Título: Apolo 18
Año: 2.011/ 88'/ EE.UU.
Dirección: Gonzalo López-Gallego
Guion: Brian Miller, Cory Goodman
Fotografía: José David Montero
Reparto: Warren Christie, Lloyd Owen
Otra vuelta de tuerca a la fórmula que, a partir de The Blair Witch Project, Myrick, 99; ha dado tantos resultados en taquilla. Hace poco el éxito se materializó en la saga de Paranormal Activity, 2.007 Oren Peli, que amenaza con eternizarse alguna década más.
El problema de Apollo 18 no es lo que es sino lo que no es. Llevar el mismo esquela de Paranormal Activity y trasladarlo al interior de una nave de alunizaje no deja de ser una forma de contar lo mismo. Cambiar los fantasmas por mariscos tampoco ofrece mayor alternativa que la tediosa sensación de que estamos frente a más de lo mismo, contado de la misma manera, con los mismos trucos y soluciones.
No es necesario que la originalidad sea el principal ingrediente del cine, las historias sobre las que se hacen cine siguen unos patrones comunes desde el mudo, pero lo que no se debería permitir es que con el objetivo de explotar una veta que ha dado sus frutos, repitamos, paso por paso, lo mismo una y otra vez.
Por lo demás, este falso documental no ofrece nada más.
Guion: Alex Kurtzman, Roberto Orci, Damon Lindelof, Mark Fergus, Hawk Ostby (Cómic: Fred Van Lente, Andrew Foley)
Música: Harry Gregson-Williams
Fotografía: Matthew Libatique
Reparto: Daniel Craig, Harrison Ford, Olivia Wilde, Noah Ringer, Sam Rockwell, Paul Dano, Abigail Spencer, Keith Carradine, Ana de la Reguera, Clancy Brown, Walton Goggins.
Siguiendo con la plaga de películas que llevan a la pantalla adaptaciones de comics, Favreau continúa la misma línea ofreciéndonos esta adaptación del comic Cowboys & aliens.
Juzgando la película más allá de su versión en papel los resultados son muy pobres y se ha sacado nulo rendimiento a un reparto de mucha altura en el que sobresalen nombres ya muy grandes con otros que deberían empezar a serlo como Sam Rockwell de quien no podemos olvidar su trabajo en Moon de Duncan Jones, 2.009.
Ese reparto tan mal aprovechado no logra dar vida a una historia plana que no pueda sacar del coma profundo a una narración que desaprovecha su original planteamiento.
El guion no saca mayor ventaja porque le falta mucho para ofrecer desarrollo y algo que contar en una historia que parece querer sustentarse en el buen nombre de su reparto. Es una pena tirar por la borda los primeros diez minutos que prometen algo.
Lo mejor: Algunos secundarios como Sam Rockwell o Paul Dano
Título: Arthur Christmas (Arthur Christmas: Operación regalo)
Año: 2.011/ 100'/ Gran Bretaña
Dirección: Sarah Smith, Barry Cook
Guion: Peter Baynham, Sarah Smith
Música: Harry Gregson-Williams
Fotografía: Animación
Reparto: Animación
Dentro del panorama navideño para los más pequeños, llega esta producción de Aarmand, la misma que firma los buenos títulos de Wallace and Gromit. En esta caso nos proponen una relectura de un tema ya muy manido como es la existencia o no de Santa Claus y su parafernalia.
Es difícil conseguir otra vuelta de tuerca al asunto, y más aún si se pretende hacerlo con originalidad y buen gusto, y lo cierto es que esta película lo consigue.
Detrás de un buen guion con hallazgos a la hora de plantear la naturaleza de Nicolás y de lo que le rodea, nos encontramos con personajes especialmente atractivos que configuran algunas escenas muy dignas de mención.
Más interesantes para los mayores todos los secundarios con sus esquizofrenias y sus paranoias que los acercan a la vida real que el personaje principal más acorde con los personajes made in Disney.
Hay un tema muy interesante y que parece ser el objetivo principal a la hora de cumplir el papel de moraleja de la historia, se trata de la relación entre lo moderno y lo viejo, entre la teconología y su pretendido opuesto más romántico y de ritmo lento. Esa supuesta dicotomía cumple el papel de enganche con los más pequeños y deja los mejores momentos de la película.
Esta película trata a su público con la inteligencia que se merece ofreciendo un tipo de humor más fresco y mucho más actual que el de muchas de sus competidoras.
Sin llegar a los niveles de Wall.E, Stanton 2.008; Horton, Hayward, 2008 o la primera media hora de Up, Docter 2.009, sí que se sitúa en la senda de aquellas grandes películas.
Guion: Vincezo Natali, Antoinette Terry Bryant, Doug Taylor
Música: Cyrille Aufort
Fotografía: Tetsuo Nagata
Reparto: Adrien Brody, Sarah Polley, Brandon McGibbon, David Hewlett, Abigail Chu, Delphine Chanéac, Amanda Brugel, Stephanie Baird
Desde sus inicios he seguido con admiración a Vincenzo Natali, incluso en sus fiascos ha demostrado personalidad e interés a la hora de contar sus historias. Esas historias siempre tienen un interés más allá de lo que se cuenta, siempre está en juego algo muy importante más allá de lo que sucede en la pantalla. La naturaleza del universo, en Cube 97, la identidad, en Cypher 2002, o la ontología misma en Nothing 2003.
En este caso creo que estamos ante otro desliz de Natali en el que no deja de ser cierto que nos sitúan ante una mirada hacia otro tema trascendental como la relación entre el ser humano y la ciencia. Es cierto que casi es un pretexto para contar una historia que hasta podría haberla filmado el Almodóvar de los últimos tiempos con esos amores imposibles y retorcidos hasta más no poder, pero también lo es que al hilo de la narración, la moral y la ética están muy presentes en el desarrollo del guion.
De premisas interesantes, el guion va naufragando hasta conseguir hacer méritos para casi caer en lo peor en lo que puede caer una película de este tipo, la previsibilidad.
No es malo recrear viejos mitos ya muy manidos, no tiene nada de malo, lo que no es interesante es no decir nada nuevo sobre el mismo y eso es lo que se consigue con esta revisión psicoanalítica de Frankenstein. Por mucho que se adorne de explicaciones y porqués genetistas, no es menos cierto que de lo que se trata aquí es de la construcción de un nuevo ser.
Los añadidos, como digo, psicoanalíticos estropean el guion porque no acaba de profundizar en lo que realmente interesaba de los primeros minutos, en cambio, nos adentra en un triángulo amoroso estrambótico pero recorrido que nos lleva a la previsibilidad y al aburrimiento en la última media hora que sólo aguantamos para constatar que teníamos razón.
Las actuaciones tampoco me han parecido de lo mejor, Adrien Brody está correcto pero no sobresaliente y de Sarah Polley no podemos decir más que no ha dado con la tecla del personaje. No veo ni la fuerza ni la locura por ningún lado.
Es una pena porque la originalidad y las buenas intenciones se echan a perder muy fácilmente.
Título: Texas killing fields
Año: 2.011/ 98'/ EE.UU.
Dirección: Ami Canaan Mann
Guion: Don Ferrarone
Música: Dickon Hinchliffe
Fotografía: Stuart Dryburgh
Reparto: Sam Worthington, Jessica Chastain, Chloe Moretz, Jeffrey Dean Morgan, Stephen Graham, Jason Clarke, Annabeth Gish, Sheryl Lee, Leanne Cochran, Sean MIchael Cunningham, Donna DuPlantier, Deneen Tyler.
Thriller de género con buenos elementos que la hacen más que soportable. Un buen reparto con Jessica Chastain en un buen papel así como Jeffrey Dean Morgan, Sam worthington cumple y a tener en cuenta, también, la frescura de Chloe Moretz en un buen trabajo. Todos ellos arropados por unos secundarios de altura.
La cámara de Ami Canaan tiene estilo aunque no personalidad porque se le va yendo el acento a técnicas más propias del telefilm que del cine. Aún así dota a la historia de la fuerza necesaria y es mérito del guion que los personajes tengan personalidades palpables.
La tela comienza a deshilacharse porque nos apegamos demasiado a un género en el que, debido a la gran cantidad de ejemplos, aquello suena a repetido, a ya visto. No se hace del todo mal, pero no es la originalidad el fuerte de esta producción.
Hay una evidente falta de equilibrio entre la parte de investigación y la caracterización de los personajes, no se ha querido tomar parte decididamente por uno de los polos y eso pesa en la narración.
reparto: Justin Timberlake, Amanda Seyfried, Vincent Kartheiser, Cillian Murphy, Johnny Galecki, Olivia Wilde, Alex Pettyfer, Matt Bomer, Rachel Roberts, Elena Satine, Yaya DaCosta.
Interesante propuesta de salida que se ve abocada a la nada por dos motivos fundamentales, las actuaciones y falta de garra del guion.
Y es una auténtica pena porque la historia tiene mucho jugo, está bien planteada y podría tener mucha más intriga de la que tiene.
Pero lo peor no es la nula apuesta de un guion que no se aparta demasiado de los clichés impuestos por la industria y bendecidos por las audiencias, la nota más baja hay que ponérsela a una pareja protagonista que no acaba ni de enganchar ni de realizar un buen trabajo. Lo de Justin Timberlake es secular, destroza los papeles que le caen en suerte y ejecuta muchas escenas con la cara cambiada, no tiene ni el tono ni la fuerza que requieren papeles dramáticos ni de comedia, Cillian Murphy literalmente pasa por encima de él por empaque, destreza y garra. Casi hay que decir lo mismo de Amanda Seyfried que luce una actuación como la de Justin un tanto sosona.
Hay que reconocer que Niccol apuesta por originalidad en sus firmas y tanto en Gattaca, 97, como en The Lord of War, 2005, hay un sello particular, pero da la sensación de que hace demasiadas concesiones a la galería, como si no acabase de creerse que puede hacer algo más grande, mucho más grande. Algo que se atisba en In time pero que se queda en fuegos artificiales, pomposos, sonoros y que desaparecen enseguida. Una pena que se haya quedado en un Robin Hood melifluo y blandengue. La misma pomposidad existe en la banda sonora.
El trailer que adjunto cuenta la película entera.
Lo mejor: Los primeros cinco minutos, Cillian Murphy.
Reparto: Henry Cavill, Micky Rourke, Luke Evans, Kellan Lutz, Isabel Lucas, John Hurt, Freida Pinto, Robert Maillet, Stephen Dorff, Anne Day-Jones
Siguiendo con películas de escasa originalidad, si más abajo hablábamos de Catch.44 y de su estética, y mucho más, tarantiniana, en este caso habría que decir que la épica de Hollywood ha quedado marcada por la estética de los 300 de Snyder. Casi como una prolongación de aquella en fondo y forma, asístimos a más de lo mismo, sólo que peor hecho y con menos originalidad.
Por detrás del guion, además, no hay ni una idea del hombre en la antigüedad, ni de su relación con los dioses, ni mayor aliciente que un poco de testosterona, la voz de Micky Rourke y los ojos de Freida Pinto, más allá, poca cosa. Como mucho la idea de que la guerra es eterna y la sensación de que Zeus tiene severos problemas de coherencia interna.
Absolutamente prescindible con la excepción de un par de escenas épicas.
Reparto: Forest Whitaker, Bruce Willis, Malin Akerman, Nikki Reed, Deborah Ann Woll, Brad Dourif.
Película que pretende beber de los réditos de un tipo de cine que se puso de moda en los años noventa y que, de la mano de Tarantino, supuso que, durante unos años, Hollywood encontrara modos y maneras para revitalizar sus apuestas. Reservoir Dogs, 92, supuso un hito, una de esas raras películas que han escrito una página del cine muy importante.
Pretender hacer lo mismo diez años después no merece mayor respeto que el de intentar ser fiel a un estilo y recoger algo de la gloria que tuvieron los que se arriesgaron, más allá de eso, hasta produce sonrojo que la película comience de una manera tan similar a como lo hacía la de Tarantino, otra cosa es que aquel guion no es el Harvey ni Tim Roth o Steve Buscemi son, por supuesto, Nikki Reed o Ann Woll.
En todo caso hay algo por lo que merece la pena ver esta película y es la actuación de las tres primeras escenas en las que Forest Whitaker hace lo más interesante, un modelo de lo que es un gran actor. Lo único verdaderamente interesante, el resto no es más de lo que vimos a principio de los noventa pero peor hecho.
Título: Drive
Año: 2.011/ 100'/ EE.UU.
Dirección: Nicolas Winding Refn
Guion: Hossein Amini (Novela: James Sallis)
Música: Cliff Martínez
Fotografía: Newton Thomas Siegel
Reparto: Ryan Gosling, Carey Mulligan, Ron Perlman, Christina Hendricks, Bryan Cranston, Oscar Isaac, Albert Brooks, Tina Huang, Joe Pinque, Christian Cage, James Biberi.
Desde el primer momento, ya en las letras de crédito, se acierta lo que se va a ver. Nos posicionamos en plenos años setenta con esos rótulos y esa estética tan marcada, incluso en la ropa que viste un impersionante Ryan Gosling. Este actor comienza a ser un seguro de vida y los trabajos que le he visto hasta ahora son de altísima calidad, especialmente Blue Valentine, 2010 Cianfrance. Aquí nos vuelve a regalar un trabajo exquisito.
De todas las referencias a las que la película quiere rendir tributo, desde McQueen a todo el cine negro y de serie B de aquellos años, sin embargo, a medida que la película avanza no podemos quitarnos de la cabeza los parecidos con las películas de Eastwood de los setenta y principios de los ochenta. Un personaje que no se sabe de donde viene ni a dónde termina yendo. Se presume un pasado quizás tan delirante o interesante como el que se cuenta en la propia película pero sólo lo sugerimos. Su pasado le hace ser quien es y pretende hacer las cosas a su manera, cumplir con lo que sus principios le dictan, sean o no acordes con la ley.
En este caso pretende ayudar a una chica y alejarla del mundo en el que indirectamente ha caído. Gosling que convierte a su personaje en un reflejo y actualización del jinete pálido con algo de Harry Callahan, ejecuta a la perfección esa forma de entender la vida de los héroes de los setenta.
La película es estruendosamente fiel a esos principios consiguiendo no sólo una revitalización de aquellos mitos y formas sino una actualización con tanta fuerza como veracidad.
La utilización de la cámara lenta y de la iluminación juegan los papeles más novedosos técnicamente convirtiendo algunos encuadres en anuncios sofisticados que dan cuenta de un ambiente y del modo de ser de una ciudad y su gente. No hacen falta palabras, la economía de los diálogos se suple a base de una cámara como la que mueve Nicolas Winding que demuestra tanta soltura como sentido estético.
La historia recuerda a la cosmovisión que tenían del mundo aquellos héroes del cine negro, siempre mascando la tragedia sabiéndose solos, aislados. Atajando los sentimientos porque no es que no los tengan, saben que no los pueden exponer, a veces por algo que ha pasado pero que se masca y no se muestra.
Perfiles psicológicos quizás trasnochados, avanzamos hacia un mundo más empático, más sentimental, menos cerrado, pero eso no quita para que este homenaje esté hecho con un gran sentido estético y con un gran sentido de actualidad, además son los héroes con los que empezamos a amar el cine.
Una gran película en la que hay que estar tan atento a lo que se dice como a lo que no se dice.
Las psicodelias de la banda sonora nos ayudan a situarnos.
Título: Rare exports: A Christmas Tale (Rare exports: Un cuento gamberro de navidad)
Año: 2.010/ 80' /Finlandia
Dirección: Jalmari Helander
Guion: Jalmari Helander, Juuso Helander
Música: Juri Seppä
Fotografía: Mika Orasmaa
Reparto: Per Christian Ellefsen, Tommi Korpela, Jorma Tommila, Jonathan Hutchings, Peeter Jakobi, Ilmari Järvenpää, Onni Tommila, Rauno Juvonen
Después de los dos cortos previos, Rare exports se convierte en largometraje que estira la idea principal del asunto contando los porqués de los orígenes de transacciones comerciales tan peculiares.
Teniendo en cuenta que el público que debe ser el receptor de la película es el infantil, porque se trata de un cuento, es de agradecer que la parrilla cinematográfica dedicada a ese público se nutra de títulos, historias y estéticas que se salen de lo prefabricado. Ahora bien, lo gamberro de la historia no es para todos los estómagos infantiles debido, precisamente, a esa tendencia destructora y antimítica que hay en la misma.
Rare exports trata, como otros muchos cuentos, de la superación de un niño asustadizo y un tanto marginado ante las adversidades. Igual que el sastrecillo valiente, sus propias actitudes y aptitudes, junto con un poco de fortuna, harán que no sólo se imponga sobre sus alteregos sino que le granjeará la admiración de quienes antes lo menospreciaban.
En este caso, el antihéroe no es otro que un Santa Claus salido de la imaginación de supuestos libros de cabalísticas medievales que residen, todo hay que decirlo, en la helada y aislada casa de un cazador de renos. Hechas todas las concesiones posibles a la trama, y teniendo en cuenta que, en estos casos, la verosimilitud no es algo a lo que se deba mirar, Rare exports consigue una cierta originalidad a base de dinamitar los preceptos navideños para devolverlos, con una buena dosis de humor negro, envueltos y de rojo.
Gantz es un cómic creado por Hiroya Oku en el año 2.000 que ha tenido notable éxito. Debido a dicho éxito ha saltado a las pantallas cinematográficas con resultados dispares. En este caso llega la segunda de las entregas que resuelve los misterios y aclara los entuertos de la primera parte.
Una de las novedades del manga Gantz es que dedica bastantes páginas a las interrelaciones personales y psicológicas entre los diferentes personajes. Sin embargo en la adaptación cinematográfica de Gantz el tiempo que se le dedica al asunto es casi irrisorio, además, se ha centrado la atención en la acción teniendo como personaje principal al propio Gantz con lo que los personajes salen perdiendo en claridad y concreción.
No cabe duda de que la orginalidad de la trama de Gantz, a pesar de hundir sus raíces en historias previas, se traspasa a la película, otorgando a la historia el mismo punto de intriga acerca de los orígenes y causas de Gantz, no obstante por ahí se van acabando las bondades de la película en la que no queda espacio para una visión personal y enfocada del manga, asistimos con aburrimiento a una sucesión de mejores momentos del manga que, por otra parte, no están ni bien rodados ni bien interpretados.
Título: Fair Game (Caza a la espía)
Año: 2.010/ 106'/ Estados Unidos
Director: Doug Liman
Guion: Jez Butterworth, John-Henry Butterworth (Biografía: Valerie Plame)
Música: John Powell
Fotografía: Doug Liman
Reparto: Naomi Watts, Sean Penn, Sam Shepard, Ty Burrell, Bruce McGill, Michael Kelly, Brooke Smith, David Denman, Noah Emmerich
Cuarta película que logro ver de Doug Liman, director al que todavía tengo pendiente el perdón por Mr and Mrs Smith, 2.005 y Jumper 2.008. Con Fair game logro mirarle con mejores ojos porque, aunque no estamos ante una gran película, sí que hay cosas necesarias y suficientes para considerarla cine.
Cierto es que, para el espectador, la historia es tan sobrecogedora que difícilmente podemos abstraernos del hecho de que es una historia real. Y eso es el mérito de la producción, nos cuenta con buen oficio y mejores actores, un episodio que, de no ser verdad, sería grotesco y que siéndolo, dan ganas de llorar.
Llevar a un país como Estados Unidos y a unos cuantos aliados a una guerra tan poco racional como aquella, con la única justificación de que dicen que dicen que dijeron o vieron, mientras otros profesionales advertían del error, parece digno del peor sainete. Y lo que es peor es que nadie, hasta el momento, haya pagado por aquello. Las teorías de la conspiración son retorcidas y carentes de las más mínimas credibilidades, pero viendo esta historia habría que preguntarse si no son ciertas muchas de las cosas que se leen sobre los porqués de aquella intervención a ciegas.
Difícilmente podemos abstraernos de que la maquinaria política y burocrática del partido republicano en el poder trató de fagocitar a funcionarios que hacían su trabajo. Increíble.
Parece un sueño que lo que vemos pasar delante de nuestros ojos haya ocurrido ayer mismo y no en la Edad Media, pero, en fin, algunos de los dirigentes que salían en los medios de aquel entonces, parecían sacados del Medioevo.
En cuanto a cine se refiere, la intención política de la cinta es incuestionable al pretender dar a conocer al público general semejante historia. Y la verdad es que se tiene por cliché la poca autocrítica del pueblo americano para consigo mismo o su historia y tiene valentía, todo hay que decirlo, el poner sobre la mesa del americano medio los errores de su momento más reciente.
Naomi Watts es una actriz sólida que va creciendo con el tiempo, en cada película se le ve más serena, más madura, más alejada de sus primeros titubeos de actriz con pose ingenua.
Sean Penn vuelve a ofrecer una interpretación convincente y poderosa.
La narración es ágil y marca bien los tiempos ateniéndose a las fórmulas clásicas por lo que no marca tendencias ni se trata de vanguardia pero cumple su oficio.
