Reparto: Ed Stoppard, Leelee Sobieski, Max von Sydow, Jeffrey Tambor, Ingeborga Dapkunaite, Mariya Ignatova, Andrey Kaykov
Extraña producción que parece un corto estirado hasta sus últimas consecuencias, aquellas en las que, casi a gritos, uno está pidiendo el final.
Un flojo reparto en la que Leelee Sobieski no realiza ni de lejos su mejor trabajo y en el que el actor protagonista no da la talla en ningún momento.
Más allá de demonizar a las grandes empresas multinacionales no existe nada más en esta ocurrencia un tanto surrealista. No hay una verdadera reflexión en torno a la relación entre el hombre, al sociedad y dichas empresas, menos todavía encontramos una parodia sobre las mismas que vertebre algo de más calado.
En vez de todo esto, el guion deambula por una alucinante, confusa y cutre realidad paralela con poco gusto y nulo interés. Un fiasco importante del que sólo son salvables las buenas intenciones y lo que tendrá de auto homenaje que parece bastante. Lo único a lo que merece la pena adherirse es a la idea de que la publicidad, hoy en día, tiene mucho poder.
Título: En Campaign (En campaña todo vale)
Año: 2.012/ 85'/ EE.UU.
Dirección: Jay Roach
Guion: Chris Henchy, Shawn Harwell
Música: Theodore Shapiro
Fotografía: Jim Denault
Reparto: Will Ferrell, Zach Galifianakis, Jason Sudeikis, Sarah Baker, Dylan McDermott, Katherine LaNasa, Brian Cox, John Lithgow, Dan Aykroyd, Scott A. Martin, Thomas Middleditch, Josh Lawson, John Goodman
Vergonzosa y sonrojante película que pierde cualquier posibilidad de salvarse allá por el minuto tres. Es una pena porque las intenciones son buenas. Es necesario un tanto de crítica a la vida política y si nos ceñimos al circo norteamericano que gira alrededor de sus elecciones, más todavía. Crítica para darse cuenta de quién maneja los hilos de la política de aquel país, crítica para denunciar lo que hacen los lobbies. Crítica para denunciar la asimilación de la política con los partidos políticos. Crítica para denunciar a tanto personaje grotesco que se acerca a algo tan importante.
Si la crítica se hace desde la parodia, mejor que mejor, pero es que la parodia debe ser inteligente y aguda para ser tal, de lo contrario ni siquiera roza a aquello que pretende denunciar.
Y eso es lo que ocurre con esta película firmada por Jay Roach, no es parodia, ni crítica, es un lamentable pastiche de gags sin gracia alguna. A no ser que la gracia se pretenda encontrar en chistes lamentablemente adolescentes cuya esencia es unir palabrotas sin ton ni son, o, lo que también es lamentable, hacer un uso de la mujer denigrante y pueril.
La única tentación para acercarse a ver esto podría ser ver a Galifianakis, actor que ha demostrado golpes y momentos interesantes. Aquí se deja llevar y no consigue ni entretener ni hacer sonreir, excepto en las dos primeras escenas y en la única aprovechable que es la de la cena familiar.
Lo peor es un guion absurdo, carente de sentido, ridículo e impropio.
La película va decayendo hasta alcanzar un ridículo total. Sólo apta para análisis simples de domingo por la tarde. Allí cuando el cine deja de ser cine para ser una cosa de masas y palomitas y móviles.
Título: The raven (El enigma del cuervo)
Año: 2.012/ 110'/ EE.UU.
Dirección: James McTeigue
Guion: Ben Livingston, Hannah Shakespeare
Música: Lucas Vidal
Fotografía: Danny Ruhlmann
Reparto: John Cusack, Alice Eve, Luke Evans, Brendan Gleeson, Kevin McNally, Pam Ferris, Oliver Jackson-Cohen, Dave Legeno, Brendan Coyle, Sergej Trifunovic, Sam Hazeldine, Ian Virgo, Ana Sofrenovic
Fabulación sobre los últimos días de Edgar Alan Poe, sigue siendo un misterio qué ocurrió antes de su muerte y por qué apareció en un banco y pronunciando un nombre una y otra vez vestido con unas ropas que no eran suyas.
A partir de ese episodio histórico se construye un guion que poco o nada tiene que ver con el personaje histórico y con la figura del escritor. Quienes hemos disfrutado de sus relatos entendemos que haya quien incluso se puede sentir ofendido por el tratamiento tan hollywoodiense que se hace del personaje histórico. John Cusack es una gran actor con una carrera plagada de luces y sombras, indudablemente este trabajo habrá que ponerlo en la segunda de las listas.
Pero, además de que los actores principales no ayudan al tono general de la película, es cierto que lo peor se reserva para el guion.
Una exageración sin pies ni cabeza que acaba con un giro tan estrambótico como inconexo. Un desastre de guion, llena de frases malas innobles como marco para algunos de los poemas de Poe que siguen electrizando.
Al menos existe algo interesante en la película, la dirección de un James McTeigue que recuerda algo de los buenos momentos de V for Vendetta; en todo caso insuficiente para levantar el tono general.
Título: Brothers
Año: 2.009/105'/ EE.UU.
Dirección: Jim Sheridan
Guion: David Benioff
Música: Thomas Newman
Fotografía: Frederick Elmes
Reparto: Jake Gyllenhaal, Natalie Portman, Tobey Maguire, Sam Sephard, Carey Mulligan, Mare Winningham, Clifton Collins Jr., Bailee Madison, Taylor Geare, Patrick Flueger, Jenny Wade
Intenso drama que encuentra su principal atractivo en un reparto que se crece y en algunos casos confirma las sensaciones. Jake Gyllenhaal es uno de los actores más en forma de la última década y sus actuaciones empiezan a contarse como el activo más importante de las películas en las que trabaja.
Pero el resto del reparto, a pesar de que no puede situarse a la par de Gyllenhaal, con la excepción de Sam Sephard, realiza un gran trabajo.
Gyllenhaal y Sephard dotan a sus personajes de una serie de gestos y silencios, de frases entrecortadas y elipsis que dan sentido no sólo a sus personajes sino a la narración. Con su esfuerzo, la película resulta más densa, dramática, más cine en resumidaas cuentas.
Despejando este tema que es el más interesante de la película, el drama tiene la suficiente fuerza para merecer la pena. El triángulo que se forma va más allá de lo anecdótico para ubicarse en las películas de caracterización psicológica. Existen algunos desajustes entres las dos partes de la pelicula que se salvan con los contrapuntos de las escenas que tienen lugar en Afganistán. Existe un exceso de demonización por parte del otro, pero es lógico y no resulta una sorpresa especialmente desagradable si entendemos al destinatario final del film.
Pero los momentos que hacen brillante el film surgen en la interioridad de la casa que sustenta el meollo de la cuestión, es allí donde hay que fijarse y donde la cámara de Sheridan encontró lo mejor.
Fundamentalmente porque sus actores supieron entender los personajes.
Título: Safety not guaranteed
Año: 2.011/ 85'/ EE.UU.
Dirección: Colin Trevorrow
Guion: Derek Connolly
Música: Ryan Miller
Fotografía: Benjamin Kasulke
Reparto: Aubrey Plaza, Mark Duplass, Jake Johnson, Karen Soni
Película muy bien tejida desde todos los puntos necesarios para lograr una historia interesante, narrada con primor e interpretada por un reparto solvente de nota alta.
La anécdota se convierte en algo que va mucho más allá porque a través de ella es capaz de reflexionar sobre temas más universales, más cercanos a un tipo de experiencia objetiva. Cada uno debe pelear para ocupar su lugar en esto de alcanzar algo parecido a la felicidad, cada uno debe realizar lo que está en su mano para aprovechar las oportunidades que la vida le rinde. Si eso se hace con un presupuesto bajo, pero con millones en ingenio, si cada una de las escenas se entreteje en la historia como un todo orgánico en el que los personajes parecen ir creciendo, cambiando, madurando delenta de nuestros ojos, el éxito es algo asegurado y necesario. Y esta película consigue el éxito porque derrocha inteligencia. En primer lugar por un guion inesperado, arriesgado, fantástico.
En segundo lugar porque la forma en la que se cuenta la historia, la elección que se ha hecho de lo que se muestra para acercarnos a la historia está tan bien seleccionada que no hay nada que quitar ni nada que poner. De lo mejor que se puede decir de una película.
En tercer lugar porque su reparto ejecuta sus papeles con sentido e inteligencia. Empezando por una gran Aubrey Plaza que le da transición a su papel de una forma brillante. Es perfectamente creíble a pesar del poderoso cambio al que se enfrenta su personaje. Esta actriz que posee un pequeño papel en Damsels in distress, es un valor a seguir al que más pronto que tarde tendremos que ver en papeles más exigentes.
Mark Duplass realiza un grandísimo trabajo en un papel muy complejo, sorprendente. Jake Johnson y Karen Soni tienen las líneas más surrealistas, los mejores diálogos y los contrapuntos irónicos, estupendos ambos.
En cuarto lugar, pero no por menos importante, la banda sonora es delicada y poderosa a la vez, encaja como anillo al dedo.
Desde luego el cine independiente norteamericano está ofreciendo un nivel muy alto en los dos o tres últimos años. Ojalá sigan por esta línea que honra el cine que viene de ese país.
Reparto: Greta Gerwig, Adam Brody, Analeigh Tipton, Megalyn Echikunwoke, Carrie MacLemore, Hugo Becker
Lo que he visto de Whit Stillman no ha sido de mi agrado, aunque hay que reconocerle que tiene un lenguaje y un estilo propios. En esta ocasión parece querer hacer una radiografía de un tipo de personaje que puebla las universidades norteamericanas. A aquellos que claman por la pérdida de valores entre la juventud, se les ofrece la posibilidad de poder observar el exceso del puritanismo entre la juventud norteamericana. Un puritanismo que prefiere la compañía de descerebrados que podrían acabar de presidentes de aquel gran país (no sería la primera vez) que la de cualquier izquierdoso que se denuncia a sí mismo por su propio olor corporal.
Como crítica social funciona, tiene buenos momentos, y una mordacidad que en algunas líneas es verdaderamente cruel.
El reparto es otro de los alicientes de esta interesante propuesta. Realmente las actrices dan continuación al interesante trabajo de guion con unas actuaciones muy consecuentes con lo que podría haber sido la juventud de una Laura Bush, pongamos por caso.
Título: Thale
Año: 2.012/ 77'/ Noruega
Dirección: Aleksander L. Nordaas
Guion: Aleksander L. Nordaas
Música: Raymond Enoksen, Geirmund Simonsen
Fotografía: Aleksander L. Nordaas
Reparto: Morten Andresen, Erlend Nervold, Silje Reinamo
Anodina película que intenta dar vida a una leyenda escandinava. El guion no ofrece mayores alicientes que descubrir de qué estamos hablando exactamente porque la narración nos abandona, no bien comenzado el metraje, sin saber muy bien qué dirección tomará el asunto. Y lo cierto es que no ofrece mayores alternativas por mucho que el espectador intente saciar su curiosidad atendiendo el discurrir de la trama hasta el final. Más allá de dar vida a ese curioso mito no se entiende qué es lo que se quiere contar y lo peor es que no parece hacerse especialmente bien, que es lo peor para una película.
Guion: John August (Historia: Tim Burton, Leonard Ripps)
Música: Danny Elfman
Fotografía: Peter Sorg
Animación
Una sabia reelaboración del clásico mediante imágenes sugerentes y continuas referencias al cine de otra época. Técnicamente primorosa sabe jugar con el presente y el pasado y agradar tanto a los que buscan una historia que llevarse a la boca como a quienes prefieren el homenaje de los mejores que hubo en esto del cine.
Una constante en el cine de Burton es precisamente rendir tributo a quienes hicieron cine, a veces, mal cine, pero cine igualmente, justo en el momento en el que casi todo era una aventura porque no había referencias. Eso está muy presente en Frankenweenie, además de las referencias a todo lo que rodea el mito de Frankenstein, referencias en muchos casos divertidas y lúcidas.
Para acabar de cerrar el círculo en esta buena producción, la historia tiene, por otro lado, suficiente peso por sí misma para volar sola al margen de los homenajes. Una historia muy peterpanesca en el que el protagonista se resiste a considerar que las cosas son como son y lucha con todas sus fuerzas contra la entropía. El secreto de su éxito es el ingrediente personal de su fórmula magistral, el amor.
Dirección: Lucas Belvaux
Fotografía: Pierric Gantelmi d'Ille
Reparto: Yvan Attal, Sophie Quinton, Nicole Garcia, François Feroleto, Natacha Régnier
Película de dos caminos, en un caso interesante a base de una notable reflexión sobre la culpa, aunque quizás un tanto dramática e hiperbólica.
Del otro lado, bastante menos positiva, con una banda sonora chirriante y mal acabada, un verdadero destrozo; y un reparto melifluo, sin garra, ajeno a las necesidades del guion. Personajes que van por un lado completamente diferente del que deambulan los actores. Especialmente fuera de foco aparece una Sophie Quinton absurda e inapetente.
La reflexión pierde algo del sentido debido en parte a la responsabilidad del reparto, pero también, como apuntábamos por el exceso en el drama. No es una ninguna tontería sumir la parte de responsabilidad en la omisión de ayuda, pero también es verdad que parece excesiva la culpa que los propios implicados se autoinflingen.
Parecería más conseguida si es que existe algo previo a la culpa, una vida, un algo, más que esa especie de lento letargo del que parece desprenderse como necesidad vital esas pocas ganas por vivir.
Reparto: Caity Lotz, Casper van Dien, Agnes Bruckner, Sam Ball, Haley Hudson, Kathleen Rose Perkins
Apunta maneras la manera de dirigir de este director. Desde luego no es una película que vaya a recordar el espectador mucho después de haberla visto, pero sí que es cierto que entre líneas se puede ver un manejo del tiempo, del suspense y de la acción que, puesto al servicio de mejores guiones, dará, sin lugar a dudas, mejores resultados.
El guion no permite mayores lucimientos, una floja historia que daría un corto aceptable pero que, convertido en largo, no deja de ser una de muchas idioteces con fantasmas y esas cosas.
No hay mucho más, unos cuantos sustos y unas cuantas caras bonitas pero la verdad no hay mucho más de que hablar si no fuera por la dirección.
El reparto es flojo, Caity Lotz tiene presencia para esto del cine, pero debe mejorar mucho y rápido porque de lo contrario su encasillamiento puede ser definitivo igual que su propensión a arruinar escenas por no saber muy bien qué hacer con la cara.
Título: Chained
Año: 2.012/ 108'/ EE.UU.
Dirección: Jennifer Chambers Lynch
Guion: Damian O'Donnell
Música: Climax Golden Twins
Fotografía: Shane Daly
Reparto: Vincent D'Onofrio Eamon Farren, Julia Ormond, Gina Philips, Jake Weber, Conor Leslie, Evan Bird
Inquietante, oscura y dura película que profundiza en los aspectos psicológicos de un asesino en serie. Cierto es que quizás la historia no ofrezca excesivos sobresaltos en cuanto a originalidad si exceptuamos tres o cuatro detalles. Quizás lo dicho anteriormente no es del todo exacto si nos centramos en el papel que juega como contrapunto el personaje al que da vida Eamon Farren, sirve, de alguna manera, para rizar el rizo y extraer ciertas notas nuevas de la mente de un asesino de estas características.
Pero lo que sí que queda claro al espectador es que el guion no es el fuerte de esta producción, no se trata de un ejercicio poderosamente novedoso en el que se nos propone un viaje al fin de la mente de un perturbado cuyo objetivo en la vida es destripar seres humanos. Más bien están en la lista de los debes ciertos problemas y soluciones facilonas del guionista.
De todos modos, si algo llama la atención desde el principio, es la personal mirada de la directora. Una magnética e intensa percepción del opresivo ambiente que debe rodear a este tipo de personas. Muy eficaz y muy manejados los tiempos.
Lo mejor de la película, sin lugar a dudas, es la actuación de Vincent D'Onofrio. Espectacular su modo de captar la esencia de un perturbado con coeficiente intelectual bajo a base de una actuación escalofriante que es la que realmente le pone tensión a la película. Sólo por este papel es interesante visualizar la cinta. Imperativo verla en versión original para disfrutar de los matices de la voz de este actor.
Reparto: Robert Wieckiewicz, Benno Fürmann, Agnieszka Grochowska, Maria Schrader, Herbert Knaup, Marcin Bosak, Krzysztof Skonieczny, Milla Bankowicz, Oliwer Stanczak
Buena película que se centra en los esfuerzos titánicos de algunos héroes por ayudar a sus semejantes a escapar de la orgía de odio y barbarie que, de vez en cuando, sacude la faz de la tierra. En este caso, durante la ocupación alemana de Polonia en la Segunda Guerra Mundial y la persecución de los judíos que allí se produjo, un trabajador de las alcantarillas de la ciudad salva y cuida a algunos de ellos de la muerte. Lvov es una de las ciudades tristemente famosas por el genocidio nazi y, posteriormente, por la ofensiva del ejército rojo. Allí hubo fusilamientos en masa, y un ghetto que se desmantelará con el objetivo de aniquilar a sus ocupantes.
La película narra cómo algunos de ellos pudieron salvarse gracias a la acción de un polaco que aprender, en sus propias carnes que los seres humanos somos todos iguales.
La calidad del reparto y la brutalidad de la historia ayudan a que el espectador apenas pueda apartar la mirada de la pantalla.
Un metraje bastante largo que bien pudo ser recortado para ganar cierta intensidad en algunos momentos en los que hubiera sido necesario un mayor ritmo afea algo el resultado final. De todos modos son pequeños defectos que a una cinta como ésta, por su carácter educativo, habría que pasar por alto.
Es necesario que guiones como éstos recuerden en qué nos podemos convertir, incluso aquellos que se sienten mejores como supuestas cunas de la civilización.
Habría que recordar estos episodios recientes de nuestra historia para que nos demos cuenta de que el nacionalismo, lleve la bandera que lleve, no es una más que una religión sinsentido que pretende hacernos creer que somos mejores por haber nacido aquí o allí. No sólo un absurdo sino una tremenda barbaridad.
No podemos ni debemos olvidar qué es lo que llevó a los alemanes a este paroxismo en el siglo pasado, ni más ni menos que creerse superiores. Cualquier nacionalismo es malo, pongamos el nombre que pongamos no deja de ser puro racismo disfrazado, irónicamente, de ciertos tintes progresistas en algunos casos. Paranoico.
Esta película nos recuerda cosas tan elementales como esas. Y nos hace ver cómo la razón es el mejor antídoto contra ideas tan estúpidas como las nacionalistas, nos hace ver cómo la razón sí que puede cambiar a las personas y llevarlas a cometer actor tan heroicos como los que aquí se narran.
Reparto: Aaron Eckhart, Olga Kurylenko, Liana Liberato, Kate Linder, Neil Napier, Garrick Hagon, Eric Godon, David Bark-Jones, Simone-Élise Girard, Jade Hassouné
Dentro de los fenómenos paranormales en el cine, nos encontramos guiones como estos en los que un agente de la CIA o un ciudadano estadounidense cualquiera se dedica de llenar de plomo, muertos y explosiones una ciudad europea sin que ningún policía diga esta boca es mía.
En este caso una trama de problemas internos de la propia agencia de inteligencia se resuelve a tiro limpio por las calles de Bruselas y otras ciudades belgas.
Y lo peor no son esos detalles de ciencia ficción que tiene, de entrada, el asunto, lo peor es la estupidez congénita de un guion absurdo, sobre una situación absurda en la que todo el mundo se dedica a hacer lo más absurdo para conseguir una película tan mala como esta.
Olga Kurylenko tiene un papel completamente incoherente en el que, por lo menos, además de sus escasos recursos como actriz, luce su belleza. Aaron Eckhart tiene voz y el resto del reparto se dedica a aguantar el tipo sin estorbar demasiado el desastre del guion.
La trama de pseudo cutre espionaje se ve aderezada con tintes de drama psicológico entre padre e hija, con leves incursiones de Kurylenko, que son lo peor del enredo. Una adolescente debe salvar su vida mientras descubre que su padre ha abandonado a su madre enferma, en el camino se ha liado con una agente de bandera, ha matado a un montón de gente y algunas pequeñas minudencias más. Por eso en una escena lo odia y en la siguiente lo ama.
El guion y el director también han querido colocar el aspecto inmigrante en la película mediante un par de cientos de tópicos y poco más además de una bandera argelina estratégicamente situada.
Título: The best exotic Marigold Hotel (El exótico Hotel Marigold)
Año: 2.011/ 124'/ Gran Bretaña
Dirección John Madden
Guion: Ol Parker (Libro: Deborah Moggach)
Música: Thomas Newman
Fotografía: Ben Davis
Reparto: Judi Dench, Bill Nighy, Maggie Smith, Tom Wilkinson, Celia Imrie, Ronald Pickup, Penelope Wilton, Dev Patel, Tena Desae.
Película de arranque interesante con una idea que debería estar de más actualidad como es el envejecimiento de la población y la falta de recursos para costear los prolongados años en los que los mayores viven sin producir.
La alternativa planteada en la película es muy interesante y al principio la historia avanza con gracia y oficio apoyándose en un reparto profundo y largo con actores contrastados.
Pero así, cuando el castillo está construido y el espectador comienza a esperar el segundo punto de giro para que la película continúe con el buen arranque, se desmorona irremediablemente, casi catastróficamente. La irrupción del elemento exótico hace aguas. La cámara se lía a sí misma en una suerte de planos sin sentido en los que la música y el caos pretenden dar idea de lo que es la India, pero fracasa porque no hay ideas, las mismas que la parecen faltar a Dev Patel para construir un personaje que aglutine ese caos en un carácter que debería ser mezcla de todo lo que la India aportaría al crecimiento personal y catarsis de los personajes. En vez de eso, nada.
Los viajeros no avanzan, y quienes lo hacen, son tragados por un guion que no se da cuenta de la necesaria evolución que deben tener personajes como esos. Hay que huir de los tópicos y no puede ocurrir que un magistrado asuma su condición sexual contándoselo a todo ser vivo de la noche a la mañana con un final digno de las peores telenovelas con elementos simbólicos burdos y folletinescos.
Lo mismo cabe decir del resto de los personajes, a duras penas soportados si no fuera por la calidad de los actores que los interpretan.
Absurdas soluciones, previsibles, desenfocadas, mal narradas y peor filmadas, desaprovechando todos los elementos que se le hacen necesarios a cualquier espectador para caer en una autocomplacencia que no deja lugar ni para la sonrisa inicial.
A partir de ahí la película no avanza ni un ápice hasta la traca final donde los peores presagios se confirman uno tras otro.
Reparto: Denzel Washington, Ryan Reynolds, Vera Farmiga, Brendan Gleeson, Sam Sephard, Rubén Blades, Nora Arnezeder, Robert Patrick, Liam Cunningham, Joel Kinnaman, Fares Fares, Fana Mokoena.
Típica película de género, con demasiados tópicos de guion para sonar interesante, sin embargo, lo que hace lo hace bien. Con un buen ritmo entretiene a pesar de su larguísimo metraje que no juega a su favor.
Si por algo merece la pena, es por extraordinario trabajo de Denzel Washington. Él solo consigue mantener la película a flote y resguardarla de tanto tópico, camino trillado y falta de luces. Sam Sephard, Vera Farmiga y Brendan Gleeson apoyan la estructura de un reparto ya muy consolidado.
Junto a ellos, Ryan Reynolds, sin llegar a sobresalir, sí que demuestra ser algo más que una cara, ya lleva tiempo demostrándolo pero necesita un papel para que los encasillamientos que pesan sobre él dejen de funcionar.
Sorprende la simpleza del esquema buenos y malos sin mayores aditivos dejando todo el peso de su originalidad al ritmo.
Por lo demás, la ambientación en Suráfrica ayuda a la oscuridad de la trama y a la impunidad de tanto tiroteo y violencia.
