Out of the Past (Retorno al Pasado)

Título: Out of the Past (Retorno al Pasado)
Año: 1.947/97'/ USA
Dirección: Jacques Tourneur
Guión: Daniel Mainwaring (Novela: Daniel Mainwaring AKA Geoffrey Homes)
Música: Roy Webb
Reparto: Robert Mitchum, Jane Greer, Kirk Douglas, Rhonda Fleming

La filmografía de Jacques Tourneur habla por sí sola, y por si no es suficiente, vale la pena ver esta contundente producción a la que pocos peros se le pueden encontrar. Por encima de todas sus virtudes, se trata de un guión excepcional, los personajes están vivos y tienen las características necesarias que los hacen vivos, creíbles, reconocibles. No se trata de las vagas generalidades a las que nos tienen acostumbrados los guionistas de medio pelo, en esta cinta, los personajes respiran, sienten y van creciendo en matices a medida que se va desarrollando la trama.
En segundo lugar hay que mencionar el excepcional reparto. Con dos menciones especiales y un pero. Las menciones especiales son para Jane Greer, fuera de serie y un Kirk Douglas que, en su papel de Whit Sterling, realiza un trabajo que se salta varias décadas de interpretación. Ambos superan en mucho a un hierático Robert Mitchum que parece estar fuera de foco en demasiadas escenas. Su actuación, sin embargo, sí que parece marcada por los clichés de la época. La de Kirk Douglas está en las antípodas, sorprendiendo por la modernidad de su interpretación.
En tercer lugar destaco los tiempos de la películas, la forma en la que la tensión se genera y va creciendo a cada toma es la impronta de un genial director.
Un gusto.
Lo mejor: El guión
Lo peor: Robert Mitchum
Imprescindible.

Wanted (Se Busca)

Título: Wanted (Se Busca)
Año: 2.008/110'/ USA
Dirección: Timur Bekmambetov
Guión: Michael Brandt, Chris Morgan, Derek Haas, Dean Georgaris (Cómic: J.G. Jones, Mark Millar)
Música: Danny Elfman
Reparto: James McAvoy, Angelina Jolie, Morgan Freeman, Terence Stamp

Bobalicona producción deudora del cómic del mismo nombre. Demasiado pegada a largos del mismo estilo, parece que no hayan visto Matrix (Hermanos Wachowski, 1.999) ni otras copias de mucha menor entidad como Jumper (Doug Lima /2.008). El intento por conseguir un buen reparto se queda a medias, si bien James McAvoy hace lo que puede con su personaje, Morgan Freeman hace de Morgan Freeman y Angelina Jolie más bien no hace nada.
El guión posee un mínimo interés en los primeros minutos pero se va diluyendo a medida que la historia se va complicando en la misma medida que los guionistas van perdiendo el norte.
Ni los ínfulas de película histórica, o de acción o de thriller pueden suponer un mínimo aliento para un largo al que le sobran muchos minutos y le falta un mucho de trabajo.
Pena de derroche de dinero y de esfuerzo, espero que no haya recaudado mucho en taquilla porque eso serían pésimas noticias para el cine.
Lo mejor: Nada
Lo peor: Angelina Jolie
Nada recomendable.

La Teta Asustada

Título: La Teta Asustada
Año: 2009/93'/ Perú
Dirección: Claudia Solla
Guión: Claudia Solla
Música: Selma Mutal
Reparto: Magaly Solier, Susi Sánchez, Efraín Solís, Marino Ballón

Interesante cinta peruana que luchará por el óscar a la mejor película en habla no inglesa. Tremendamente cruda, destaca su marcado simbolismo en el que juega un papel determinante el personaje principal, un buen trabajo de Magaly Solier. Parece la cinta de Solla una reflexión en torno a los pasos que sigue Perú hoy en día, especialmente la mirada se centra sobre costumbres y usos populares. La directora y guionista entiende que la población rural es la verdadera Perú pero sólo despertará en el momento en el que abandone, por uno u otro motivo, viejas creencias, como la que da título al largo, que la mantienen paralizada.
Y éste es el verdadero epicentro de la trama, la metamorfosis que sufre la protagonista, y que debe ser extensible a la sociedad peruana para conseguir un mañana mejor.
Desde ese punto de vista el crecimiento que sufre la protagonista a lo largo del recorrido es lo más interesante. En los pros también hay que destacar una buena banda sonora a cargo de Selma Mutal.
No se puede dejar pasar por alto los contras que tiene la producción. El exceso de simbolismo puede arruinar la comprensión de la misma quedándonos con la aparente futilidad de una historia que se cierra en sí misma y parece no dar más de sí. Por eso la cantidad de escenas costumbristas se pueden antojar una excusa más que un apoyo. El elemento simbólico debería no ser tan oscuro con la idea de ganar un tanto más de ritmo y frescura.
Algunos tópicos manidos sobre las relaciones entre estratos sociales que caracterizan a sociedades como la peruana tampoco ayudan a mantener los momentos de brillantez que se pueden ver en algunos momentos.
Lo mejor: Buena reflexión en torno al futuro de una sociedad encarnada en un individuo concreto
Lo peor: Exceso de simbolismo

Bastante recomendable.

The Hurt Locker (En Tierra Hostil)

Título: The Hurt Locker (En Tierra Hostil)
Año: 2.008/125'/ USA
Dirección Kathryn Bigelow
Guión: Mark Boal
Música: Marco Beltrami, Buck Sanders
Reparto: Jeremy Renner, Anthony Mackie, Brian Geraghty, Guy Pearce


Kathryn Bigelow tiene una interesante carrera aunque no encuentro ningún título que sobresalga en este oficio del cine. Quizás su película más redonda, para mí, sea Point Break (Le llaman Bodhi, 1.991). En esta ocasión vuelve a la carga con una película de acción.

Indudablemente debe ser difícil realizar una película de este tipo en Estados Unidos hoy en día. La guerra de Irak y el papel en ella de las fuerzas armadas de ese país es un tema candente que tiene dividido a aquella sociedad, tal y como se puede ver en el documental de Michael Moore, Slacker Uprising (2.008).
Se puede entender que uno no quiera entrar en el debate y no ser lo valiente que ha sido Paul Haggis en su impresionante alegato In the Valley of Elah (En el Valle de Elah/2.007) dando su punto de vista.
Bigelow y su guionista no quieren reflexiones morales sobre la guerra y sólo enseñan el día a día de un soldado y sus motivaciones para estar en medio de semejante fregado.
El largo, técnicamente, es bueno. Muy buen reparto, muy buen ritmo y muy buena dirección. También me sorprendió la cuidada banda sonora.
Otra cosa es lo que la película nos quiere decir, y en ese punto me parece una película tramposa, maniquea y, hasta cierto punto, muy criticable.
La pregunta es si existen soldados que quieran estar en una guerra porque no pueden vivir lejos de ella, si prefieran escapar de sus anodinas o problemáticas vidas de ese modo. Lo cierto es que a lo mejor existen, pero plantear el conflicto iraquí en esos términos es un tanto frívolo.
Estamos hablando de un ejército donde los jóvenes son obligados a pelear, no van de forma voluntaria, por lo menos, no todos. Por otro lado, el personaje central, que interpreta muy bien Renner, tiene tics de Harry el Sucio que frivolizan un asunto tan importante como la vida de las personas, tanto las de un bando como los de otro.
Incluso me parece criticable lo políticamente correcto del guión. No querer molestar a nadie es una cosa, otra muy distinta es presentar una realidad edulcorada para no resentir la taquilla.
Yo creo que contar lo que se cuenta y no de otra manera es una forma de narrar e interpretar la realidad. Creo que la realidad que aquí se presenta no debe ser muy cercana a lo que ocurre y ha ocurrido en esta guerra.
Creo que posicionarse o reflexionar, si se está a favor del envío de tropas o en contra, sería mucho más interesante que enseñarnos como se comportaría Harry el Sucio si fuera a Iraq como soldado. Lo último no tiene el más mínimo interés para mí. Ya los griegos decían que el arte, y el cine lo es, tiene una dimensión moral ineludible. Con eso no quiero decir qué es lo que es moral o no, quiero decir que el arte ayuda a construir la moral, sea la que sea que las personas quieran construir.
Lejos de las valoraciones de la historia, sí que es cierto que la película tiene aspectos positivos. Como le suele pasar a Bigelow, la acción es uno de sus fuertes. Probablemente, el compromiso y la reflexión no sean su fuerte.
Mucho me temo que este año la calidad de los óscares deje mucho que desear.
Lo mejor: el ritmo
Lo peor: La falta de mensaje del film
Poco recomendable

Låt den rätte komma in (Déjame Entrar)

Título: Låt den rätte komma in (Déjame Entrar)
Año: 2.008/ 114' / Suecia
Dirección: Tomas Alfredson
Guión: John Ajvide Lindqvist
Música: Johan Söderqvist
Reparto: Kare Hedebrant, Line Leandersson, Per Ragnar, Henrik Dahl

Las críticas que ha recibido este film han sido muy buenas y ha recopilado un buen ramillete de prestigiosos premios y no es para menos.
Este director ha conseguido contar una historia tremendamente interesante e impactante. El trailer es una trampa comercial porque se nos pone en la pista de algo que la película no es. O, al menos, sólo es como reclamo. No estamos ante una película de terror ni afín al género gore, ni mucho menos. Se trata de una elegante e intligente historia de amor.
Es verdad que existen escenas en las que la sangre es la protagonista y que se trata de una película con bicho, hasta ahí de acuerdo, pero habría que asemejar este guión a otros cientos o miles de los que han hecho grande la historia del cine contando una cosa tan sencilla como el enamoramiento entre dos personas. Lo que ocurre, aquí vienen los problemillas, es que una tiene un pequeño pero. En este caso no es que se deje pelos en el lavabo, el problemilla es algo más serio. Pero es la misma historia con la que hemos disfrutado con Frankenstein, Drácula, Benjamin Button (no la hemos disfrutado mucho, pero bueno) o Romeo. Todos estos galanes contaban con un pero, pero el amor, acabó triunfando.
Esa fórmula tan manida, pero tan efectiva, es la que hace que este film sea un gusto para el paladar. Sus formas narrativas son exquisitas; su fotografía y sus tiempos, los justos y necesarios.
Hay que hacer mención especial de una Lina Leandersson que está a una altura más que sobresaliente, igual que todos los secundarios; no se puede decir lo mismo del bueno de Kare/Oskar que pasea por la pantalla regalándole a su personaje algunos tics con los que pretende salvar el entuerto, pero no lo consigue. Literalmente el personaje de Lina lo apabulla hasta comérselo en cada escena. La fuerza del personaje también ayuda, no hay que olvidarlo.
Hay amores que matan, nunca mejor dicho. Una delicia.
Lo mejor: Lina Leandersson, el guión
Lo peor: Kare Hedebrant
Muy recomendable

Classic

Título: Classic
Año: 2.003/ 127'/ Corea del Sur
Dirección: Kwak Jae-young
Guión: Kwak Jae-young
Música: Yeong-wook Jo
Reparto: Ye-jin Son, In-seon Jo, Seung-woo Cho, Ki-woo Lee

Hace unos días que tuve la suerte de ver la película del mismo director Nae yeojachingureul sogae habnida (Windstruck/ 2.004) y hoy he podido ver la anterior del año 2.003. Es cierto que comparten muchas cosas pero la originalidad sigue siendo el principal arma de este director especializado en romances.
Sus rotaciones de cámara y algunas escenas que parecen vídeoclips de alguna balada pueden irritar a algunos pero son tan soberbios los aciertos que no deja de asombrar la mirada de sus guiones.
Especialmente acertado es su sentido del humor. Inunda algunas escenas y ya sólo por esos momentos, merece la pena, y mucho esta película.
La exposición que se hace de los sentimientos es lo suficiente moderna para no caer en clichés, el guión está tan bien trabajado que el exceso de metraje pasa desapercibido. Los actores realizan un trabajo tan sensacional que no existe un pero en ninguno de los personajes.
Un único pero y es que la historia que nos cuenta Jae-young discurre en un tiempo extenso y quizás sea una de las pegas. El discurso a través de la historia de Corea del Sur hace que algunas saltos temporales sean un tanto forzados.
Sin embargo, estos problemilla no deslucen un fondo original, tierno, bien contado, mejor dirigido y con un sentido del humor que es lo que más resalto del largo. Habrá que ver más.
Lo mejor: El sentido del humor del director
Lo peor: Los saltos temporales de la historia
Recomendable
Con el trailer podéis poner al día el coreano que lo tenéis apolillado

Aruitemo, Aruitemo (Caminando)

Título: Aruitemo, Aruitemo (Caminando)
Año: 2.008/108' /Japón
Dirección: Hirokazu Koreeda
Guión: Hirokazu Koreeda
Música: Gonchichi
Reparto: Abe Hiroshi, Natsukawa Yui, You, Takahashi Kazuya.

Todavía recuerdo con emoción Dare mo shiranai (Nadie Sabe, 2.004). En esta ocasión Koreeda vuelve a conseguir una película hermosa, dura y realista. Por momentos le parece a uno que está viendo alguna película de Ozu, incluso se le reconoce por un sentido del humor parecido.
Las relaciones familiares, en especial entre padres e hijos, son las que animan este cuidadísimo guión que avanza con cautela e inteligencia por ese difícil camino. El cuadro resultante es tal que cualquiera puede sentirse reflejado en aquella frase o en aquel gesto. Por encima de las convenciones de una determinada cultura, lo que hace más grande si cabe esta película es la universalización de los estereotipos que allí se diseñan. Pero sin alardes, sin héroes, sin ganadores ni perdedores es la vida la misma la que parece hablar por la boca de cada personaje.
Además de los pros del guión, no se puede dejar escapar el buen hacer de un reparto que parece hacer lo necesario para que los diálogos crezcan más.
Resultan penetrantes esos planos en los que la cámara, al igual que la mirada de una madre ya anciana, descansa en una esquina de una habitación, pero viéndolo todo, sintiéndolo todo. Existe una gran diferencia entre las huecas pretensiones y lo que Koreeda muestra aquí. Los silencios y las pausas son todo lo naturales que son entre personas que se conocen de toda una vida, que tienen tanto que decirse y tanto que callar.
Se trata de una de esas películas que parecen tan asequibles, tan fáciles y cercanas que tienen su trampa porque esto es lo verdaderamente difícil del cine, quizás es que esto es el cine.
Lo mejor: El guión
Lo peor: Nada es tan malo como para ser destacado aquí.
Muy recomendable

District 9

Título: District 9
Año: 2.009/111'/ Nueva Zelanda, Suráfrica
Dirección: Neill Blomkamp
Guión: Neill Blomkamp, Terri Tatchell
Música: Clinton Shorter
Reparto: Sharlto Copley, Jason Cope, David James, Vanessa Haywood

Interesante cinta que ha pasado por muchas vicisitudes antes de hacerse realidad. Los resultados son buenos aunque con matices. Trasladar una historia de racismo a Johannesburg no deja de ser una ironía que tiene su valor. Desde mi punto de vista es una pena que el largo haya optado más por la acción que por la reflexión porque con esos mimbres se podía haber hecho algo de más calado intelectual. Pero no se puede juzgar a una película por lo que no es, y lo que es Distrito 9 es una película ágil, brillante y entretenida. El juego con la estética documental es una idea que permite tener mayor comprensión del conjunto con mínimos elementos que no dispersan el ritmo ni la pretendida acción. El primero es una de las grandes virtudes del film, además de la potente originalidad de sus efectos especiales.
Continuando con el haber de la cinta, no se debe dejar de mencionar a Sharlto Copley que realiza un trabajo excepcional, tampoco debo olvidarme de una cuidada banda sonora de Clinton Shorter que pone a disposición del film un elemento más para el disfrute. Es normal que esta producción haya sido una sorpresa taquillera a través del boca a boca de los aficionados.
Además, si bien, como digo, no es el camino que elige el guión, sí que es verdad que se trata de una dura reflexión sobre la condición humana y de cómo podemos llegar a estropear las cosas, incluso las que no nos pertenecen.
Lo mejor: El ritmo, los efectos especiales, Sharlto Copley.
Lo peor: Exceso de vísceras en damasiadas escenas.
Recomendable

Up In the Air

Título: Up In the Air
Año: 2.009/109'/ USA
Dirección: Jason Reitman
Guión: Jason Reitman, Sheldon Turner (Novela: Walter Kirn)
Música: Rolfe Kent
Reparto: George Clooney, Vera Farmiga, Anna Kendrik, Jason Bateman

Esta comedia tiene más miga de lo que parece. El Jason Reitman de Juno y Thank You For Smoking (2.007 y 2.006) vuelve a la carga con otra comedia en la que lo más destacable son los diálogos de un guión aparentemente fresco. Y digo aparentemente porque otra cosa son los valores que allí se defienden. La familia es uno de los valores en los que descansa el ser estadounidense. Tanto que cualquier político que intente llegar a algo en ese país, sufrirá las consecuencias de cualquier deslealtad a ese valor. Sólo acordarnos de los recientes sucesos acaecidos con el famoso golfista Tiger Woods nos pone sobre la pista de cómo se las gastan por allí en lo tocante a estos asuntos. La película de Reitman supone otra vuelta de tuerca con este asunto. Un personaje (un correcto George Clooney en su papel de Ryan Bingham) decide llevar una vida exenta de cualquier compromiso, libre y feliz. El guión se encarga de destrozar a ese personaje empezando por presentárnoslo como un poco tonto ya que no tienen mayores intereses en su vida que seguir volando y acumular millas gratis con sus correspondientes tarjetas y regalías. Supongo que habrá personas que decidan no fundar familias y que podrán tener otros intereses que no sean tan...estúpidos, en fin. La trama consiste en ir demostrando su error, y de qué manera. Para ese objetivo, los papeles femeninos son tratados con una frivolidad alarmante porque, por un lado, tenemos a una pobre (mal Anna Kendrik, mejor Vera Farmiga) y desconsolada Natalie que no sabe qué hacer cuando su sueño familiar se rompe y, por otro lado, a una pérfida Alex Goran que juega a dos bandas de forma manipuladora y será la encargada de dar la estocada a las frivolidades de Ryan haciéndole probar su propia medicina.
Incluso resulta ligero que personas que pierden su trabajo, con lo que eso supone en Estados Unidos donde uno se queda hasta sin cobertura médica, digan a pecho descubierto que no pasa nada, tienen familia. Puede ser cierto que la familia es un valor importante y necesario, pero de ahí a creer que todas las maldades y desigualdades sociales van a ser solucionadas por dicha Institución no deja de ser un tanto irreflexivo. La familia, por motivos más que evidentes, también es un elemento muy cohesionado en África y, sin embargo, no es la solución de todos los problemas.
En la historia de algunos países de occidente hemos logrado comprender que no existen cosas lo suficientemente sagradas para no ser repensadas, hemos logrado evitar el adjetivo santo para una Institución como la familia y replantearla de mil y una maneras, en el imaginario colectivo estadounidense todavía no pueden.
Lo mejor: La electricidad de ciertos diálogos
Lo peor: Los valores que la película desprende. Anna Kendrick.
Pasable.

Nae yeojachingureul sogae habnida. (Windstruck)

Título: Nae yeojachingureul sogae habnida (Windstruck)
Año: 2.004/ 123' / Corea del Sur
Dirección: Kwak Jae-young
Guión: Kwak Jae-young
Música: Seung-yeong Choi
Reparto: Jeon Ji-Hyun, Jang Hyeok, Kim Su-Ro, Lee Ki-woo

Poderosa película que parece seguir la estela de otras producciones del mismo director, My Sassy Girl del 2.001 puede estar detrás de la historia que nos cuenta Windstruck.
La primera hora y media de largo es inteligente, original y fresca. Posee los ingredientes necesarios para seguir afianzando mi idea de que, hoy en día, los nuevos caminos del cine se escriben en Asia. A todo esto se le suma una cuidadísima banda sonora y una pareja de actores, ya utilizados en My Sassy Girl, que realizan un gran trabajo.
La narración de este romance está a gran altura, es una lástima que en la última hora eche un tanto a perder lo visto en el primer tramo regodeándose en mantener la tensión sobre un desenlace que no acaba de llegar. No obstante, hay que tener en cuenta que la expresión de los sentimientos en el cine asiático tiene una gran diferencia con la misma en los países occidentales. La contención sentimental que caracteriza los largos de nuestras latitudes contrasta con unos guiones que expresan de forma más clara, a veces hiperbólica, lo que los actores sienten. Considero que este guión se aleja un tanto del gusto occidental debido a esto mismo. Son infinidad las cintas asiáticas en las que choca ese sentimentalismo dulzón que resulta un tanto aparatoso para nuestros paladares más occidentalizados.
De todas formas, ese choque cultural que sufrirá el que se acerque a esta buena cinta no desdice para nada la tremenda originalidad del lenguaje cinematográfico que la misma encierra. Sus mejores escenas son aquellas en las que el tono cómico resalta sobre el dramático.
Lo mejor: La primera hora de película
Lo peor: Exceso de metraje
Recomendable.