A single man (Un hombre soltero)

Título: A single man (Un hombre soltero)
Año: 2.009/ 99'/ EE.UU.
Dirección: Tom Ford
Guion: Tom Ford, David Scearce (novela: Christopher Isherwood)
Música: Abel Korzeniowski
Fotografía: Eduard Grau
Reparto: Colin Firth, Julianne Moore, Matthew Goode, Ginnifer Goodwin, Nicholas Hoult, Paulette Lamori, Jon Kortajarena

En esta adaptación que ha hecho el diseñador Tom Ford de la novela de Isherwood hay un regusto a falso que entorpece los sentimientos que impregnan la película y la novela. Existe un exceso de formalismo, un regusto demasiado explícito por manejar el envoltorio de la trama y de los mismos personajes. En ese exceso, lo que sale peor parado es la trama y la forma en la que se nos cuenta. Creo que los primeros elementos deben estar al servicio de lo segundo y no al revés.

Supongo que la faceta por la que es más conocido Tom Ford ha ayudado a que esto sea así, y supongo que es un algo estudiado y premeditado, pero no comulgo con esa tendencia tan etérea y tan poco real que se le ha dado a una historia tan cruda y tan dura que, además, cumple con un papel social muy necesario, enseñarle al gran público que los sentimientos no son exclusivos de una determinada forma de relación, cualquier forma de relación, cualquiera, está bajo el prisma de los mismos sentimientos independientemente de cómo sea la configuración de la misma.

Es ese sentido lo que debe ser importante en la película queda diluido y, aunque Colin Firth hace lo que puede, en general mejorando muchas de las actuaciones que le recuerdo, no se logra ese dramatismo que debe tener la pérdida del ser amado, sobre todo cuando esa pérdida puede llevarte a la renuncia a la vida.

Pero, en cambio de todo esto, lo que nos llevamos empaquetado para casa son unas cuantas instantáneas que bien podrían servir para algún anuncio de moda o de complementos.

Mala cosa porque estamos hablando de cine, no de publicidad. En todo caso y lo que queda muy claro es que el supuesto buen gusto es lo primordial de una cinta en la que no debería ser así.

Lo mejor: Colin Firth

Lo peor: La dirección de Tom Ford

Pasable

Aaja Nach Le - monsoon wedding

Bachna Ae Haseeno

Título: Bachna Ae Haseeno
Año: 2.008/ 152' / India
Dirección: Siddharth Anand
Guion: Aditya Chopra, Devika Bhagat
Musica: Vishal Dadlani
Fotografía: Sunil Patel
Reparto: Ranbir Kapoor, Bipasha Basu, Minissha Lamba, Deepika Padukone

Y ahora cómo digo yo lo que tengo que decir. Cómo digo yo que lo único interesante de esta película es la belleza de dos de sus protagonistas femeninas sin parecer que uno va al cine a algo más que a intentar tener una fantasía del tipo Belén Esteban catedrática de física cuántica. Cómo digo yo que he ido a ver esto porque viviendo en una ciudad como en la que vivo no hay otra cosa que hacer que echarse a la boca lo que al distribuidor le dé la soberanísima gana de traer. Y ha traído esto, ha traído Bachna ae haseeno o cómo se diga. Pues a uno le gustan ciertas cosas del cine indio, a uno le encanta Satyajit Ray y disfrutó con Monsoon Wedding (La boda del monzón, Nair 2.001) y le encontré cosas buenas a Water (Agua, Deepa Mehta, 2.005). Entiendo que el cine de Bollywood tiene sus arquetipos y que debe ser visto con las gafas adecuadas, entiendo que los sentimientos son culturales y es difícil juzgar los platos que no están pensados para tu paladar, pero también entiendo que el cine es un lenguaje universal y que debe atenerse a unos ciertos códigos, a una serie de elementos para ser considerado tal.

De esos elementos no hay ni uno en los 158, que se dice pronto, minutos que dura esta producción made in Bollywood. He visto que se ha estrenado en Australia, con lo cual deduzco o que en Australia hay una comunidad india amplísima o que pretende ser vista por otro tipo de público que no sea el de este género. Si lo segundo es cierto, y pretende traspasar las fronteras del cine indio, el fracaso es estrepitoso. No es la primera pelicula Bollywood que veo y en algunas hasta me ha llamado la atención ciertas coreografías y una música tremendamente especial y ecléctica. Me ha llamado la atención el uso, hasta la extenuación, de su mitología en comedias románticas de este corte. Por eso, pero sin gritar mucho, me atrevo a decir que lo que he visto es un pestiño de peso tan considerable que me ha hundido en la butaca y todavía noto el peso del bochorno por todo el cuerpo.

Ni el guion, ni las actuaciones, ni la música, ni las coreografías, nada, sólo un sinfin de escenas grotescas en las que los actores más parecían parodias de sí mismos que otra cosa.

Con lo que disfruté la banda sonora de la Nair, hay que ver qué desastre de música que tiene este largo larguísimo. En fin, habrá que seguir probando y esperando que el distribuidor se deje aconsejar aunque sólo sea una vez. 

Mirad, mirad el trailer

Lo mejor: La belleza de alguna de sus protagonistas.

Lo peor: El resto

Nefasta.

Stereophonics (May be tomorrow)

Not since you

Título: Not since you
Año: 2.009/ 90'/ EE.UU.
Dirección: Jeff Stephenson
Guion: Jeff Stephenson, Jane Kellly Kosek, Brent Laffoon.
Música: Christopher Brady
Fotografía: Helge Gerull
Reparto: Desmond Harrington, Kathleen Robertson, Christian Kane, Jon Abrahams, Sunny Mabrey, Will Estes, Elden Henson, Sara Rue, Barry Corbin, Liane Balaban, Victoria Leigh, Grant Sharp.

Tiene tantas cosas malas esta película que casi no sé por donde empezar. Lo haré por un pésimo guion que carece de originalidad y que juega, a mi entender, con un cierto deje a cine independiente para recaudar taquilla, usa algunos trucos y algunos clichés de este tipo de cine pero sin ninguna inteligencia y con buena parte del metraje queriendo pero no pudiendo. Porque para contar algo hay que estar muy seguro de dos cosas, primero de qué se quiere contar y segundo de cómo se quiere contar. El enredo con el 11 de septiembre no viene sino a profundizar en lo que estoy diciendo, sólo es un recurso que pretende atraer taquilla al cine porque sino no se entiende cómo se puede engarzar tan mal un recurso en un guion.

Los personajes, en consecuencia, están tratados alrededor de la idea de que la película debe atraer a la audiencia y, por tanto, dicen y hacen lo que se supone que le debe gustar al publico que se supone va a ver este tipo de películas, pero la realidad es que todos, absolutamente todos, no son más que clichés sin tensión alguna. Ninguno soporta la prueba del algodón y se convierten, a la primera escena, en personajes sin alma ni diálogos que echarse a la boca.

Toda la complejidad, aparente, de enredos que se entretejen no se solucionan de forma digna y alguna de esas historias, como en la que se enredan los dos protagonistas, consigue dar lástima. Hay un algo forzado en unos personajes que andan por el mundo sin saber por qué y escriben libros a las primeras de cambio pero no son capaces de una sola línea inteligente durante los larguísimos noventa minutos de este intento.

Para que una película sea tal uno debe ver una historia que se narra de forma interesante, con unos personajes que se mezclan en la narración, la hacen suya y la ves crecer delante de tus ojos como si todo cuadrase perfectamente, como si fuera fuera la misma realidad lo que, artificialmente, cobra vida.Todo eso es lo que no tiene Not since you.

Los actores no logran dar credibilidad, en parte supongo que el guionista es el máximo responsable, pero no he visto casi ninguna interpretación que merezca una línea.

Lo que sí que merece una línea es la banda sonora porque hay un par de temas de aquellos momentos en los que se inserta la película que tienen interés. Especialmente el buen tema de Stereophonics, Maybe tomorrow.

Definitivamente lo mejor de la película, muy a su pesar.

Lo mejor: El tema de Sterophonics

Lo peor: El resto

No recomendable

Blue Valentine

Título: Blue Valentine
Año: 2.010 /114' /USA
Dirección: Derek Cianfrance
Guion: Dereck Gianfrance, Cami Delavigne, Joey Curtis
Música: Grizzly Bear
Fotografía: Andrij Parekh
Reparto: Ryan Gosling, Michelle Williams, Mike Vogel, John Doman, Ben Shenkman. Liam Ferguson, Maryann Plunkett, Faith Wladyka, Samii Ryan. Tamara Torres, Carey Westbrook, Eileen Rosen.

Interesante película que tiene méritos suficientes para ser vista. Un guion interesante que tapa bien sus carencias en una construcción bien medida de la arqueología de una relación y su fin. La agilidad de la narración hace olvidarnos de algo fundamental y es que echamos en falta los condicionales que unen ambos puntos. Narran muy bien, con interés y gracia el inicio de una relación, me cuentan, con crudeza y buenas maneras su final pero los porqués se quedan por el camino. Ese despiste que supongo intencionado le confiere a la película cierta falta de transición. Se quieren separar tanto los dos puntos y de forma tan marcada que hasta el físico del protagonista sufre una mutación bastante radical. En esa mutación física que acompaña la psicológica no se advierte más que a olisquear el camino que existe entre ambos polos.

A pesar de ese problema, los aciertos son indudables, una gran dirección de actores, una naturalidad muy en desuso en las películas primas hermanas de mayor presupuesto, y una sensibilidad con la cámara lo suficientemente inteligente para escapar de la sensibilería y de la carnaza.

La estética independiente que rodea la película le ha granjeado premios y halagos, quizás comience a ser un poco cansino este lenguaje cinematográfico que ya ha sido muy explotado, quizás haya que buscar nuevos giros pero lo que se hace aquí, aunque suene, no está mal hecho.

Lo mejor: Los actores.

Lo peor: Fallos de guion

Interesante. 

It's kind of a funny story

Título: It`s kind of a funny story
Año: 2010/ 100'/ EE.UU.
Dirección: Anna Boden, Ryan Fleck
Guion: Anna Boden, Ryan Fleck (Novela: Ned Vizzini)
Música: Broken Social Scene
Fotografía: Andrij Parekh
Reparto: Emma Roberts, Keir Gilchrist, Zach Galifianakis, Lauren Graham, Aasif Mandvi, Viola Davis, Zoë Kravitz, Jeremy Davies, Jim Gaffigan, Cheryl Alessio, Mary Birdsong.

El sentido de la vida ha sido un tema que ha dado intensos guiones y soporíferos guiones, en este caso el tema pretende abordarse en tono de comedia, de hecho Galifianakis anda por el medio. El principal mérito de esta película es que consigue lo que se propone, realizar una reflexión de corte existencial con un aire de comedia. Cierto es que pesa mucho más el tono existencial que el de comedia y que hasta el propio actor de apellido griego está comedido, y eso a pesar de interpretar a un enfermo mental.

Colocar asuntos profundos en un contexto de poca seriedad o de poco rigor intelectual como puede ser el ala psiquiátrica de un hospìtal es una idea brillante y un buen arranque. Pero, personalmente, echo en falta un punto más de comedia, creo que lo existencial ha ganado demasiada presencia en el resultado final.

En todo caso, esa preferencia personal no arruina en absoluto el producto porque estamos ante un guion inteligente con un puñado de enormes secundarios que arreglan un tanto el discreto trabajo de los principales. También es verdad que Gilchrist debe lidiar con un miura de importancia porque dar vida a un adolescente un tanto precoz y con problemas de depresión no es nada fácil.

Existen momentos de auténtico cine en una narración que a veces me parece desigual y que tiene un punto de poca orginalidad, existen diálogos y escenas que recuerdan a Woody Allen, otros que recuerdan a la estética de los últimos documentalistas, pero otros, es verdad que son verdaderamente originales. Esa desigualdad me estropeó un tanto el disfrute como espectador, pero no tanto para poder apreciar los buenos resultados de ciertas escenas. 

Como digo, lo crucial son los instantes en los que los buenos secundarios se cruzan y la comedia y lo existencial ofrecen una gran simbiosis. Escenas que merecen la pena además de una frase del guion que no me permitirá olvidar esta película tan fácilmente, vivir como si tuviera sentido.

Lo mejor: Los secundarios

Lo peor: Falta de originalidad de algunos elementos

Interesante.

Winter's bone

Título: Winter's bone
Año: 2.010/ 100'/ EE.UU.
Dirección: Debra Granik
Guion: Debra Granik, Anne Rosellini (Novela: Daniel Woodrell)
Música: Dickon Hinchliffe
Fotografía: Michael McDonough
Reparto: Jennifer Lawrence, John Hawkes, Lauren Sweetser, Kevin Breznahan, Isaiah Stone, Ashlee Thompson, Shelley Waggener, Garret Dillahunt.

Decir que esta película me parece optimista, podría parecer un chiste, pero intentaré explicarlo. Y para poder hacerlo mejor referirse a dos películas que me hicieron recordar a la de Debra Granik, no tanto por la estética, aunque existen nexos de unión, sino porque me parecen una especie de trilogía sobre la identidad del pueblo americano, cada una a su manera, y cada una desde un diferente óptica. Me refiero a la excepcional In the Valley of Ellah (En el valle de Elah, 2.007 Paul Haggis) y a la buena cinta Gone baby gone (Adiós pequeña, adiós, 2.007, Ben Affleck). De colocar a las tres en un ciclo que se titulara, una mirada sobre Estados Unidos, la de Haggis daría pie para comprender que no es oro todo lo que reluce y que por detrás de tanto falso mito, existen grandes tragedias y la visión de un país que debe recuperarse de los malos pasos que han dado sus dirigentes en los años más recientes. Es sabido que esos malos pasos han situado a ese país en el ojo del huracán sumiéndole tanto dentro como fuera en una especie de crisis de identidad que poco a poco parece irse resolviendo.

Las otras dos, la de Affleck y la que nos ocupa, me parecen dos intentos por establecer y dejar bien sentado que parte de la solución de esos graves problemas consiste en apelar a unos valores que ambos guiones parecen querer decirnos que son los verdaderos del pueblo de ese país. Me refiero a la comunidad.

De hecho es una de las cosas que más le asaltan a un europeo cuando entra en contacto con esa cultura, el valor de la comunidad está por encima de todo, una seña cultural que les permite afrontar las cargas de otra manera. Esto que puede sonar a todas luces positivo, no lo es tanto si uno es el excluido de esa comunidad, pero, en fin, existen esos lazos de comunidad que le permiten al individuo no sentirse tan solo y aislado como en otras culturas. En Gone baby gone, el protagonista se encarga de hacer vales el sentido de comunidad por encima de los egoísmos y buenas intenciones de un hombre solo, hacerlos valer a pesar de que se trate de una comunidad golpeada y marginal, aún así se mantienen determinados valores que son los que le dan su identidad.

En winter's bone, me atrevería a decir que se puede encontrar lo mismo. En un ambiente más marginal y más desestructurado, existen unas leyes de comunidad que están por encima del resto. Esas leyes no escritas sirven para castigar y para ayudar, sirven para medir lo que está bien y lo que está mal. Eso es lo que está en juego en esta negra, dura y pensada pelicula, las viejas normas de la comunidad se hacen respetar, para lo bueno y para lo malo. En el fondo, la cuna de Estados Unidos está forjada con esos valores de necesidad de identidad y de lealtad entre sus miembros que se les exigía a los mafiosos de los años 20 y que parecen enlazarse en el tiempo generación tras generación. No se puede dejar de hablar de la interpretación de Jennifer Lawrence, un descubrimiento, una actriz que habrá que seguir atentamente. Sabe darle a su personaje lo que necesita en cada escena, ser dura y no serlo en los momentos justos.

Su directora demuestra tener una mirada, lo más importante en el cine para un director.

Del guion es sobresaliente lo que no se dice más que lo que se dice, original.

Lo mejor: El guion, Jennifer Lawrence

Lo peor: No marca muy bien los tiempos ni los ritmos.

Más que Recomendable.