del problema comienza por un metraje excesivo, muy excesivo. El segundo problema grave es el de un guión que no apuesta a nada. No elige narrar de un modo arriesgado y pierde sus opciones por una historia sentimentaloide que ayuda al sopor general. La historia entre los dos protagonistas es tan plana que se agradece que las escenas de la tormenta acaparen buena parte de los minutos manteniéndolos a cada uno a un lado del cuadrilátero. Uno de los aspectos más interesantes de la historia debería ser sus connotaciones políticas que pasan casi desapercibidas en esta película o, lo que es peor, casi caricaturizadas.

Mucho no ayudan unos actores que parecen bastante limitados, especialmente Johanna Wokalek que no acierta a darle a su personaje ningún aire definido y juega en unas escenas a bastos y en otra a copas.

Me reservo para las recomendaciones en torno al documental que se ha realizado en torno al mismo hecho histórico pero sin dramatizaciones, cierto es que la presencia de la montaña, en esos momentos en los que la producción roza también la documentalización, parecen los mejores porque en cuanto se adentra en los terrenos de la ficción naufraga abiertamente.

Lo mejor: Los planos del Eiger.

Lo peor: El metraje excesivo y Johanna Wokalek

No recomendable.

Joheunnom Nabbeunnom Isanghannom (El Bueno, el Malo y el Raro)

Título: Joheunnom Nabbeunnom Isanghannom (El Buena, el Malo y el Raro)
Año: 2.008/ 136'/ Corea del Sur
Dirección: Kim Ji-woon
Guión: Remake: Sergio Leone, Age, Furio Scarpelli, Luciano Vincenzoni
Música: Dalparan
Fotografía: Mo-gae Lee
Reparto: Lee Byung-hun, Song Kang-ho, Jung Woo-sung, Uhm Ji-won, Je-mun Yun, Seung-su Ryu.

Más que interesante adaptación que viene a redundar en lo que sabemos desde hace tiempo, el cine asiático está por delante en muchas cosas, entre ellas, también hay que destacar las rememoraciones que se hacen de los clásicos. Hace tiempo tenía la oportunidad de ver Exiled (Fong Juk) de Johnnie To, 2.006, y me maravillaba de cómo hacer lecturas nuevas de elementos clásicos como el western. No soy un admirador de las películas de Sergio Leones y, por tanto, no disfruto del exceso que siempre han tenido sus películas y sus personajes, pero desde luego que esta relectura consigue la suficiente originalidad para merecer la pena.

Más allá de ese dato innegable, este remake posee la suficiente fuerza como para vivir por sí sólo sin la necesidad de tener apoyaturas en el pasado.

Es fundamental el buen hacer de los actores, especialmente Song Kang-ho que es uno de los actores a los que hay que seguirles la pista porque va creciendo en cada película. Su trabajo en la película de Park Chan-wook, Sympathy for Mr Vengeance, 2.002, ya fue muy meritorio.
El metraje de la película me distanció un poco porque existe alguna escena en la que la exageración se lleva también a su duración; otro pequeño pero es la banda sonora que, por momentos, se contagia de la misma exageración y pierde suelo.

Lo mejor: Song Kang-ho

Lo peor: El exceso de metraje

Interesante.

Four Lions

Título: Four Lions
Año: 2.010/ 94'/ Gran Bretaña
Dirección: Christopher Morris
Guión: Jesse Armstrong, Sam Bain, Christopher Morris, Simon Blackwell
Música: Phil Cunning
Fotografía: Lol Crawley
Reparto: Riz Ahmed, Kayvan Novak, Nigel Lindsay, Adeel Akhtar, Arsher Ali, Preeya Kalidas.

Nos olvidamos una y otra vez que una película es una narración, tendemos a ver la bondad de una película en la cercanía que tenga a mi forma de pensar, a mi forma de ver la vida y no en función de los valores cinematográficos que posee.

Dicho esto Four Lions es una parodia, hasta ahí de acuerdo pero la parodia debe ser inteligente y no caer en el chiste fácil, puede hacerlo, claro, pero perderá inteligencia. Es loable, incluso temerario que, con los tiempos que corren, uno se dedique a parodiar a los violentos, y si a esos violentos, además, les ha dado por meter su religión a golpes en la cabeza de las personas, la sátira todavía es más valiente porque corre uno el riesgo de que una horda de esos energúmenos focalice sus ansias destructivas en tu persona.

La película de Morris tiene bastante de eso, pero el problema es que se cae en el error de denigrar, no parodiar. Debe haber tontos en el mundo, yo conozco a unos cuantos, pero lo que no puede ser es que en tu parodia todos los personajes sean retrasados mentales, todos, los de aquí y los de allí, los que atacan y los que deben proteger. De ese modo la parodia pierde fuerza porque no se logra conseguir ese efecto de lo raro en la normalidad. Recuerdo la interesante película de Stebbings, Defendor, 2.009, en la que existe una parodia de los superhéroes creando un antihéroe que encarna dicha parodia. En Four Lions no hay parodia porque no existe el contrapunto entre la normalidad y lo extraño, todo es extraño, todo es tan surrealista  (pero no en el buen sentido de la palabra) que nos preguntamos seriamente si estamos frente a una parodia.

La resolución de los conflictos narrativos pecan de la misma irracionalidad sin sentido, acaban de forma fácil, burda y carente de las mínimas normas de secuencialismo lógico.

Y es una pena porque el arranque de la pelicula es un tanto prometedor y existen algunos diálogos y personajes que sí que van en la senda de la parodia pero falta un tanto de trabajo en ese guión que tiene hallazgos y elementos interesantes que se echan por la borda por un apresuramiento y un empecinamiento en la hipérbole.

Los actores se contagian de estas formas y ofrecen interpretaciones deslabazadas, neuróticas, improvisadas. Se nota que no han terminado, casi con la excepción de un buen Nigel Lindsay (Barry), de comprender a qué juega su personaje, cuál es el enfoque que tiene en esos noventa y cuatro minutos. Van dando bandazos de aquí para allá igual que sus personajes.

Lo mejor: Tres o cuatro diálogos de Nigel Lindsay en su papel de Barry

Lo peor: No apostar por una lectura más pausada.

No recomendable.

Nina's Heavenly Delights

Título: Nina`s Heavenly Deligths
Año: 2.006/94'/ Gran Bretaña
Dirección: Pratibha Parmar
Guión: Pratibha Parmar, Andrea Gibb
Música: Steve Isles
Reparto: Shelley Conn, Laura Fraser, Ronny Jhutti, Art Malik, Raji James, Veena Sood, Raad Rawi, Atta Yaqub

Lamentable película aunque en su descargo hay que decir que casi no llega a ser tal. Utilizar el cine como propaganda no deja de ser una perversión de este arte para unos fines que no son los propios. Eso es lo que ocurre con este infame producto de Parmar. Se trata antes de nada de un alegato a favor de la homosexualidad que por casualidad posee características del cine. Se ve que esta directora no ha sabido entender o ver películas que han transmitido estos mismos valores de la manera excelsa que tantas y tantas han logrado.

El guión es tan burdo que no se sostiene en pie más allá de dos escenas. Cliché tras cliché de una narración que no tiene tensión, inteligencia ni gracia. 

La apuesta de la guionista ha consistido en destrozar una historia, que por otro lado no daba para mucho más, con el único objetivo de darnos a entender que la homosexualidad es una opción sexual tan digna como las otras, hasta ahí estupendo; el problema es que esta directora se ha olvidado de que en el cine se narra y nos presenta una serie de tópicos tan manidos que deja su trabajo a la altura del betún.

La escasez de medios no puede estar reñida con la cutrez y esta película tiene cutrez por las cuatro esquinas, cutrez a la hora de escribir un guión tan absurdo en el que los personajes entran y salen sin saber ellos mismos por qué ni por qué no. Cutrez estética porque la aparente profusión de sentimientos no cala en el espectador en ningún momento, cutrez interpretativa porque los actores son realmente malos, Laura fraser destroza su papel, sus compañeros en las lides de roles principales no están tan mal pero apenas consiguen un buen gesto.

Lo peor del cliché es el momento en el que se usa pretendiendo demostrar que se ha descubierto la pólvora, que a partir de él entendemos la realidad circundante. En el caso de Parmar el error todavía es más grave porque existen pretensiones de escudriñar la naturaleza de sus personajes y su ubicación en el mundo, pero todo hace aguas de tal calado y a tal velocidad que el cliché parece usarse de forma casposa, aburrida y, repito, poco inteligente.

Un desastre.

Lo mejor: Nada

Lo peor: El resto con el guión, la dirección y los actores a la cabeza

Un desastre.

I Love You Phillip Morris (Phillip Morris ¡Te Quiero!)

Título: I Love You Phillip Morris (Phillip Morris ¡Te Quiero!)

Año: 2.009/ 95? / U.S.A.

Dirección: Glenn Ficarra, John Requa.

Guión: Glenn Ficarra, John Requa.

Música: Nock Urata

Fotografía: Xavier Pérez Grobet

Reparto: Jim Carrey, Ewan McGregor, Leslie Mann, Rodrigo Santoro, Nicholas Alexander, Michael Beasley, Tony Bentley, Allen Boudroux, Sean Boyd, Brennan Brown, Marcus Lyle Brown.

Comedia de enredos que me recordó por momentos a The Hoax de Lasse Halström, (La Gran Estafa, 2.006) sólo que en esta ocasión la trama está aderezada con algo que por fortuna empieza a ser habitual en las grandes pantallas, el amor homosexual. Que dos estrellas del firmamento de Hollywood  que pueden realizar casi cualquier papel que se empeñen se hayan decantado por este guión significa que existe un proceso de normalización de este tipo de relación entre seres humanos que era justo y necesario en el momento en el que nos ha tocado vivir.

Otra cosa son los valores de la película en sí a pesar de que empieza con un valor añadido. Desde luego no se trata del amor apasionado y rompedor con el que Almodóvar intentó romper en la estupenda La Ley del Deseo, 1.987, pero existe una valentía por enseñar los besos, aunque sea a contraluz, de los dos protagonistas principales.

La narración, que se supone basada en una historia real, roza esos momentos en los que estamos enfrente de una historia de difícil credibilidad. Jim Carrey siempre ha elegido papeles exagerados y el de Steven Russell le va como anillo al dedo. Si es que nos enfrentamos con una historia real, los guionistas debieron retocar ciertos aspectos que se salen de la realidad, no es importante si ocurrieron o no, lo importante es que suenan artificiales e hiperbólicos en la narración de la película.

Otro de los defectos de esta comedia es que la acción acaba ocupando demasiado protagonismo, el frenético ritmo que impone la multitud de esquemas, como dicen los americanos, del protagonista para conseguir dinero o engañar, acaban siendo un tanto cansinos y nos quitan de la pista, necesaria en toda película de este tipo, de una ligera introspección psicológica de los personajes, aunque sea mínima, aunque sea a través de sus acciones, y eso no aparece.

Los aciertos del film, además de lo dicho, pasan, en primer lugar, por el buen trabajo de la pareja de actores principales, Jim Carrey ha dado algunas de cal y otras de arena, en esta ocasión, sin llegar al trabajo que realizó en The Truman Show (El Show de Truman, Peter Weir, 1.998), sí que ofrece una actuación interesante sin caer en el ridículo.

Más sorprendente es Ewan McGregor quien sí que ha roto con la línea de interpretaciones que solía hacer últimamente. Sin ser una interpretación de óscar, más por culpa del guión, sí que está al nivel de lo que se espera de esta comedia que quizás se hable de ella por más cosas que por las estrictamente cinematográficas.

Lo mejor: Un paso más por normalizar el amor homosexual.

Lo peor: Un guión flojo y efectista.

Pasable.

Gigantic

Título: Gigantic 

Año: 2.008/ 97'/ Estados Unidos

Dirección: Matt Aselton

Guión: Matt Aselton, Adam Nagata

Música:  Roddy Bottum

Fotografía: Peter Donahue

Reparto: Paul Dano, Zooey Deschanel, John Goodman, Edward Asner, Jane Alexander, Leven Rambin

Esta comedia tiene dos cosas que la hacen interesante, en primer lugar un reparto consistente de buenos actores de los que destaco tres, el primero es John Goodman, por supuesto, el segundo Paul Dano de quien hay que ver su trabajo en There Will Be Blood (Pozos de Ambición, Thomas Anderson, 2.007) para saber lo que podemos esperar de este actor. El tercero es Edward Asner, actor más que famoso por su pasado pero que deja en esta película una perla de actuación con este papel secundario.

El otro elemento que hace esta producción interesante es un guión guirlado de la suficiente originalidad para convertirse en una agradable sorpresa.

Hay algunos giros que hacen que esta producción se aparte de los estilos convencionales al uso en este tipo de género. Para empezar los sentimientos que se suelen etiquetar al personaje femenino y al masculino parecen cambiados y es un motivo de sorpresa a lo largo del guión ver cómo se juega con este punto para conseguir resoluciones a situaciones bastante novedosas y sorpresivas.

Existe un personaje inquietante que merece un poco de atención, me refiero al vagabundo que agrede al personaje interpretado por Paul Dano en algunas ocasiones a lo largo del metraje, ese personaje tiene desde su aparición un algo del Álex de Kubrick, sobradamente evidente por la forma en la que lleva la barra de hierro en su primera escena aparte de su sed de violencia. Creo que este elemento tan variopinto del guión tiene que ver con esa transmutación de los valores masculinos y femeninos a lo largo de la narración. El viejo hombre tipo masculino, amenazado por la extinción que se le viene encima en este mundo de mujeres en que, según los sociólogos, se está convirtiendo el siglo XXI, se defiende del rival e intenta hacerle desaparecer como sea. Es precisamente cuando el protagonista vence y sus valores se imponen cuando ese hombre cavernícola, barbudo y agresivo desaparece de su vida, en cierto modo es él mismo el que vence, el que controla su agresividad y se deja llevar ya no por lo masculino. De hecho Zooey Deschanel le grita en un momento de discusión que por lo menos se enfade.

El personaje de Paul Dano, muy bien construido, define esos nuevos hombres del siglo XXI que ya no ven a las mujeres como oponentes y que no sienten su masculinidad agredida por los nuevos valores que imperan en la sociedad. Ante esas nuevas perspectivas son evidentes las dudas de Harriet (Zooey) que tendrá que aprender a lidiar con este nuevo tipo de hombre.

El enredo se completa con una pléyade de secundarios que ennoblece todavía más la narración a base de situaciones delirantes que deben ser interpretadas por el espectador porque el guión decide enseñar un poco mediante la acción pero esconder mucho para que el espectador llegue allí.

Es ese un aspecto que tiene sus luces y sus sombras porque no acaba de ofrecer una coherencia interna el guión, no sabemos si se trata de una comedia surrealista, una sátira social, o qué, pero existe la sensación de que nos hemos quedado a medio camino de algo más serio. Aún así, aciertos hay suficientes para acercarse a ver esta trama delirante con buena dosis de modernidad.

Lo mejor: Paul Dano

Lo peor: No acabar de aterrizar 

Interesante

Un Prophète (Un Profeta)

Título: Un Prophète (Un Profeta)
Año: 2.009/ 150'/ Francia
Dirección Jacques Audiard
Guión: Jacques Audiard, Thomas Bidegain
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Stèohane Fontaine
Reparto: Tahar Rahim, Niels Arestrup, Salem Kali, Alaa Oumouzoune

Tras mucho perseverar lo he logrado, esta película francesa de Jacques Audiard merece y mucho la pena. Se trata de una narración de género carcelario que se centra en la creación de un Malamadre si tomamos la película de Daniel Monzón, Celda 211 del 2009 como ejemplo del mismo género. La forma en la que Audiard maneja los elementos de las producciones antiguas del mismo estilo es magistral; su desempeño muestra cómo es posible reinventar el cine sin mayores artimañas que el mismo cine, no hay nada que sobre y nada que falte, lo que es decir mucho teniendo en cuenta el metraje del largo.
No hay moralina, tampoco, no hay redención del personaje principal a través de supuestas fallas del sistema o de un pasado turbulento de familia desestructurado, lo que se cuenta es el ascenso de un personaje de poca monta que, apoyado en exclusiva en su sentido común, logra encaramarse no sólo en la posición más elevada de una población reclusa sino, además, labrarse una oportunidad fuera de la misma.
Un sobreviviente que aprovecha con inteligencia sus cartas aprendiendo de los que han llegado a donde él quiere y que camina por los pasillos de la cárcel aprendiendo el lenguaje de la misma y adaptándolo a sus necesidades.
La mirada de la cámara nos conduce, y es otro de los grandes aciertos del guión, al mundo interior del protagonista, mostrando sus momentos íntimos y sus debilidades; con cada una de esas escenas, sin mayor informacion que la acción que se desarrolla delante de nuestros ojos, tenemas cumplidas las necesidades para construir un personaje tan rico en matices que domina por sí solo la escena narrativa.
La crudeza con la que el personaje se presenta nos recuerda a aquellos personajes del cine negro de siempre en el que la moral jugaba su papel entre líneas, de forma lo suficientemente inteligente para que el espectador llenase los huecos y las escenas con la información suministrada por la propia acción, eso era todo. Y eso es todo lo que se necesita cuando la película descubre sus cartas desde el principio con tanto acierto.
Mención especial merece Tahar Rahim que ha sabido dotar a su personaje de esa humanidad de la que carecen tantos personajes que intentan parecérsele. Sus dudas, sus idas y venidas en una misma baldosa dicen lo necesario para conectar al momento con lo que siente y lo que dice, incluso, como decía antes, con sus monstruos interiores.
La libertad, su libertad no es una palabra vacía, es un sueño que se encarga de realizar con sus propias manos, porque está muy claro que nadie le va a ayudar a conseguirlo. Maneja y es manejado en un complejo juego que bien podría ser el de la realidad fuera de la celda, el de cualquier empresa, por ejemplo.
Los mismos juegos y las mismas trampas, sólo que en este caso, no es la fortuna la que mueve la rueda del destino, es la propia vida. Vida que es, ante todo, épica.


Lo mejor: El guión. Tahar Rahim
Lo peor: Nada es tan malo como para ser destacado.
Muy recomendable

Ensemble, C'est Tout (Juntos, Nada Más)

Título: C'est Tout (Junto, Nada Más)
Año: 2.007/97'/ Francia
Dirección: Claude Berri
Guión: Claude Berri (novela: Anna Gavalda)
Música: Frèdèric Botton
Fotografía: Agnes Gòdard

Reparto: Audrey Tautou, Guillaume Canet, Laurent Stocker, Françoise Bertin, Hélène Surgère, Firmine Richard, Magalie Madison, Bernard Dheran, Alain Sachs, Béatrice Michel, Kahena Saïghi

Otra película francesa, otro fiasco. Un flojo guión en el que a los diez minutos ya sabemos todo lo que va a ocurrir, y cuando digo todo, me refiero a todo. Pero ese no es un gran problema porque la previsibilidad o no no es algo que quita o ponga, hay producciones que se empeñan en la sorpresa o giro final y no es justificativo por si sólo de una gran obra.

El peor problema de esta comedia ligera es que los personajes están tan mal definidos que les vemos cambiar, especialmente a los dos principales, elementos constitutivos de su carácter delante de nuestras narices y no tenemos la menor idea de por qué; sólo podríamos saberlo si rellenamos por nosotros mismos el guión, si añadimos lo que no tiene, coherencia.

Por poner sólo un pequeño ejemplo que no estropea para nada la trama, ¿por qué el personaje de Franck pasa a ser un enamorado empedernido y fiel cuando antes era un vivalavirgen de relación nueva cada noche?, no lo sabemos, no tenemos ni idea. La conversión es tan repentina que hasta el tono de su voz cambia de una escena para otra. Lo mismo cabe decir en el caso de Camille, ¿por qué una chica idealista, soñadora y artista como se nos presenta, de repente sólo exige sexo de una relación?, misterio, incongruencia de un guión mal llevado del que no sabemos si arregla o estropea la novela en la que se basa. Me temo que me voy a ahorrar la investigación.

Lo de Audrey Tautou creo que ya es culpa mía, en las muchas películas en las que le he visto, sigo viendo a Amèlie por todas las esquinas, mucho me temo que sigue intentando encontrar el éxito que tuvo aquel personaje y le da vueltas y vueltas a la paradoja de ser de nuevo Amèlie pero sin que se note. De momento no ha tenido éxito. Y no lo ha tenido porque el acierto de aquel personaje no era la actriz, era el guión.

Este trabajo tiene aciertos, existe un secundario, Philibert, del que merecen la pena sus escenas, tanto por la actuación como por el personaje en sí, por desgracia la trama no le da la importancia que nos gustaría convirtiéndolo en una mera comparsa de unión entre personajes. Otros, como la madre de Franck, son unos personaje muy poco trabajados y que caen en el tópico fácil.

La estructura es casi teatral porque muchas escenas se suceden en espacios cerrados para que la atención converja en los personajes y no en lo que los rodea. 

Lo mejor: Laurent Stocker

Lo peor: El guión y Audrey Tautou

No recomendable.

 

Sil-jong (Missing)

Título: Sil-jong (Missing)
Año: 2.009/ 98'/ Corea del Sur
Dirección: Kim Seong-Hong
Guión: Kim Seong-Hong
Reparto: Moon Seong-geun, Choo Ja-hyeon, Jeon Se-hong, Oh Seong-soo

Película que no aporta absolutamente nada nuevo, es más, empeora alguno de los pobres productos occidentales del género. El personaje principal, un pseudo Norman Bates menos simpático y mucho menos creíble, no aporta ni un ápice de sentido a una trama absurda y ridícula que para acabar de estropear el asunto tiene ínfulas de querer contar algo, no sé si de lo que se trata es de que vistamos de forma recatada a nuestras jóvenes, que no les dejemos ir de excursión al campo o que internemos a todos los viejos con pinta de no llevar una vida sexual sana en centros psiquiátricos y con dieta de bromuro. En cualquier caso ambas lecturas son pobrísimas para justificar un largometraje.

La dosis de gore que tiene el film no produce mayor asombro, además al mezclarlo con dosis de sexo burdo está muy cerca de otras producciones tan mediocres como 2001 Maniacs, Tim Sullivan, 2.005, otro esperpento del que resulta inexplicable que se haya hecho una secuela.

El mal gusto a la hora de contar historias hasta puede ser un elemento con el que el guionista juegue para dar su punto de vista sobre un tema en concreto, en este caso, el mal gusto, del que hay mucho, no parece jugar mayor papel que demostrar las carencias de los que firman esta producción.

Es una pena que con el auge del cine asiático se nos cuelen estas dosis de mal, muy mal cine que estropean la fama y calidad de unos guiones y directores que han sabido renovar los lenguajes cinematográficos en las últimas décadas.

Lo mejor: No es muy larga

Lo peor: El guión

No recomendable