Título: Oblivion
Año: 2.013/ 123'/ EE.UU.
Dirección: Joseph Kosinski
Guion: Joseph Kosinski, Michael Arndt, Karl Gajdusek
Música: Anthony González, M.8.3., Joseph Trapanese
Fotografía: Claudio Miranda
Reparto: Tom Cruise, Nikolaj Coster-Waldau, Morgan Freeman, Olga Kurylenko, Zoe Bell, Melissa Leo, Andrea Riseborough, Lindsay Clift, Jaylen Moore, Julie Hardin, Paul Gunawan, Jay Oliver, Jason Stanly
De los elementos más interesantes de Oblivion destaca la banda sonora. El reparto es un tanto inestable, como ciertos elementos químicos, lo que provoca que algunos actores se repelan en la pantalla, Olga Kurylenko, mala actriz, y Tom Cruise no parecen mezclar bien. Puede ser que la culpa sea de Cruise porque tampoco mezcla bien con una errática Riseborough.
El guion, pese a su evidente esfuerzo, suena mucho a unas cuantas cosas mejores. Desconozco si el cómic de Oblivion es anterior o posterior pero la historia recuerda y mucho a Moon, la espectacular segunda película de Duncan Jones. Supongo que será muy difícil tocar el tema de la ciencia ficción y apartarse de referencias y clásicos tan evidentes como Matrix, pero debe ser posible cuando esas mismas películas supieron abrir nuevos caminos no trillados.
De Oblivion no puede decirse lo mismo. A pesar de lo espectacular de la fotografía, de su banda sonora, de los efectos y los flashes. del dinero del reparto y de su campaña publicitaria, Oblivion no pasará a la historia.
Y me atrevo a decir que no lo hará porque a pesar de pisar los caminos del cine muy decentenemente, son caminos ya trillados. No hay demasiada originalidad ni en el fondo ni en la forma. En todo caso se gradece el esfuerzo y algunas buenas escenas como la del estadio de fútbol americano.
Título: Promised Land (Tierra prometida)
Año: 2.012/ 106'/ EE.UU.
Dirección: Gus Van Sant
Guion: Matt Damon, John Krasinski
Música: Danny Elfman
Fotografía: Linus Sandgren
Reparto: Matt Damon, John Krasinski, Lucas Black, Frances McDormand, Rosemarie DeWitt, Hal Holbrook, Titus Welliver, Tim Guinee, Scott NcNairy, Terry Kinney, Johnny Cicco, Rosemarie Howard, Sara Lindsey, Lennon Wynn, John W. Iwanonkiw, Lexi Cowan, Kristin Slaysman, Joe Coyle, Jennifer Obed, Carla Bianco
A pesar de que la trama se antoja un tanto previsible y de que estamos dentro de los esquemas usuales del cine hecho en Hollywood, las fortalezas de la película son las suficientes para que despierten el interés del espectador.
Un sólido e interesante guion que juega con elementos actuales para poner encima de la mesa una reflexión de hondo calado acerca del lugar que ocupan en nuestras vidas cosas importantes y cosas menos importantes.
Cierto es que, a pesar de ser seres humanos exactamente iguales, nuestras escalas difieren lo suficiente para que nos resulta interesante y curioso observar lo que opinan los demás de esas grandes preguntas en las que todos pensamos cuando lo hacemos con letras grandes.
Para los estadounidenses, supongo que por su historia y sus costumbres, la tierra es algo muy importante. Algo que se han ganado con sangre, la propia y la derramada, de manera que se entiende que en su imaginario ocupe un lugar central.
La lejanía que eso producir en otras latitudes se ve salvada gracias al elemento simbólico que la tierra parece ejercer en el film. No se trata de la tierra, se trata de lo que representa, y puestos asi, todos tenemos un algo como eso. Llámese como se llame.
El guion juega con esos mimbres, los de saber qué pasa cuándo nos enfretamos a un terremoto de considerables proporciones, uno que pone nuestra lista de valores en entredicho.
El idealismo del mismo se contrapone a los tiempos en los que vivimos pero el optimista entenderá que estas cosas no venden y que, por tanto, no salen en los medios de comunicación.
Además de todo lo que estamos comentando, la película cuenta con un reparto muy sólido en el que destaca Matt Damon, actor que va ganando con los años y a quien le pronosticamos un gran futuro. Este actor metido en este caso a guionista sorprende, junto a Krasinski con un papel bien medido, lleno de contrapuntos y matices. Muy interesante.
Título: Lore
Año: 2.012/ 109'/ Alemania
Dirección: Cate Shortland
Guion: Cate Shortland, Robin Mukherjee, (novela: Rachel Seiffert)
Música: Max Richter
Fotografía: Adam Arkapaw
Reparto: Saskia Rosendhal, Nele Trebs, André Frid, Mika Seidel, Kai- Peter Malina, Nick Holaschke, Ursina Lardi, Hans-Jochen Wagner, Sven Pippig, Philip Wiegratz, Katrin Pollitz
Estupenda película que encierra dentro de una trágica historia todo el drama que se vivió en la Segunda Guerra Mundial y la barbarie nazi.
La inteligencia desplegada por el reparto, el guion y la directora suman esfuerzos para sugerir lo innombrable y se consigue con momentos de gran cine apoyados en una cámara muy personal y una banda sonora inspirada.
Además todo ello se hace con muy buen gusto al no cebarse en lo que podría haber sido carnaza para otro tipo de público.
Precisamente lo que hace buena a esta película es lo que deja a la imaginación del espectador, la libertad para poner nosotros las palabras, los sentimientos, las acciones que son sugeridas pero no terminadas.
Contar una historia de este modo, con tal economía de medios, es difícil y pone, por méritos propios, a esta producción en el selecto grupo de las grandes películas que han optado al premio a la mejor película en habla no inglesa por parte de la academia de Hollywood.
A través de una cuidada historia acerca de la inocencia perdida y del paso a la edad adulta en un contexto brutal y despiadado, se realiza una esforzada narración de unos momentos históricos de vital importancia para comprender la historia actual de Europa.
Se juega hábilmente con los elementos cinematográficos para ejercer la sensación, como ya se apuntó de que hay mucho más de lo que se suscita, mucho más, y de forma exquisita. Una gran película.
Lo mejor: El guion, la dirección y Saskia Rosendhal
Reparto: Carlos Areces, Antonio de la Torre, Carolina Bang, Santiago Segura, Sancho Gracia, Manuel Tejada, Manuel Tallafé, Alejandro Tejería, Fernando Guillén Cuervo, Enrique Villén, Terele Pávez, José Manuel Cervino, Gracia Olayo, Luis Varela, Joaquín Climent, Juana Cordero, Raúl Arévalo, Fran Perea
No hay peor cosa que copiarse a uno mismo. Y si la copia se convierte en esperpento, peor aún. Balada triste recuerda a los inicios de Álex de la Iglesia, especialmente Acción mutante y El día de la bestia (1.993 y 95, respectivamente). Ambas son grandes películas porque fueron capaces, cada una a su manera, de socavar el orden establecido, por lo menos en parte, con una mezcla de brutez e ingenio que mucha falta hacía en el cine español. Incluso, en el caso de El día de la bestia, se llegaba a hacer algo realmente innovador en nuestro cine como desmitificar mitos tan arraigados en el imaginario colectivo de la sociedad. Y se hacía, como digo, de forma inteligente.
Balada triste pretende hacer algo por el estilo, aunque de forma más grandilocuente porque presume de repensar la historia más reciente de España. Incluso la famosa escena del anuncio de neón de la Castellana de El día de la Bestia tiene su contrapunto con la escena de la Cruz del Valle de los Caídos. Balada triste persigue aquellas dos películas como si el director y guionista quisiera recuperar el brillo de aquellas, pero no lo consigue en absoluto.
No lo consigue porque a partir de los dos o tres interesantes primeros minutos, el guion se pierde en sí mismo con una sucesión de escenas absurdas y sin sentido que van dando saltos hacia ninguna parte.
Algunos de los personajes que rodean al terceto principal son tan delirantes que parece que su devenir en la trama se ha trazado a cuchillo más que a bolígrafo, se me viene a la memoria la estupidez con la que el personaje del motorista fantasma acaba sus días.
Pero los personajes principales, débiles remedos, símbolos perdidos y pedantes del concepto de las dos Españas, tampoco obtienen mejores réditos por culpa de un guion alterado, visceral, oportunista y nada autocontenido. Y cuando digo nada autocontenido me refiero a que más allá de la idea no parece haber habido ni una pizca de reflexión sobre qué hacer con la misma, y si la ha habido, no se advierte.
Uno de los actores más interesantes del panorama nacional es Antonio de la Torre, sólo gracias a él y a un inspirado y entregado Carlos Areces, se puede, a duras penas, soportar tamaño sonrojo de película.
Carolina Bang no ofrece mucho más que el dominio de unas telas que no tienen nada que ver con el período histórico que nos ocupa pero eso tampoco parece preocuparle al guionista y director.
Tampoco parece importarle plagiarse a sí mismo tan mal, tan rematadamente mal que se convierte en un propia parodia, una muy mala parodia.
Ningún personaje merece tal nombre y se meten con calzador acontecimientos históricos para dar sentido a la premisa mayor. Es decir; como repienso la historia de España, debo utilizarla para justificarme, pero lo único obvio es que la utiliza para sus desvaríos, no para repensarla. Y todo ello perlado de una cámara espasmódica que añade mayor nerviosismo y confusión al resultado.
La memoria de dos grandes películas como los dos primeros largos de este director, no se merecían semejante tributo.
Título: Flukt (Flukt: En los tiempos de la peste)
Año: 2.012/ 83'/ Noruega
Dirección: Roar Utaug
Guion: Thomas Moldestad
Música: Magnus Beite
Fotografía: John Christian Rosenlund
Reparto: Ingrid Bolso Berdal, Hallvard Holmen, Bjorn Moen
Historia minimalista de acción ubicada en el siglo XIV. Su principal arma, aparte de un reparto convincente en el que sobresale Ingrid Bolso, es que no se aparta un milímetro de lo que persigue: contar una historia de ficción sin mayores pretensiones.
Y la narración funciona precisamente por eso, porque no hay más florituras. Una historia simple, filmada con oficio, con una evidente economía de medios y un buen ritmo.
A pesar de los problemas obvios de no tener mayores pretensiones, si se la juzga por lo que es, no cabe duda de que uno no se sentirá estafado como espectador.
Es necesario ver cine de todo tipo de latitudes para comprobar qué se está haciendo al margen de las industrias más poderosas, comprobar qué derroteros se van tomando, qué nuevas perspectivas se van abriendo, en este caso no es que la originalidad en la narración sea especial, pero sí que el minimalismo narrativo al que aludía al principio la diferencia por un cuerpo de muchas malas cintas tan alambicadas de parecida temática.
Título: Gangster Squad (Brigada de élite)
Año: 2.013/113'/ EE.UU.
Dirección: Ruben Fleischer
Guion: Will Beall (Libro: Paul Lieberman)
Música: Steve Jablonsky
Fotografía: Dion Beebe
Reparto: Josh Brolin, Ryan Gosling, Nick Nolte, Emma Stone, Sean Penn, Robert Patrick, Michael Peña, Giovanni Ribisi, Anthony Mackie, Mireille Enos
De los actores y actrices que han empezado a despuntar recientemente, en esta película se vuelven a juntar dos que son de los mejores; Ryan Gosling y Emma Stone que ya se dejaron ver en Crazy, Stupid, Love son dos actores fiables, versátiles y contrastados que, añadiendo a Jennifer Lawrence, son el grupo de actores jóvenes más interesantes.
En este remake de la gran película de Brian de Palma se acentúa el elemento épico de la historia mediante una grupo de escenas muy bien rodadas y una banda sonora que se podría trasladar al próximo Batman.
El asunto a veces funciona porque el ritmo está ahí como un elemento principal y porque la banda sonora también mejora el producto.
Lo mejor de la película es la recreación del ambiente de aquellos años, el vestuario, los coches, el formato de rodaje consiguen una ambientación realista, cuidada y muy bien situada.
Pero el problema es que no consigue despegarse de su original, pretende mantener el efectismo a base de buenos actores y algunos golpes audaces de cámara pero no mejora el original y no ofrece muchas cosas nuevas más allá de lo ya apuntado.
Pero es que p oder ver a Ryan Gossling y a Emma Stone empieza a ser motivo suficiente para ver una película aunque, como en este caso, el resto, guion incluido, no esté a la altura.
