Amour (Amor)

Titulo: Amour (Amor)

Año: 2.012/ 127'/ Austria

Dirección: Michael Haneke

Guion: Michael Haneke

Música: Franz Schubert, Beethoven, Bach

Fotografía: Darius Khondji

Reparto: Jean-Louis Trintignant, Emmanuelle Riva, Isabelle Huppert, William Shimell, Ramón Aguirre, Rita Blanco, Alexandre Tharaud, Laurent Capelluto, Carole Franck, Dinara Droukarova

Impresionante película que supone un giro del cine de Haneke hacia un intimismo menos rimbonbante. Cada escena derrocha sutileza e inteligencia. Se puede decir que es una de las reflexiones sobre el amor más conmovedoras que he visto en el cine, porque es más radical, más sincera y más tierna. Porque se escapa de la falsedad de la misma forma que se acerca al abismo de lo que significa el verdadero amor, justo en el momento en el que más a prueba se pone la palabra, demostrando, también, que en el momento que nos toca vivir, son necesarios debates más profundos y urgentes en torno a lo que es la dignidad del ser humano. Va siendo hora de que las religiones hablen exclusivamente en los foros de quienes se las crean y que las leyes y las morales, sean rabiosamente laicas, sólo de esa manera el ser humano recuperará la absoluta dignidad que se le supone, incluso en la propia muerte, no sólo en la vida.

Haneke arriesga y sale vencedor porque su cámara y su sensibilidad han tejido una película redonda, sin fisuras, intemporal. Una obra de teatro en cuatro actos magníficamente interpretada por un dúo de protagonistas excelso, y eso sigue diciendo mucho de Haneke.

Es difícil encontrar un pero a esta película, no se puede más que aplaudir porque es muy difícil encontrar hoy en día algo parecido, no digo a la misma altura, dentro del cine occidental. 

En esa obra de teatro que Haneke nos ha regalado, la música, los libros y las paredes del apartamento que sobrellevan la obra hablan tanto o más que los personajes. Hablan de educación, de humanidad, de plenitud de una vida, de racionabilidad, de felicidad porque lo que está en la pantalla es una reflexión sobre lo que más nos aleja del estado animal que una vez fuimos, el amor y el profundo y verdadero amor tiene mucho que ver con esas palabras, o todo.

Merece atención especial, porque se puede perder entre tanto que ver y oír, el personaje de Isabelle Huppert, una auténtica declaración de intenciones sobre lo que Haneke quiere contar, sobre el compromiso.

Una bellísima película sin un sólo toque que la arruine.

Lo mejor: Haneke y los protagonistas
Lo peor:
Imprescindible

House at the end of the street

Título: House at the end of the street

Año: 2.012/ 101'/ Gran Bretaña

Dirección: Mark Tonderai

Guion: David Loucka, Jonathan Mostow

Música: Theo Green

Fotografía: Miroslaw Baszack

Reparto: Jennifer Lawrence, Elisabeth Sue, Max Thieriot, Nolan Gerard Funk, Gill Bellows, Krista Bridges, Allie MacDonald, James Thomas, Jon McLaren, Joy Tanner

Nefasta película, un paso atrás considerable en la carrera de una actriz prometedora que ofreció cosas interesantes, sobre todo en Winter's Bone. Pero semejante estropicio de película es un claro borrón en su carrera. No es justificable engrosar la carrera de un actor o actriz con estas cosas simplemente por acumular protagonismos. Muy mal olfato han tenido quienes aconsejen a esta actriz. Elizabeth Sue ya va dando tumbos hace tiempo, y no es de extrañar que se preste a esto, ya no tiene carrera que enderezar.

La dirección y el guion son tan pobres que es difícil hacer una crítica de esta producción.

Es tan previsible, se usan tan rematadamente mal los elementos típicos de una película de esta categoría de películas que no hay mucho salvable, prácticamente nada.

Continuamos por un reparto flojo, con una errática Jennifer Lawrence que salvo físico poco aporta. De ahí todo es cuesta abajo, hasta el último de los secundarios.

El guion es una pena, un conglomerado de idioteces sin sentido que debe explicarse a sí mismo para comprenderse, con una dirección tan estrambótica que es difícil considerar a este señor como cineasta. Lamentable

Lo mejor: Nada

Lo peor: El resto

No recomendable

Des hommes et des dieux (De dioses y hombres)

Título: Des hommbes et des dieux (De dioses y hombres)

Año: 2.010/ 120'/ Francia

Dirección: Xavier Beauvois

Guion: Xavier Beauvois

Música: Varios

Fotografía: Caroline Champetier

Reparto: Lambert Wilson, Michael Lonsdale, Olivier Rabourdin, Philippe Laudenbach, Jacques Herlin, Loïc Pichon, Xavier Maly, Jean-Mary Frin, Abdelhafid Metalsi, Sabrani Ouazani, Goran Kostic

Más interesante por lo que tiene de documental, des hommes et des dieux juega con elementos dramáticos para mantener el interés. Pero la anécdota está narrada con una quietud excesiva, tanto que a uno, si no conoce la historia previamente, le parece que está ante un falso documental. Y ahí se consiguen maneras, las más interesantes. Las relaciones entre los monjes y el pueblo al que sirven, las relaciones entre los monjes mismos, su rutina diaria, parece más interesantes que el previsible relato en torno a los religiosos. Es evidente que su historia es dramática, tremenda, es indudable que merecen un lugar en la memoria colectiva, al menos en la de los creyentes.

Otra cosa diferente, al margen de la historia de fe, es como la narración está contada. Comprendo que para aquellos que profesan la fe de los monjes, el acontecimiento es constitutivo de la esencia de lo que debe ser esa religión. Al margen de todas las desviaciones de la iglesia a la que pertenecen, observar la forma en la que estas personas asumieron su compromiso al margen de todas las recomendaciones en torno a preservar su vida, son dignas de elogio, su heroísmo es difícil de igualar.

Pero la narración no acaba de encontrar el tono para mezclar ambas historias, que parecen deshilvanadas, no hay una verdadera conexión entre el costumbrismo que posee la mayor parte de la cinta y los momentos en los que se narra la anécdota que da sentido a la película.

Parecen dos elementos cinematográficos diferentes, dos películas diferentes que tienen sus porqués diferentes.

La consistencia que gana el elemento cotidiano se ve sustentado en el buen hacer de un grupo de actores, especialmente, un inspiradísimo Michael Lonsdale.
Pero existe un cierto europeocentrismo en la cinta, o, al menos, la intención por acercarse al que piensa como yo. Frente a esa mirada, los héroes anónimos a quien nadie dedicará una película, son olvidados, marginados, porque su diferencia es demasiado insalvable ni para mercer la reflexión sobre ellos. Criticable pero comprensible, porque al fin y al cabo un muerto de aquí vale mucho más que un muerto de allí, y más dependiendo de qué cometido le lleve allí, claro.

Lo mejor: El reparto

Lo peor: Falta de estructuración del guion

Pasable

Rise of the guardians (El origen de los guardianes)

Título: El origen de los guardianes

Año: 2.012/ 97'/ EE.UU.

Dirección: Peter Ramsey

Guion: David Lindsay-Abaire

Música: Alexandre Desplat

Animación

Entre las películas infantiles que llegan a las pantallas en estas navidades, encontramos Rise of the Guardians, una película muy maniquea con tintes épicos en los que lo importante es la batalla entre fe y miedo, entre las luces y las sombras. 

Se aprovechan diferentes personajes de la parafernalia mitológica infantil para establecer una historia en la que las dos caras se ponen a prueba mutuamente. 

Algunos personajes están mejor hilvanados que otros, duele ver a Santa convertido en una especie de motorista con trineo. 

En todo caso, el mensaje es válido por el lado positivo, por el lado de que es necesario vencer al miedo. Y ahondar en el meollo del sueño americano, cualquier puede ser estrella por un día, o por toda una vida.

La forma de contar esa historia se hace mediante una guerra un tanto bélica de más para los más pequeños.

Lo mejor: El personaje de Jack Frost

Lo peor: El personaje de Santa Claus

Pasable

The bay

Titulo: The bay

Año: 2.012/ 84'/ EE.UU.

Dirección: Barry Levinson

Guion: Michael Wallach

Música: Marcelo Zarvos

Fotografía: Josh Nussbaum

Reparto: Kristen Connolly, Christopher Denham, Andy Stahl, Kether Donohue, Michael Beasley.

Pesado experimento que bebe del éxito que o hace mucho han tenido los falsos documentales. En este caso, a pesar de que el arranque merece los minutos, enseguida naufraga porque la anécdota no da para más, Kristen Connolly es mala actriz y el guion se estancó antes de la mitad.

Ya no entremos en las consecuencias o verosimilitudes científicas del asunto, no nos metamos por allí porque todavía tenemos muy fresco el creacionismo malsano de Prometheus. En este caso, sin llegar a aquellos límitas, hay un poco de exageración en todo el caso. Es una pena porque la intención es buena, como en el Happening de Shyamalan se quiere dejar constancia del distanciamiento entre el ser humano y el resto de la naturaleza, cómo el abuso que se ejerce sobre ella puede acabar pasándonos, voluntaria o involuntariamente factura. Pero los resultados en The Bay son de trazo grueso, pobres recursos para un guion que necesitó más trabajo, mucho más.

Los actores, con la excepción de Christopher Denham, necesitan también más trabajo y todavía retengo en la retina los torpes temblequeos de algunos de ellos en algunas escenas.

Lo demás, una supuesta mirada moderna que gira en torno a las posibilidades que tiene la información para circular hoy en día. Mirada que entra en la paranoia de tener que explicar por qué es posible mantener en silencio algo si la información es casi como el mar, no tiene fronteras. Los resultados y las soluciones, flojas y absurdas. Casi como la película.

Lo mejor: No es larga

Lo peor: Kirsten Connolly

No recomendable

The Hobbit: An unexpected journey. (El Hobbit: Un viaje inesperado)

Título: The Hobbit: An unexpectd journey (El Hobbit: Un viaje inesperado)

Año: 2.012/ 169'/ EE.UU.

Dirección: Peter Jackson

Guion: Fran Walsh, Philippa Boyens, Peter Jackson, Gullermo del Toro (Novela: Tolkien)

Música: Howard Shore

Fotografía: Andrew Lesnie

Reparto: Martin Freeman, Ian McKellen, Richard Armitage, James Nesbitt, Aidan Turner, Graham McTavish, Jed Brophy, Stephen Hunter, Ken Stott, John Callen, Adam Brown, Dean O'Gorman, William Kircher, Peter Hambleton, Mark Hadlow, Hugo Weaving, Andy Serkis, Sylvester McCoy, Cate Blanchett, Christopher Lee, Elijah Wood, Ian Holm, Barry Humphries, Jeffrey Thomas, Lee Pace, Conan Stevens, Bret McKenzie

No soy aficionado a la saga del Señor de los anillos. Eso supongo que condicionará la perspectiva del espectador. Sin embargo soy muy aficionado al cine épico. The Hobbit me ha gustado porque es cine épico bien filmado, bien estructurado y bien interpretado. Desconozco y no me interesan los vericuetos y los entresijos acerca de la relación entre la obra escrita y la cinematográfica. Me he acercado a verla porque me gusta el cine épico y había mucho de eso en el Señor de los anillos, así que era de esperar que en las aventuras del Hobbit hubiera más. No me he equivocado. 

He notado que los guionistas han hecho ímprobos esfuerzos por unir los elementos de la primera saga con los de la actual, entiendo que eso quita algo de frescura y encorseta la narración.

Pero la verdad es que me da igual, me lo he pasado muy bien porque, desde pequeño, me gusta la épica.

Lo mejor: La dirección

Lo peor: Excesivo metraje

Recomendable

Rachel, Rachel (Raquel, Raquel)

Título: Rachel, Rachel (Raquel, Raquel)

Año: 1.968/101'/ EE.UU.

Dirección: Paul Newman

Guion: Stewart Stern

Música: Jerome Moross, Erik Satie, Robert Schumann

Fotografía: Gayne Rescher

Reparto: Joanne Woodward, James Olson, Kate Harrington, Estelle Parsons, Donald Moffat, Terry Kiser

Un buen drama, por momentos muy bueno en el que llaman la atención algunas cosas.

La primera, por supuesto, la gran actuación de Joanne Woodward, mujer del director, que lleva todo el peso de la producción. Gran parte del mérito de la misma reside sobre la espalda de esta gran actriz.

En segundo lugar, una buena dirección de un actor cuyo trabajo sobresale en esta faceta más que en la primera, pero aquí es notorio de lo que era capaz. A pesar de algunos problemilla de dirección como un exceso de flash backs, sin embargo resulta muy estimulante su dirección.

A continuación hay que fijarse en la modernidad de esta película, imposible en muchos países a aquellas alturas, hablar o sugerir temas como los que aquí se traen. Porque además de lo que es evidente, el desafío ante el miedo a vivir por parte de una mujer que está entrando casi en el conjunto de las solteronas y que debe limpiar no sólo sus miedos sino el estigma de su propia madre, egoísta y posesiva. Hay momentos muy interesantes en esa relación madre hija. Lo mejor del guion para mi gusto. Existe una lenta y tensa transición en la que ambos personajes se dan la vuelta en sus relaciones de poder. Muy interesante, insisto.

Pero es que, además, la homosexualidad y el sexo extramatrimonial están aquí claramente presentes, sin ambages, sin ñoñerías y con buen gusto. Incluso el placer se convierte en otro tema colateral al principal, muy bien engarzados.

Con todos esos elementos, esta película es, a todas luces, una buena oportunidad para ver de cine de altura en un momento en el que el cine de Hollywood no había degenerado hacia otros menesteres.

Cinta sencilla, con buenas maneras, interesante y bien manejada.

Lo mejor: Joanne Woodward

Lo peor: La insistencia en el flash back

Buena

Trouble with the curve (Golpe de efecto)

Título: Trouble with the curve (Golpe de efecto)

Año: 2.012/ 111'/ EE.UU.

Dirección: Robert Lorenz

Guion: Randy Brown

Música: Marco Beltrami

Fotografía: Tom Stern

Reparto: Clint Eastwood, Amy Adams, Justin Timberlake, John Goodman, Matthew Lillard, Robert Patrick, Chelcie Ross, Bob Gunton, Scott Eastwood, Ricky Muse

Película perfectamente plana donde no existe la más mínima sorpresa. Allí por el minuto cinco, el espectador, casi cualquier espectador, puede apostar todo su dinero a que ya sabe cómo va a finalizar cada uno de los hilos abiertos, cómo va a evolucionar cada uno de los personajes y el número de escenas que destrozará Justin Timberlake.

Lo de este chico o señor o lo que sea, es dramático, sólo es posible comprender su inclusión en el mundo del cine porque se lo haya ganado a base de dinero sobornando a directores y productores con lo que ha amasado con los gorgoritos. Su aire pseudonatural es más engolado que otra cosa, no tiene registro, ni gracia. No es buen actor.

Amy Adams, en cambio, demuestra cosas, demuestra, al menos, cieta versatilidad con la que su carrera va engarzando eslabones. Todavía por decidir en qué tipo de actriz se va a convertir, pero tiene madera.

De Eastwood nos quedan un par de gestos y un par de gruñidos, mala película para un director que ha dado tanto al cine, deberían elegirse sus apariciones de manera que se rindiera ya un homenaje en vida a su figura. No esto.

Porque Trouble with the curve es un pesadísimo telefilm con fórmulas tan estereotipadas que nos lo podemos ahorrar. De arriba abajo y de principio a fin. También es verdad que no entiendo nada de baseball, gracias al cielo.

Lo mejor: Amy Adams

Lo peor: El guion y el director

No recomendable

Shuffle

Título: Shuffle

Año: 2.011/ 82'/ EE.UU.

Dirección: Kurt Kuenne

Guion: Kurt Kuenne

Música: Kurt Kuenne

Fotografía: Kurt Kuenne

Reparto: T. J. Thyne, Paula Rhodes, Chris Stone, Meeghan Holaway, Dylan Sprayberry, Elle Labadie, Michelle Krusiec, Patricia Belcher, Tamara Taylor, Ashley Ann-Michaels

Shuffle tiene cosas interesantes y otras menos. Mientras no se desenreda el asunto, la narración resulta interesante, a pesar de que hay grandes películas que han utilizado el mismo artilugio instrumental, sin embargo Shuffle, pensando también en su bajo presupuesto, los utiliza más que dignamente.

La identidad del sujeto a través del tiempo es arrinconado debido a la utilización de un recurso que aparece como punto de giro que es perfectamente asumible, y nos metemos en la búsqueda a través del tiempo de ese elemento que aparece como la clave de tanto ir y venir. Y encontramos los mejores momentos, aquellos en los que el protagonsita se mete a detective. Al estilo de Memento (Nolan, 2.000), tiene una misión, un algo que desentrañar en medio de ese caos incoherente. 

Los problemas vienen cuando la cosa se pone almibarada, cuando de la búsqueda no parece salir más que un manual de autoayuda, de esos que las librerías suelen catalogar como filosofía a pesar de que todo parecido es pura anécdota, por lo menos para quienes han leído unas líneas de filosofía.

Y ese manual de autoayuda, cargado con el consabido lema de que el amor lo puede todo, resulta, cuanto menos cursi. Y así arruinamos las buenas cosas de los treinta minutos centrales, aquellos en los que el personaje había decidio conocerse, aquellos en los que las relaciones entre los mismos se construían de modo arquitectónico delante de la vista. Pero todo eso se viene abajo como un castillo de naipes a base de cursilería y un manual comprimido de autoayuda con el final correspondiente. Ni siquiera la conmiseración por el bajo presupuesto salva ese grave defecto.

Lo mejor: La primera media hora.

Lo peor: Los últimos quince minutos.

Pasable

The Bourne legacy (El legado de Bourne)

Título: The Bourne legacy (El legado de Bourne)

Año: 2.0112/ 135'/ EE.UU.

Dirección: Tony Gilroy

Guion: Tony Gilroy, Dan Gilroy

Música: James Newton Howard

Fotografía: Robert Elswit

Reparto: Jeremy Renner, Rachel Weisz, Edward Norton, Joan Allen, Albert Finney, Oscar Isaac, Scott Glenn, Stacy Keach, David Strathairn, Corey Stoll, Donna Murphy, Paddy Considine

Se parte la línea de las anteriores entregas, pero es lógico, algún giro había que darle al asunto. El problema es que se pierde guion y se ganan mamporros y carreras. En ese sentido estamos cerca de una película de 007, a pesar de que el ritmo y la acción están muy bien llevadas. Pero, ineludiblemente, se pierde guion e interés.
A cambio el ritmo asume el papel estelar, con un buen Jeremy Renner y algunas escenas verdaderamente dignas de la mejor película de acción.
El problema es que hay actores que no están a la altura y los nexos de unión con las anteriores entregas quedan deslucidos. Muy deslucidos.
Pero tampoco podemos engañarnos, como película de acción es buena, hay un par de escenas muy interesantes.

Lo mejor: Jeremy Renner
Lo peor: Rachel Weisz
Interesante

Beasts of the southern wild (Bestias del sur salvaje)

Título: Beasts of the southern wild (Bestias del sur salvaje)

Año: 2.012/ 91'/ EE.UU.

Dirección: Benh Zeitlin 

Guion: Benh Zeitilin, Lucy Alibar

Música: Dan Romer, Benh Zeitlin

Fotografía: Ben Richardson

Reparto: Quvenzhané Wallis, Dwight Henry, Levy Easterly, Lowell Landes, Pamela Harper, Gina Montana,  Nicholas Clark, Jovan Hathaway

Es sorprendente lo bien que actúa la protagonista, existen escenas en las que el imán que provoca en la pantalla, literalmente produce un magnetismo irresistible. Otra cosa es un guion que utiliza el realismo mágico y otros elementos pero que da la sensación de que no sabe muy bien qué hacer con ellos, y si lo sabe, no ha conseguido transmitir.

Este canto a la libertad con reminiscencias de lo que ocurrió con las inundaciones de New Orleans de hace unos años, mantiene el tipo tanto en cuanto ha sabido encontrar un papel para que Quvenzhané Wallis se exprese a sí misma. Hay un desfase entre su edad y lo que dice, existe un desajuste entre sus frases y su edad, pero su cara dice todo lo que el guion no ha sabido transmitir.

Más allá del sugerente y obvio homenaje a la individualidad y a no seguir las reglas sociales más convencionales, la película no sabe seguir los sentimientos que tan bien conduce la banda sonora, activa y sugerente. 

Falta trabajo, falta mensaje, falta algo más que buenas intenciones y una gran actriz.

En todo caso merece la pena el viaje porque se sale de lo convencional y está cerca de conseguir algunas de sus metas y, en todo caso, interesante para un debut.

Lo mejor: Quvenzhané Wallis

Lo peor: El guion

Interesante

End of watch (Sin tregua)

Título: End of watch (Sin tregua)
Año: 2.012/ 109'/ EE.UU.
Dirección: David Ayer
Guion: David Ayer
Música: David Sardy
Fotografía: Roman Vasyanov

Reparto: Jake Gyllenhaal, Michael Peña, Anna Kendrick, Frank Grillo, America Ferrera, Natalie Martínez, Cody Horn, David Harbour

El mejor activo de esta producción son sus actores. Jake Gyllenhaal es uno de los mejores actores que hay en el circuito y aquí da sobradas muestras de su buen hacer. De Michael Peña se pude decir algo parecido, un actor solvente y fiable que ha dejado unas cuantas actuaciones para la historia, aunque fueran en papeles secundarios.

Esta película cuenta el día a día de unos policías de Los Ángeles que se enfrentan a un grave problema al detectarse la presencia de un cártel de droga en la zona por la que patrullan. Hasta ahí no hay demasiado, una historia antigua con un planteamiento ciertamente poco novedoso. Sin embargo, además del obvio homenaje y de la acción, existe un sentido en lo que vemos. Y no sólo por una buena banda sonora y un reparto de altura liderado, como decía, por dos grandes actores. Existe un sentido que está en la cámara de David Ayer, su forma de rodar, sus planos, sus pausas y sus acelerones permiten comprobar que hay un director y un por qué a lo que estamos viendo.
Hay unos personajes que son retratados a pinceladas hasta que parecen de carne y hueso, existe un sentido para esa ciudad que se ve a lo lejos y a esos suburbios que ejercen de primer plano, de sustancia, para esta historia, previsible, simple, lo que se quiera, pero hay momentos de cine de verdad en esa cámara y, como casi siempre, en las actuaciones de Gyllenhaal.
Más allá existe mucha simplificación y recursos algo burdos como el de las cámaras que van y vienen para dar un sentido de proximidad, un tanto repetitivo.

Lo mejor: Jake Gyllenhaal
Lo peor: No demasiado original
Interesante

Les neiges du Kilimandjaro (Las nieves del Kilimanjaro)

Título: Les neiges du Kilimandjaro (Las nieves del Kilimanjaro)

Año: 2.011/ 109'/ Francia

Director: Robert Guédiguian

Guion: Robert Guédiguian

Música: Pascal Mayer

Fotografía: Pierre Milon

Reparto: Ariane Ascaride, Jean-Pierre Darroussin, Gérard Meylan

Película plagada de buenas intenciones con un reparto interesante pero con notables problemas de guion. Sería de agradecer que el maniqueísmo de la cinta fuera menos exagerado. Hace poco que hablábamos de la película de Dexter Fletcher, Wild Bill, ambos guiones son perfectamente comparables porque juegan con la misma idea, el mismo eje común acerca de la catarsis de personajes que son confrontados con una situación límite. En la película británica, a pesar de no ser una película redonda, los personajes de los niños son tratados de una forma mucho más creíble. En la de Guédiguian parecen guiñapos a merced de la historia principal, la falta de acierto y la pereza a la hora de solucionar esos cabos, alejan mucho de las buenas intenciones que tiene el guionista. Aleja al espectador porque no es posible ni creíble que los hermanos del ladrón reaccionen de esa manera. Suena a trampa, suena a querer engañar al espectador para vender el producto.

Más allá de ese grave problema, el mensaje adolece de un maniqueísmo y de una simplicidad exacerbada. El bien y el mal son algo relativos, no existen en puridad, no existen como realidades separables que, por sí, tienen realidad ontológica. Los griegos ya supieron ver esto cuando afirmaban que el hombre es la medida de todas las cosas. El guion de Guédiguian parece optar por lo contrario, mantiene posturas demasiado extremas, demasiado poco matizadas. 

Por el camino, el guion, aparte de los mencionados niños, va dejando otros fiambres por el camino, como el ladrón malo del que nadie se acuerda y que, probablemente, pudiera tener una historia que merezca la misma o mayor consideración.

Lo que ha escrito Guédiguian es una cuento que tranquiliza conciencias, que nos hace creer que la realidad todavía es salvable, pero la realidad es muy tozuda. Tan tozuda que desenmascara la historia de Guédiguian como una gran mentira. Falsa, absurda y demasiado francesa.

Lo mejor: El reparto

Lo peor: El guion

No recomendable

What to Expect When You're Expecting (¿Qué esperar cuándo se está esperando?)

Título: What to Expect When You're Expecting (¿Qué esperar cuándo se está esperando?)

Año: 2.012/ 110'/ EE.UU.

Dirección: Kirk Jones

Guion: Shauna Cross, Heather Hach

Música: Mark Mothersbaugh

Fotografía: Xavier Pérez Grobet

Reparto: Cameron Diez, Matthew Morrison, Dennis Quaid, Elizabeth Banks, Anna Kendrik, Jennifer López, Rodrigo Santoro, Chris Rock, Brooklyn Decker

Hay películas en las que se hace necesario fijarse en los aciertos más que en los defectos, en otras es justo lo contrario. Depende del estado de ánimo, del nombre de quienes firman la película o de las pretensiones que en principio, generen.
En este caso, al haber caído en la sala para ver esta película por motivos diferentes a mi voluntad y al no esperar prácticamente nada bueno de la misma, bien se impone un pequeño recorrido por sus virtudes que haberlas hailas.
Para empezar uno se puede esperar que de una cinta proveniente de la industria de Hollywood y con la que está cayendo, la mitificación de la maternidad y de la paternidad fuera la clave de esta producción. Sin embargo merece la pena destacar que no es así. Parece haber un ejercicio de equilibrio entre las dos tendencias opuestas. Ni existe un visión casi religiosa del asunto ni todo del contrario. Casi cabría decir que el asunto es marginal porque de lo que se habla aquí es más bien del amor. De como el amor entre dos personas puede hacer que los problemas que resultan de tener hijos se minimicen.
Para ello se eligen varias parejas con ciertas relaciones entre ellas marginales que, por diferentes motivos y situaciones acceden a formar una familia. Algunas de las situaciones funcionan bien, incluso gracias a los propios actores, otras no, incluso por culpa de los actores, como el caso de una descolorida y artificial Jennifer López.
De los errores de la cinta lo que se puede decir es que la comedia vive un momento de vacas flacas y esta película ayuda al diagnóstico. Poca inteligencia a pesar de que se han visto cosas peores, muchos peores.
Incluso se puede disfrutar, por ejemplo, del clásico de Frankie goes to Hollywood con cierta gracia.

Lo mejor: Dennis Quaid
Lo peor: Jennifer López
Floja

Insomnia (Insomnio)

Título: Insomnia (Insomnio)
Año: 2.002/ 118'/ EE.UU.
Dirección: Christopher Nolan
Guion: Hillary Seitz
Música: David Julian
Fotografía: Wally Pfister

Reparto: Al Pacino, Robin Williams, Hilary Swank, Maura Tierney, Martin Donovan, Nicky Katt, Paul Dooley, Jonathan Jackson

Insomnia es una película que destila algunas de las cosas por las que es necesario seguir la carrera de Christopher Nolan. Desafortunadamente no se puede decir lo mismo de un guion en el que existen suficientes tópicos para ir perdiendo el interés en lo que va pasando. 

Al menos siempre se puede decir que el dúo formado por Robin Williams y Al Pacino son razón de más para continuar pegado a la pantalla. 

El tema del insomnio parece ser uno de los motivos principales del argumento, pero, mediada la película, las escenas y las referencias al mismo parecen más un pegote que otra cosa, o, lo que es peor, una pretensión de altas miras en la que el tiro ha salido por la culata.

De mejores mimbres son las relaciones entre el policía y el asesino, por lo menos hasta el momento en el que guionista se cansó y decidió cortar por la tremenda con esas escenas tan deshilachadas de muchos finales.

Sin embargo, la red que se va creando entre los dos personajes tiene mucho de salvable porque existe allí, al menos, la idea de que la diferencia entre blanco y negro es siempre cuestionable y lo que parece seguro, no lo es tanto desde otra perspectiva. La cámara de Nolan y la interpretación de ambos principales, hacen el resto.

Lo mejor: Al Pacino y Robin Williams

Lo peor: El guion

Pasable

The Dark Knight Rises (El caballero oscuro: La leyenda renace)

Título: The Dark Knight Rises (El caballero oscuro: La leyenda renace)

Año: 2.012/ 164'/ EE.UU.

Dirección: Christopher Nolan

Guion: Christopher Nolan y Jonathan Nolan

Música: Hans Zimmer

Fotografía: Wally Pfister

Reparto: Christian Bale, Tom Hardy, Anne Hathaway, Michael Caine, Gary Oldman, Jospeh Gordon-Levitt, Marion Cotillard, Morgan Freeman, Matthew Modine, Ben Mendelsohn, Josh Stewart, Juno Temple, Josh Pence, Nestor Carbonell, Brett Cullen, Tom Conti, Alon Aboutboul, Daniel Sunjata, Aidan Gillen, Cillian Murphy, Liam Neeson

Más floja que su predecesora, menos acabada, con más concesiones al público general. Menos perfilada, menos atrevida, menos arte al fin y al cabo. En esta entrega, la acción asume un papel definitivamente más importante que en la anterior. La caracterización de los personajes da aquí un claro paso atrás. Y lo da porque el frenesí irrumpe de una manera más clara, y creo que para llenar las taquillas.

El arranque es espectacular. Con un antihéroe que promete y con el héroe esperando que el ave Fénix se le aparezca. Pero, según van pasando los minutos, los personajes no acaban de engarzar, quizás es que en esta entrega hay demasiados, Catwoman, Robin..., todos buscan sus escenas y la película se las da a todos ellos a base de perder consistencia. 

Y a algunos de ellos les va rematadamente mal ganar protagonismo. La idea de la heroína malvada es tan socorrida como útil pero Marion Cotillard no tiene registros para estas lides, no es su lugar, ni mucho menos. Mejores resultados ofrece una Anne Hathaway camaleónica que ha sabido encontrar el punto justo en su personaje. Los problemas terribles del papel de la francesa convierten lo mejor de la película, el antihéroe interpretado por Tom Hardy, uno de los mejores malvados de la saga junto con el joker de Ledger, en una sombra de lo que era allá por los primeros minutos.

Los viajes a Oriente Medio, a la Fortaleza, tampoco le sientan bien a un guion que se ha olvidado de que el cine debe ser lo más importante. Nolan, esta vez, no hace magia.
Hans Zimmer, en cambio, sí que la hace.

Lo mejor: Anne Hathaway

Lo peor: Marion Cotillard

Pasable

Inception (Origen)

Título: Inception
Año: 2.010/ 148'/ EE.UU.
Dirección: Christopher Nolan
Guion: Christopher Nolan
Música: Hans Zimmer
Fotografía: Wally Pfister

Reparto: Leonardo DiCaprio, Ken Watanabe, Joseph Gordon-Levitt, Marion Cotillard, Ellen Page, Tom Hardy, Cillian Murphy, Tom Berenger, Michael Caine, Dileep Rao, Lukas Haas, Pete Postlethwaite, Talulah Riley, Miranda Nolan

No puedo negar la debilidad que siento por los guiones de Christopher Nolan. En esta caso, la controvertida Inception es una película espectacular. 

Para empezar por algún sitio, es justo que en primer lugar se haga referencia a la cuidadísima y originalísima banda sonora, pero no se descubre nada nuevo porque es de Hans Zimmer. Un auténtico lujo por donde la película comienza a tejer un entramado sobresaliente.

Hay quien dice, Onfray, que Freud acertó en sus teorías del psicoanálisis pero que sólo son aplicables a él mismo. En las últimas décadas, desde diferentes frentes y a pesar de los irreductibles asistimos a una crítica al psicoanálisis en toda regla. Tiene mérito que Nolan, fiel a sus principios, vuelva a jugar con elementos que ya había sopesado en la gloriosa Memento. La naturaleza del individuo, la autodefinición y la conciencia de sí al estilo humeano, siguen siendo elementos muy presentes en Inception, aunque la bamboya tenga más peso, es Hollywood.

Pero a pesar de eso, se construye una película muy arriesgada en la que se plantea una pregunta dificilísima de resolver, tanto que muchos de los mejores genios que ha dado la civilización occidental se han puesto a ello y han fracasado. ¿Cuál es el origen y la naturaleza de las ideas? A golpe de thriller, Nolan es capaz de preguntarse algo tan radical y, a su manera, responder. Podemos estar de acuerdo o no con su respuestas o planteamientos, pero no deja de ser osado y arriesgado que nos replanteemos el origen de lo que somos y como decía Descartes de otro modo, somos nuestras ideas.

Y durante el metraje, nos lanzamos en pos de esa meta. Descubrir si las ideas tienen un origen y pueden ser germinadas, implantadas. Hay un núcleo central donde se encierra nuestro yo. Esta idea rabiosamente platónica, condiciona los planteamientos del guion de Nolan, condicionando la búsqueda de la respuesta por esos dos elementos, el platonismo que supone la creencia en una esencia verdadera del yo y la concesión al thriller que la banda sonora idolatra.

Por el camino tenemos tiempo para jugar con las relatividades de los tiempos y las físicas, para elegir de aquí y de allí y ofrecer un algo coherente con tanto elemento. Excesivo pero arriesgado, megalómano pero intenso.

E incluso, en medio de tanta explosión y tanto tiro, ofrecer una alternativa a Freud, que no es poco.

El reparto es colosal, empezando por uno de los mejores actores de todos los tiempos, Leonardo DiCaprio.

Lo mejor: El guion, Leonardo DiCaprio

Lo peor: Excesiva por momentos.

Muy recomendable

The Trotsky

Título: The Trotsky
Año: 2.009/ 120'/ Canadá
Dirección: Jacob Tierney
Guion: Jacob Tierney
Música: Malajube
Fotografía: Guy Defaux

Reparto: Jay Baruchel, Emily Hampshire, Geneviève Bujold, Colm Feore, Saul Rubinek, Michael Murphy, David Julian Hirsh, Liane Balaban, Taylor Baruchel

Buena película que sabe aprovechar sus virtudes, un divertido guion explotado por un buen reparto en el que Jay Baruchel realiza un gran trabajo.

Entre medias del tono de comedia hay tiempo para reflexiones de mayor enjundia. Los personajes, igual que sus mayores, deben lidiar con el desencanto y la apatía de quienes les rodean. Para conseguir sus objetivos deben luchar no sólo contra sus supuestos enemigos sino contra ellos mismos.

Todo el asunto adquiere los mejores momentos en los de comedia, apoyados por una pléyade de secundarios bien trazados, mejor que algunos de los protagonistas. Cuando el asunto requiere ponerse serio, sin embargo, el guion desaprovecha la oportunidad y naufraga en la eterna historia de amor y en la relación entre esos dos personajes.

Como comedia, muy prometedora, sin duda.

Lo mejor: Jay Baruchel

Lo peor: Emily Hampshire

Interesante

Hysteria

Título: Hysteria
Año: 2.011/ 100'/ Gran Bretaña
Dirección: Tanya Wexler
Guion: Stephen Dyer, Jonah Lisa Dyer
Fotografía: Sean Bobbitt

Reparto: Hugh Dancy, Maggie Gyllenhaal, Felicity Jones, Rupert Everett, Anna Chancellor, Gemma Jones, Jonathan Pryce.

Tanya Wexler acompañada de un irregular guion se han empeñado en no dejar lucir los méritos de este film. Es sabido que el tono de comedia es difíl de alcanzar, pero hace falta mucha indulgencia para pasar por alto los errores de bulto de la dirección.

Especialmente torpe a la hora de plasmar los sentimientos que invaden la narración. Torpe porque no se trata de dejar que el espectador rellene las lagunas del guion y de los personajes ni que la narración camine como si con arrancar dos sonrisas fuese suficiente. 

Los personajes no tienen matices, no son creíbles, no se les deja madurar porque la cámara ha preferido extenderse en el cliché, hasta el punto de que pierden su fuerza para casi caer en el absurdo.

Necesitaba esta historia de otra dirección, más acostumbrada a dejar que los personajes evolucionen de manera que sus acciones cobren sentido. Por el contrario Wexler no ofrece más que un sentimentalismo barato y pasado de moda que no alcanza a manejar los elementos de la película de forma digna.

Menos mal que existen algunos actores de peso como Gyllenhaal que, a pesar de lo mal construido que está su personaje, realiza un notable esfuerzo, así como Rupert Everett que es el único que ha entendido en lo que consiste la comedia.

Una pena porque la anécdota histórica en la que se inspira es interesante.

Lo mejor: Rupert Everett

Lo peor: Tanya Wexler

No recomendable

Killer Joe

Título: Killer Joe

Año: 2.011/ 103'/ EE.UU.

Dirección: William Friedkin

Guion: Tracy Letts

Música: C.C. Adcock

Fotografía: Caleb Deschanel

Reparto: Matthew McConaughey, Emile Hirsch, Thomas Haden Church, Gina Gershon, Juno Temple

¿Qué le habrá pasado a Matthew McConaughey para que de repente enderezara su carrera y comenzara a ofrecernos papeles tan solventes en películas tan contundentes?

La verdad es que da igual, lo importante es que se ha ganado a un gran actor para esto del cine. Parecía que The Lincoln Lawyer podría hacer sido un accidente pero Bernie y esta misma producción demuestran que no es pasajero.

Friedkin, al que siempre recordaremos por The Exorcist, regresa después del fiasco de Bug con una película dura y personal gracias a su cámara, al guion y al reparto. Un gran ejercicio de actores cuyo planteamiento de obra de teatro ayuda al lucimiento del casting. En el mismo, por debajo de McConaughey y de Hirsch hay que destacar a unos grandes secundarios.

La historia se enmarca en la tendencia iniciada con The Winter's Bone, Small Town Murder Songs y otras recientes cintas por contar historias duras y sórdidas que se regodean en la idea de mostrar el lado menos amable del Estados Unidos rural, interior. Aquel en el que el sueño americano parece quedar muy lejos y donde los atajos no son posibles.

Eso es lo que planea en Killer Joe, la sensación de que por mucho que uno intente escapar de la desgracia ella siempre se empeña en ponerse un plato principal en la mesa, nunca se aleja, no hay escapatoria.

Los personajes de Killer Joe, desgarrados, cínicos, desesperados, estúpidos o listos, intentan soñar, cada uno a su manera, con un futuro algo mejor. La realidad y la desgracia, el destino que dirán algunos, no les deja escapatoria porque ellos mismos lo escriben. Killer Joe es un tanto justiciera porque el que mal hace mal acaba, aunque sea de rebote.

La cámara de Friedkin, la banda sonora y McConaughey hacen el resto. 

Dura, contundente y sin piedad, excepto porque a veces no queda más que reírse.

Lo mejor: Matthew McConaughey

Lo peor:

Recomendable

Looper

Título: Looper

Año: 2.012 /118'/ EE.UU.

Dirección: Rian Johnson

Guion: Rian Johnson

Música: Nathan Johnson

Fotografía: Steve Yedlin

Reparto: Joseph Gordon-Levitt, Bruce Willis, Emily Blunt, Pierre Gagnon, Paul Dano, Piper Perabo, Jeff Daniels, Garret Dillahunt, Tracie Thoms.

Lo mejor que se puede y se debe decir de Looper es que tiene detrás un buen guion. Armado sólidamente, con un perfil de cine negro que encaja cada una de sus piezas en un momento de ingenio brillante y colosal. Un guion en el que todo cuadra perfectamente, algo realmente difícil de hacer porque el asunto se las trae, pero se consiguen verdaderos momentos de ingenio en este estupendo guion.

Un guion que, además, aprovecha lo mejor de algunas de las películas más taquilleras de las últimas década de Hollywood, de las más taquilleras y de las que han ofrecido, algunas de ellas, un nivel por encima de la media. Hay un algo de The Sixth Sense, pero también de Matrix, Dirty Harry, Die Hard y, por supuesto, Terminator. Pero Looper no plagia, Looper se recrea en algunos de esos aciertos para construir algo grande y algo nuevo, especialmente en una segunda parte de metraje prodigioso, tenso, especial, con ritmo.

Y a ese guion le dan vida actores en estado de gracia, el mejor papel que le recuerdo a Emily Blunt, un Paul Dano y un Jeff Daniels que hace tiempo que han entrado ambos en la categoría de grandes actores. Una pareja protagonista que está en su papel; un reparto más que interesante al fin y al cabo.

Looper es entretenimiento, pero que sabe atrapar, con brillantez e inteligencia, con ritmo y tensión. Es una historia sobre el amor, sobre la consabida idea de que el amor vence a todo, incluso al destino tal y como Looper muestra de manera harto original.

Lo mejor: El guion

Lo peor: Metraje un poco largo que se podría recortar

Recomendable

Branded

Título: Branded

Año: 2012/106'/ Rusia

Dirección: Jamie Bradshaw, Aleksandr Dulerayn

Guion: Jamie Bradshaw, Aleksandr Dulerayn

Música: Eduard Artemiev

Fotografía: Rogier Stoffers

Reparto: Ed Stoppard, Leelee Sobieski, Max von Sydow, Jeffrey Tambor, Ingeborga Dapkunaite, Mariya Ignatova, Andrey Kaykov

Extraña producción que parece un corto estirado hasta sus últimas consecuencias, aquellas en las que, casi a gritos, uno está pidiendo el final. 

Un flojo reparto en la que Leelee Sobieski no realiza ni de lejos su mejor trabajo y en el que el actor protagonista no da la talla en ningún momento.

Más allá de demonizar a las grandes empresas multinacionales no existe nada más en esta ocurrencia un tanto surrealista. No hay una verdadera reflexión en torno a la relación entre el hombre, al sociedad y dichas empresas, menos todavía encontramos una parodia sobre las mismas que vertebre algo de más calado.

En vez de todo esto, el guion deambula por una alucinante, confusa y cutre realidad paralela con poco gusto y nulo interés. Un fiasco importante del que sólo son salvables las buenas intenciones y lo que tendrá de auto homenaje que parece bastante. Lo único a lo que merece la pena adherirse es a la idea de que la publicidad, hoy en día, tiene mucho poder.

Lo mejor:

Lo peor: el reparto

No recomendable

The campaign (En campaña todo vale)

Título: En Campaign (En campaña todo vale)
Año: 2.012/ 85'/ EE.UU.
Dirección: Jay Roach
Guion: Chris Henchy, Shawn Harwell
Música: Theodore Shapiro
Fotografía: Jim Denault

Reparto: Will Ferrell, Zach Galifianakis, Jason Sudeikis, Sarah Baker, Dylan McDermott, Katherine LaNasa, Brian Cox, John Lithgow, Dan Aykroyd, Scott A. Martin, Thomas Middleditch, Josh Lawson, John Goodman

Vergonzosa y sonrojante película que pierde cualquier posibilidad de salvarse allá por el minuto tres. Es una pena porque las intenciones son buenas. Es necesario un tanto de crítica a la vida política y si nos ceñimos al circo norteamericano que gira alrededor de sus elecciones, más todavía. Crítica para darse cuenta de quién maneja los hilos de la política de aquel país, crítica para denunciar lo que hacen los lobbies. Crítica para denunciar la asimilación de la política con los partidos políticos. Crítica para denunciar a tanto personaje grotesco que se acerca a algo tan importante.

Si la crítica se hace desde la parodia, mejor que mejor, pero es que la parodia debe ser inteligente y aguda para ser tal, de lo contrario ni siquiera roza a aquello que pretende denunciar.

Y eso es lo que ocurre con esta película firmada por Jay Roach, no es parodia, ni crítica, es un lamentable pastiche de gags sin gracia alguna. A no ser que la gracia se pretenda encontrar en chistes lamentablemente adolescentes cuya esencia es unir palabrotas sin ton ni son, o, lo que también es lamentable, hacer un uso de la mujer denigrante y pueril.

La única tentación para acercarse a ver esto podría ser ver a Galifianakis, actor que ha demostrado golpes y momentos interesantes. Aquí se deja llevar y no consigue ni entretener ni hacer sonreir, excepto en las dos primeras escenas y en la única aprovechable que es la de la cena familiar.

Lo peor es un guion absurdo, carente de sentido, ridículo e impropio.

La película va decayendo hasta alcanzar un ridículo total. Sólo apta para análisis simples de domingo por la tarde. Allí cuando el cine deja de ser cine para ser una cosa de masas y palomitas y móviles.

Lo peor: El guion

Lo mejor:

No recomendable

The raven (El enigma del cuervo)

Título: The raven (El enigma del cuervo)
Año: 2.012/ 110'/ EE.UU.
Dirección: James McTeigue
Guion: Ben Livingston, Hannah Shakespeare
Música: Lucas Vidal
Fotografía: Danny Ruhlmann

Reparto: John Cusack, Alice Eve, Luke Evans, Brendan Gleeson, Kevin McNally, Pam Ferris, Oliver Jackson-Cohen, Dave Legeno, Brendan Coyle, Sergej Trifunovic, Sam Hazeldine, Ian Virgo, Ana Sofrenovic

Fabulación sobre los últimos días de Edgar Alan Poe, sigue siendo un misterio qué ocurrió antes de su muerte y por qué apareció en un banco y pronunciando un nombre una y otra vez vestido con unas ropas que no eran suyas.

A partir de ese episodio histórico se construye un guion que poco o nada tiene que ver con el personaje histórico y con la figura del escritor. Quienes hemos disfrutado de sus relatos entendemos que haya quien incluso se puede sentir ofendido por el tratamiento tan hollywoodiense que se hace del personaje histórico. John Cusack es una gran actor con una carrera plagada de luces y sombras, indudablemente este trabajo habrá que ponerlo en la segunda de las listas.

Pero, además de que los actores principales no ayudan al tono general de la película, es cierto que lo peor se reserva para el guion.

Una exageración sin pies ni cabeza que acaba con un giro tan estrambótico como inconexo. Un desastre de guion, llena de frases malas innobles como marco para algunos de los poemas de Poe que siguen electrizando.

Al menos existe algo interesante en la película, la dirección de un James McTeigue que recuerda algo de los buenos momentos de V for Vendetta; en todo caso insuficiente para levantar el tono general.

Lo mejor: La dirección

Lo peor: El guion

No recomendable

Brothers

Título: Brothers
Año: 2.009/105'/ EE.UU.
Dirección: Jim Sheridan
Guion: David Benioff 
Música: Thomas Newman
Fotografía: Frederick Elmes

Reparto: Jake Gyllenhaal, Natalie Portman, Tobey Maguire, Sam Sephard, Carey Mulligan, Mare Winningham, Clifton Collins Jr., Bailee Madison, Taylor Geare, Patrick Flueger, Jenny Wade

Intenso drama que encuentra su principal atractivo en un reparto que se crece y en algunos casos confirma las sensaciones. Jake Gyllenhaal es uno de los actores más en forma de la última década y sus actuaciones empiezan a contarse como el activo más importante de las películas en las que trabaja.

Pero el resto del reparto, a pesar de que no puede situarse a la par de Gyllenhaal, con la excepción de Sam Sephard, realiza un gran trabajo.

Gyllenhaal y Sephard dotan a sus personajes de una serie de gestos y silencios, de frases entrecortadas y elipsis que dan sentido no sólo a sus personajes sino a la narración. Con su esfuerzo, la película resulta más densa, dramática, más cine en resumidaas cuentas.

Despejando este tema que es el más interesante de la película, el drama tiene la suficiente fuerza para merecer la pena. El triángulo que se forma va más allá de lo anecdótico para ubicarse en las películas de caracterización psicológica. Existen algunos desajustes entres las dos partes de la pelicula que se salvan con los contrapuntos de las escenas que tienen lugar en Afganistán. Existe un exceso de demonización por parte del otro, pero es lógico y no resulta una sorpresa especialmente desagradable si entendemos al destinatario final del film.

Pero los momentos que hacen brillante el film surgen en la interioridad de la casa que sustenta el meollo de la cuestión, es allí donde hay que fijarse y donde la cámara de Sheridan encontró lo mejor.

Fundamentalmente porque sus actores supieron entender los personajes.

Lo mejor: Jake Gyllenhaal

Lo peor: Lugares comunes del guion

Recomendable

Safety not guaranteed

Título: Safety not guaranteed
Año: 2.011/ 85'/ EE.UU.
Dirección: Colin Trevorrow
Guion: Derek Connolly
Música: Ryan Miller
Fotografía: Benjamin Kasulke

Reparto: Aubrey Plaza, Mark Duplass, Jake Johnson, Karen Soni

Película muy bien tejida desde todos los puntos necesarios para lograr una historia interesante, narrada con primor e interpretada por un reparto solvente de nota alta.

La anécdota se convierte en algo que va mucho más allá porque a través de ella es capaz de reflexionar sobre temas más universales, más cercanos a un tipo de experiencia objetiva. Cada uno debe pelear para ocupar su lugar en esto de alcanzar algo parecido a la felicidad, cada uno debe realizar lo que está en su mano para aprovechar las oportunidades que la vida le rinde. Si eso se hace con un presupuesto bajo, pero con millones en ingenio, si cada una de las escenas se entreteje en la historia como un todo orgánico en el que los personajes parecen ir creciendo, cambiando, madurando delenta de nuestros ojos, el éxito es algo asegurado y necesario. Y esta película consigue el éxito porque derrocha inteligencia. En primer lugar por un guion inesperado, arriesgado, fantástico. 

En segundo lugar porque la forma en la que se cuenta la historia, la elección que se ha hecho de lo que se muestra para acercarnos a la historia está tan bien seleccionada que no hay nada que quitar ni nada que poner. De lo mejor que se puede decir de una película.

En tercer lugar porque su reparto ejecuta sus papeles con sentido e inteligencia. Empezando por una gran Aubrey Plaza que le da transición a su papel de una forma brillante. Es perfectamente creíble a pesar del poderoso cambio al que se enfrenta su personaje. Esta actriz que posee un pequeño papel en Damsels in distress, es un valor a seguir al que más pronto que tarde tendremos que ver en papeles más exigentes. 

Mark Duplass realiza un grandísimo trabajo en un papel muy complejo, sorprendente. Jake Johnson y Karen Soni tienen las líneas más surrealistas, los mejores diálogos y los contrapuntos irónicos, estupendos ambos.

En cuarto lugar, pero no por menos importante, la banda sonora es delicada y poderosa a la vez, encaja como anillo al dedo.

Desde luego el cine independiente norteamericano está ofreciendo un nivel muy alto en los dos o tres últimos años. Ojalá sigan por esta línea que honra el cine que viene de ese país.

Lo mejor: Aubrey Plaza

Lo peor:

Muy recomendable

Damsels in distress

Título: Damsels in distress

Año: 2.011/ 91'/ EE.UU.

Dirección: Whit Stillman

Guion: Whit Stillman

Música: Mark Suozo

Fotografía: Doug Emmett

Reparto: Greta Gerwig, Adam Brody, Analeigh Tipton, Megalyn Echikunwoke, Carrie MacLemore, Hugo Becker

Lo que he visto de Whit Stillman no ha sido de mi agrado, aunque hay que reconocerle que tiene un lenguaje y un estilo propios. En esta ocasión parece querer hacer una radiografía de un tipo de personaje que puebla las universidades norteamericanas. A aquellos que claman por la pérdida de valores entre la juventud, se les ofrece la posibilidad de poder observar el exceso del puritanismo entre la juventud norteamericana. Un puritanismo que prefiere la compañía de descerebrados que podrían acabar de presidentes de aquel gran país (no sería la primera vez) que la de cualquier izquierdoso que se denuncia a sí mismo por su propio olor corporal.

Como crítica social funciona, tiene buenos momentos, y una mordacidad que en algunas líneas es verdaderamente cruel.

El reparto es otro de los alicientes de esta interesante propuesta. Realmente las actrices dan continuación al interesante trabajo de guion con unas actuaciones muy consecuentes con lo que podría haber sido la juventud de una Laura Bush, pongamos por caso. 

Lo mejor: El reparto

Lo peor: Es una película un tanto desigual.

Interesante

Thale

Título: Thale
Año: 2.012/ 77'/ Noruega
Dirección: Aleksander L. Nordaas
Guion: Aleksander L. Nordaas
Música: Raymond Enoksen, Geirmund Simonsen
Fotografía: Aleksander L. Nordaas
Reparto: Morten Andresen, Erlend Nervold, Silje Reinamo

Anodina película que intenta dar vida a una leyenda escandinava. El guion no ofrece mayores alicientes que descubrir de qué estamos hablando exactamente porque la narración nos abandona, no bien comenzado el metraje, sin saber muy bien qué dirección tomará el asunto. Y lo cierto es que no ofrece mayores alternativas por mucho que el espectador intente saciar su curiosidad atendiendo el discurrir de la trama hasta el final. Más allá de dar vida a ese curioso mito no se entiende qué es lo que se quiere contar y lo peor es que no parece hacerse especialmente bien, que es lo peor para una película.

Lo mejor: No es larga

Lo peor: El guion

No recomendable

Frankenweenie

Título: Frankenweenie

Año: 2.012/ 87'/ EE.UU.

Dirección: Tim Burton

Guion: John August (Historia: Tim Burton, Leonard Ripps)

Música: Danny Elfman

Fotografía: Peter Sorg

Animación

Una sabia reelaboración del clásico mediante imágenes sugerentes y continuas referencias al cine de otra época. Técnicamente primorosa sabe jugar con el presente y el pasado y agradar tanto a los que buscan una historia que llevarse a la boca como a quienes prefieren el homenaje de los mejores que hubo en esto del cine.

Una constante en el cine de Burton es precisamente rendir tributo a quienes hicieron cine, a veces, mal cine, pero cine igualmente, justo en el momento en el que casi todo era una aventura porque no había referencias. Eso está muy presente en Frankenweenie, además de las referencias a todo lo que rodea el mito de Frankenstein, referencias en muchos casos divertidas y lúcidas.

Para acabar de cerrar el círculo en esta buena producción, la historia tiene, por otro lado, suficiente peso por sí misma para volar sola al margen de los homenajes. Una historia muy peterpanesca en el que el protagonista se resiste a considerar que las cosas son como son y lucha con todas sus fuerzas contra la entropía. El secreto de su éxito es el ingrediente personal de su fórmula magistral, el amor.

Lo mejor: El guion
Lo peor: 

Recomendable

38 témoins

Título: 38 Témoins

Año: 2.012/104'/ Francia

Dirección: Lucas Belvaux
Fotografía: Pierric Gantelmi d'Ille

Reparto: Yvan Attal, Sophie Quinton, Nicole Garcia, François Feroleto, Natacha Régnier

Película de dos caminos, en un caso interesante a base de una notable reflexión sobre la culpa, aunque quizás un tanto dramática e hiperbólica.

Del otro lado, bastante menos positiva, con una banda sonora chirriante y mal acabada, un verdadero destrozo; y un reparto melifluo, sin garra, ajeno a las necesidades del guion. Personajes que van por un lado completamente diferente del que deambulan los actores. Especialmente fuera de foco aparece una Sophie Quinton absurda e inapetente.

La reflexión pierde algo del sentido debido en parte a la responsabilidad del reparto, pero también, como apuntábamos por el exceso en el drama. No es una ninguna tontería sumir la parte de responsabilidad en la omisión de ayuda, pero también es verdad que parece excesiva la culpa que los propios implicados se autoinflingen.

Parecería más conseguida si es que existe algo previo a la culpa, una vida, un algo, más que esa especie de lento letargo del que parece desprenderse como necesidad vital esas pocas ganas por vivir.

Lo mejor: 

Lo peor: Sophie Quinton

No recomendable